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" Bing-Video"

Eigentlich wollten sie sich ja nur weltweit präsentieren, aber sie konnten ja nicht  gleichzeitig überall sein. Ein Video von Lasse Hallström gedreht, sollte Abhilfe schaffen und sie zum gleichen Datum weltweit präsentieren. !!! 

Das erste Video von Ihnen überhaut war wohl eine Katastrophe, mit ungebügelten Gardinen in der Wohnung des Regisseurs, aber dennoch, es war genau der Durchbruch und der beginn einer einzigartigen Karriere.

Nachdem die Originale sich nun nur noch im Video zeigen gibt es inzwischen auch eine "Tribute Show", in der man die tollen Songs live genießen kann:

eventim.de

Die Fans von Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus, Benny Andersson und Anni-Frid Lyngstad fordern schon seit Jahren die Wiedervereinigung der schwedischen Supergruppe. Das Musical "Mamma Mia!", das später auch verfilmt wurde, war ein großer Erfolg.

(Link: Erinnern Sie sich an die ikonischen Musikstars der 1970er?)

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Wiki:
ABBA - Wikipedia
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Abba - "Fernando"

Mit dem Song "Fernando" stiegen Abba endgültig zu Weltstars auf.     Ursprünglich hatten Björn und Benny "Fernando" für das Soloalbum von Frida aus dem Jahr 1975 geschrieben. Während Frida das Lied in der schwedischen Version sang, nahm die Band es in einer englischen Fassung auf. Der Song, der von einer lange zurückliegenden Sternennacht handelt und ein Antikriegslied ist, wurde ein weiterer Nummer-eins-Hit für Abba.

Die Geschichte mexikanischer Freiheitskämpfer     Eigentlich sollte es nur ein ganz normales Liebeslied werden, aber Björn Ulvaeus fand das irgendwie zu banal. Eines schönen Abends saß er auf der Veranda seines Sommerhauses, schaute in den Sternenhimmel, und da hatte er die Idee zu dieser Textzeile: "There was something in the air tonight, the stars were bright, Fernando. They were shining there for you and me, for liberty, Fernando." Und so wurde aus der Liebesgeschichte die Geschichte zweier mexikanischer Freiheitskämpfer, die im 19. Jahrhundert nachts an einem Lagerfeuer am Rio Grande sitzen und über ihre Taten nachdenken. Fernando spielt dabei Gitarre.

Ein Nummer-eins-Hit - auch in Mexiko     Das hatte was und war ein schöner Kontrast zum lustigen Vorgänger-Hit "Mamma Mia". Die Rechnung ging auf. Mit mehr als zehn Millionen verkauften Platten wurde "Fernando" Abbas kommerziell erfolgreichste Single und landete in vielen Ländern auf Platz eins, darunter auch in Mexiko. Zwei Jahre nach ihrem grandiosen Sieg beim Grand Prix waren aus Björn, Benny, Agnetha und Frida endgültig Weltstars geworden. 

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Rolling Stone - Germany -

Platz

67AC/DC, 
 „Hell’s Bells“

Jedes Mal, wenn diese Glocken läuten, bekommt ein Teufel seine Flügel und Bon Scott zerdrückt eine Leere auf seiner Stirn. „Hells Bells“ ist der epische Opener von AC/DCs Back in Black, mit läutenden Glocken über den schädelzerquetschenden Doppelgitarren von Angus und Malcolm Young. Brian Johnston war gerade erst der neue Sänger, der nach Scotts tragischem Tod die Band übernommen hatte, aber er hält sich nicht zurück. „If you’re into evil, you’re a friend of mine“ (Wenn du auf das Böse stehst, bist du ein Freund von mir) ist so ein nachvollziehbares Gefühl.

Adele  -- Skyfall
Wiki!?
Adele Laurie Blue Adkins MBE (* 5. Mai 1988 in London, England), besser bekannt als Adele [əˈdɛl], ist eine britische Pop-, Soul-, Jazz- und R&B-Sängerin sowie Songwriterin.

Die Oscar-, Golden-Globe- und sechzehnfache Grammy-Gewinnerin^[1][2] hat bislang mehr als 100 Millionen Tonträger verkauft, womit sie zu den erfolgreichsten Sängerinnen des 21. Jahrhunderts zählt.^[3] Adeles im Jahr 2011 veröffentlichtes Album 21 ist mit über 31 Millionen verkauften Exemplaren das weltweit meistverkaufte Album des 21. Jahrhunderts.^[4]

2006: Karrierebeginn und erste Auftritte

[Bearbeiten | Quelltext bearbeiten]

2006 schloss Adele die BRIT School for Performing Arts ab – wo sie mit Leona Lewis und Jessie J in einer Klasse war – und tourte danach mit verschiedenen Musikern durch Großbritannien. Große Popularität erreichte sie durch die Webseite Myspace, bei der sie bereits seit dem 31. Dezember 2004 angemeldet ist. Eine von einem Freund dort eingestellte Demoaufnahme mit drei Liedern führte zum Angebot eines Plattenvertrags durch XL Recordings Ende 2006.^[12][13]

Es folgten Fernsehauftritte in Großbritannien, unter anderem bei Later with Jools Holland bei BBC Two und Friday Night with Jonathan Ross bei BBC One.

2007–2009: Debütalbum 19 und Durchbruch

Mit der Veröffentlichung der Single Hometown Glory wurde im Herbst 2007 ein größeres Publikum auf sie aufmerksam. Im Dezember erhielt sie den erstmals verliehenen Kritikerpreis Critics’ Choice der BRIT Awards, mit dem vielversprechende Nachwuchstalente ausgezeichnet werden. Bei der renommierten BBC-Sendung Sound of …, die alljährlich prognostiziert, welche Künstler im Folgejahr den Durchbruch schaffen, wurde sie bei Sound of 2008 auf Platz eins gewählt. Die zweite Single Chasing Pavements startete im Januar 2008 auf Platz zwei der britischen Charts und konnte sich dort drei Wochen halten. Ihr Debütalbum 19, ein Hinweis auf ihr Alter, stieg bis an die Spitze der britischen Albumcharts. Innerhalb weniger Wochen wurde die Single daraufhin in weiteren europäischen Ländern veröffentlicht und stieg in vielen davon in die Charts ein. In Norwegen gelang Chasing Pavements Mitte März 2008 der Sprung auf Platz eins. Ihre Lieder handeln meist von Gefühlen, Enttäuschungen und Gedanken aus ihrer letzten Beziehung.

Adele erhielt 2009 die Grammys als „Bester neuer Künstler“ und „Beste weibliche Gesangsdarbietung – Pop“ für Chasing Pavements. Nominiert war sie mit diesem Titel darüber hinaus als „Song des Jahres“ und „Single des Jahres“.

"Skyfall" was released at 0:07 BST on 5 October 2012 as part of the Global James Bond Day, celebrating the 50th anniversary of the release of Dr. No, the first James Bond film.

Nachdem Adele das Instrumentalstück des Bond-Klassikers gehört hatte, brauchte sie nur 10 Minuten, um den Gesang für „Skyfall“ zu schreiben und aufzunehmen, der später mit dem Oscar für den besten Originalsong ausgezeichnet wurde.

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Adriano Celentano - "Azzurro"           
 

1968 wurde Adriano Celentano zum Weltstar.

Ausgeprägter Macho-Charme, markantes Gebiss, strähnige Haare und knarzige Stimme sind die Markenzeichen des Mannes, der seit Jahrzehnten zu den berühmtesten Söhnen Italiens gehört. Schon in den frühen 60er-Jahren wurde Adriano Celentano als italienische Antwort auf Elvis Presley gefeiert. 1968 hat der Schauspieler und Sänger "Azzurro" aufgenommen.

Ein Lied für Celentano    "Il ragazzo della via Gluck" - "Der Junge aus der Via Gluck" war einer seiner ersten großen Erfolge. In der von ihm besungenen Straße in Mailand hatte Adriano Celentano seine Kindheit verbracht - eine Zeit, an die er sich gerne erinnert. "Die Trennung von der Via Gluck war für mich ein großes Trauma. Ich habe sofort verstanden, was das Schöne und was das Hässliche ist. Das Schöne ist die Via Gluck, das Hässliche war das Zentrum von Mailand mit seinem Verkehr, den Straßenbahnen und ohne einen einzigen Baum." Dieses Trauma klingt auch in seinem größten Hit an. In "Azzurro" singt Adriano Celentano von der Einsamkeit in der Stadt und der Sehnsucht nach dem früheren Leben, während seine Liebste irgendwo am Strand den Sommer genießt. Das Lied war ihm 1968 förmlich auf den Leib geschrieben worden, von dem damals noch unbekannten Jazzmusiker und Liedermacher Paolo Conte. "Ich finde, dass Lieder ein wenig wie Filme konstruiert werden. Beide müssen eilig eine Geschichte erzählen, mit Einblendungen, Flashbacks, sie in drei Minuten zusammenfassen, höchstens vier - die ideale Dauer eines Songs", sagt Paolo Conte. Und genau das ist ihm mit "Azzurro" gelungen.

Internationaler Durchbruch mit "Azzurro"    Das Lied wurde ein Welthit, Paolo Conte machte sich einen Namen in der Musikszene und Adriano Celentano feierte seinen internationalen Durchbruch. Heute ist es auf dem internationalen Parkett zwar etwas ruhiger um ihn geworden. In seiner Heimat ist er aber nach wie vor ein großer Star, der bei seinen Auftritten kein Blatt vor den Mund nimmt und sich seinen Macho-Charme bewahrt hat.

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"Rolling Stone - Germany"     
       -   Das ultimative Ranking: Die 200 besten Songs der 80er  

194A-ha,

„Take On Me“

Das norwegische Pop-Trio eroberte Amerikas Herz mit seinen Wangenknochen, seinem Video, aber vor allem mit dem Falsett von Morten Harket. Harket kann diesen hohen Ton 18 Sekunden am Stück halten, was unwirklich ist. „Dinge, die man vom norwegischen Fremdenverkehrsbüro erfährt“: Harket hält den Weltrekord für die am längsten gehaltene Note in einem Popsong. Bei seiner Single „Summer Moved On“ aus dem Jahr 2000 hielt er sie 20,2 Sekunden lang und brach damit den Rekord von Bill Withers‘ „Lovely Day“ um zwei Sekunden. Bravo, Norwegen.

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***:

"Take on me" erstmals wurde die Welt des Comic mit der Realwelt verbunden ...

Ein klassisches Beispiel: ... 1984 ohne Clip erschienen, keine Resonanz Dann kam extrem gut 
aussehenden Frontman ins Spiel. AHA konnte davon leben. Technik schreitet heftig voran weitere 
Clips sammeln Interesse für die Gruppe.... 

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Al Martino - "Spanish Eyes" , 

1964, Mit dem Song "Spanish Eyes" aus der Feder des deutschen Komponisten Bert Kaempfert landete Al Martino seinen größten Hit.

Ein Welthit, geschrieben von einem Norddeutschen, von Bert Kaempfert. Dieses Lied gehört zu den 100 erfolgreichsten Hits des 20. Jahrhunderts und stand 1966 bei uns ganz oben in den Hitparaden - nach einem langen, langen Weg. Bert Kaempfert komponierte in seinem Wochenendhaus am Brahmsee in Schleswig-Holstein im Sommer 1964 eine Melodie mit dem Titel "Mond über Neapel" - bei selbst gemachten Spaghetti, allerdings auch bei norddeutschem Schmuddelwetter mit Windstärke 8.      
Das fertige Werk schickte er der amerikanischen Plattenfirma, bei der er exklusiv unter Vertrag stand. Die Bosse dort wollten lieber etwas Spanisches und machten aus dem "Mond über Neapel" "Spanische Augen" - "Spanish Eyes". "Mond über Neapel" wird seitdem in Klammern dazu geschrieben.

"Spanish Eyes" - eigentlich ein Song für Freddy Quinn    
Singen sollte es - so hatte es Bert Kaempfert geplant - Freddy Quinn, der auf dem besten Wege war, auch in Amerika ein Star zu werden.  Aber Freddy Quinn und Bert Kaempfert standen bei verschiedenen Plattenfirmen unter Vertrag. Und die konnten sich nicht auf eine Zusammenarbeit verständigen. Das Lied ging deshalb an einen anderen Künstler:  An „Al Martino“. Er landete damit einen Welthit, und "Spanish Eyes" wurde sogar Al Martinos musikalisches Markenzeichen.

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1971 veröffentlichte die Allman Brothers Band das Live-Album  "At Filmore East" (aus dem Album, hier:  "Statesboro Blues") das von vielen Musikkritikern als eines der besten Live-Alben aller Zeiten angesehen wird und die Band auf ihrem viel zu kurzen Höhepunkt festhielt. Noch im selben Jahr kam Gründungsmitglied Duane Allman bei einem Motorradunfall ums Leben. Fast ein Jahr später kam auch der Bassist Berry Oakley bei einem Motorradunfall ums Leben.
(Link: Erinnern Sie sich an die ikonischen Musikstars der 1970er?)

Wiki:
The Allman Brothers Band - Wikipedia

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Amy Whinehouse

I heard it ..."

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Amy Winehouse: Was ihre Alben so besonders machte

Amy Winehouse - Back To Black

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Annie Lennox - Wikipedia:

"Ann Lennox OBE (born 25 December 1954) is a Scottish singer-songwriter, political activist and philanthropist. After achieving moderate success in the late 1970s as part of the new wave band the Tourists, she and fellow musician Dave Stewart went on to achieve international success in the 1980s as Eurythmics. She appeared in the 1983 music video for "Sweet Dreams (Are Made of This)" with orange cropped hair and wearing a lounge suit. Subsequent hits with Eurythmics include "There Must Be an Angel (Playing with My Heart)", "Love Is a Stranger" and "Here Comes the Rain Again".

Lennox embarked on a solo career in 1992 with her debut album, Diva, which produced several hit singles including "Why" and "Walking on Broken Glass". The same year, she performed "Love Song for a Vampire" for Bram Stoker's Dracula. Her 1995 studio album Medusa includes cover versions of songs such as "No More 'I Love You's'" and "A Whiter Shade of Pale". To date, she has released six solo studio albums and a compilation album, The Annie Lennox Collection (2009). With eight Brit Awards, which includes being named Best British Female Artist a record six times, Lennox has been named the "Brits Champion of Champions".^[1] She has also collected four Grammy Awards and an MTV Video Music Award. In 2002, Lennox received a Billboard Century Award; the highest accolade from Billboard.^[2] In 2004, she received the Golden Globe and the Academy Award for Best Original Song for "Into the West", written for the soundtrack to the feature film The Lord of the Rings: The Return of the King.

Lennox's vocal range is contralto. She has been named "The Greatest White Soul Singer Alive" by VH1 and one of The 100 Greatest Singers of All Time by Rolling Stone."

...
"Artists who have admired and/or cited Lennox as an influence on their career include Adele,^[124] Sophie Ellis Bextor,^[125] Taylor Swift,^[126] Darren Hayes,^[127] Zee Machine,^[128] Nelly Furtado,^[129] Jessie Ware^[130] and Melanie C.^[131] OMD frontman Andy McCluskey praised her "amazing, androgynous look", noting that it was "a bit scary" in the early 1980s."

"Lennox was diagnosed with ADHD at 70 years old."

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***:
In ihren Clips erscheinen oft recht skurile Gestalten und erzeugen fremd wirkende Atmosphären
z.B:  Annie Lennox - No More "I Love You's" (Official Video)

Bei einer Gelegenheit:
schwenkte sie zwischen Männer- und Frauen Rollen hin und her. Daher verlangte man einmal ihre Geburtsurkunde zum Nachweis, dass sie nicht transvestid ist!

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Rolling Stone - Germany 

Platz   87Aretha Franklin, „Who’s Zoomin’ Who“Arethas ausverkaufte Zeit Mitte der achtziger Jahre war eine goldene Ära. Mit Who’s Zoomin‘ Who und Aretha war die Queen eine Minute lang dem Pop verpflichtet. Wie seltsam ist es, dass Aretha innerhalb von ein paar Jahren, ’85-’87, sieben Top-40-Hits landete, sich dann aber nie mehr darum bemühte? Während alle anderen Sixties-Veteranen den Tiefpunkt erreichten? Es war der einzige Moment in ihrer Karriere, in dem Lady Soul die Leute für sich gewinnen wollte – aber dann kam sie darüber hinweg, in einem weiteren Aretha-Rätsel. „Who’s Zoomin‘ Who“ enthält eine ihrer fiesesten Verabschiedungen: „Fish in the sea, but they ain’t me!

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MSN

Abseits der Bühne: Seltene Schnappschüsse legendärer Musiker

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Atlantis guitar band - Full Concert, amazing guitar instrumental show Official music video

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B. J. Thomas - "Raindrops Keep Fallin' On My Head", 

1969 film Butch Cassidy and the Sundance Kid

B. J. Thomas konnte seinen Nummer-Eins-Hit "Raindrops Keep Fallin' On My Head" nie wiederholen.

Obwohl der Mann mehr als 70 Millionen Tonträger verkauft und fünf Grammys gewonnen hat, ist der Amerikaner B. J. Thomas hier bei uns weitgehend unbekannt. Sein größter Hit aber ist ein Evergreen: "Raindrops Keep Fallin' On My Head", geschrieben für den Western "Butch Cassidy And The Sundance Kid" - Paul Newman und Robert Redford spielten zwei abgehalfterte Raufbolde auf der ständigen Flucht vor der Polizei. Bei uns kam der Film Ende der 60er unter dem Titel "Zwei Banditen" in die Kinos. In einer Szene unternimmt Paul Newmann eine Radtour mit einer jungen hübschen Frau. Dazu schrieben die beiden Komponisten Burt Bacharach und Hal David einen Song über einen Mann, der sich einfach nur des Lebens freut, selbst wenn ihm Regentropfen auf den Kopf pladdern. In der Filmszene regnet es übrigens nicht.

Mit Kehlkopfentzündung im Studio:       Nachdem sie den Song fertig komponiert hatten, suchten Burt Bacharach und Hal David einen Sänger für ihr Lied:    Bob Dylan oder Ray Stevens schwebte ihnen vor. Diese aber wollten nicht. Zufällig bekam die Popmusik-Diva Dionne Warwick von der Suche Wind. Sie empfahl B. J. Thomas, der gerade mit "Hooked On A Feeling" einen Hit gelandet hatte.  Das Dumme war nur: Er hatte sich eine Kehlkopfentzündung eingefangen. Doch die Chance, für einen großen Hollywood-Film ein Lied aufzunehmen, bekommt man nicht so oft. Deshalb ging B. J. Thomas mit einem dicken Hals ins Tonstudio: Jedoch & kurioserweise war es nun gerade diese heisere, etwas brüchige Stimme, die den Verantwortlichen so sehr gefiel. Und auch dem Publikum. "Raindrops Keep Fallin' On My Head" wurde so ein #1-Hit.   1970 bekam er den Oscar & gilt heute als totales Evergreen. "Ich war einfach zur richtigen Zeit am richtigen Ort", sagte B. J. Thomas, der diesen Riesen-Erfolg allerdings nicht wiederholen konnte. 

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Backstreet Boys: Die Geschichte der Boyband | Watch

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BAP
BAP ist eine Kölschrockband um den Frontmann Wolfgang Niedecken und eine der erfolgreichsten deutschsprachigen Rockbands. Bis 1981 trat die Mundart-Band unter dem Namen Wolfgang Niedecken’s BAP auf, danach bis 2014 als BAP, seitdem nennt sie sich Niedeckens BAP.

Von den 27 BAP-Alben erreichten 22 die Top Ten, davon belegten 13 Platz eins der deutschen Charts. Damit übertraf BAP die Rekordmarke der Beatles von zwölf Nummer-eins-Alben in den deutschen Albumcharts.

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Abseits der Bühne: Seltene Schnappschüsse legendärer Musiker

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Barry White & Lionel Richie ❤️ Timeless Romantic Soul Love Songs | Midnight Classics

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Bata Illic

Bürgerlicher Name: Bata Illic
Geburtsdatum: 30. September 1939 Sternzeichen: Waage
Wohnort: München
Ausbildung: Philologie: Englisch und Italienisch Augenfarbe: blau
Größe: – Partner: Olga Illic
Kinder: keine 5 Fakten über Bata Illic 1. Bata Illic war zwei Jahre als Lehrer tätig. 2. Bata Illic war 2008 in der Sendung „Ich bin ein Star – Holt mich hier raus!“ zu sehen. 3. Bata Illic gründete die Band „Bata Illic & Band“.
4. Bata Illic träumte als Kind davon Arzt zu werden.
5. Bata Illic wurde in Belgrad geboren. Biografie: Die wichtigsten Stationen in seinem Leben Bata Illic wurde am 30. September 1939 in Belgrad im ehemaligen Jugoslawien als Sohn eines Finanzbeamten geboren. Nach der Schule studierte er Philologie, Englisch und Italienisch. Danach arbeitete er zwei Jahre als Lehrer. In dieser Zeit startete er auch seine musikalische Laufbahn. 1967 produzierte Illic seine erste Schallplatte. Es folgten Hits wie Mit verbundenen Augen und Schuhe so schwer wie ein Stein. Fünf Jahre Später feierte er mit dem Schlager Michaela seinen größten Erfolg. Es folgten zahlreiche Fernsehauftritte, unter anderem in der ZDF Hitparade. In den Achtziger Jahren wurde es etwas ruhiger um Bata Illic. Teilnahme an der Show „Ich bin ein Star, holt mich hier raus“ Im Jahr 2008 nahm Bata Illic an der Show „Ich bin ein Star, holt mich hier raus“ teil und belegte hinter Gewinner Ross Anthony und Michaela Schaffrath den dritten Platz. „Ich bin froh, dass ich dieses Erlebnis machen konnte“, sagte er.

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"Let the good times Roll":

"Let the  Good Times Roll":

Beach Boys: Der ultimative Album-Guide

                                              (Rolling-Stone Deutschland)

Beach Boys: Der ultimative Album-Guide

                                              (Rolling-Stone Deutschland)

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O.N.O ---- Sydney 1999 ....

BEE GEES: O. N. O. SYDNEY 1999 (COMPLETE SHOW)

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Bellamy Brothers - "Let Your Love Flow"    
Die Bellamy Brothers haben ihren Traum erfüllt: Stars zu sein.

Sommer 1976 - die Brüder Howard und David Bellamy aus dem kalifornischen Darby sind am Ziel ihrer Träume. Sie sind gefeierte Stars und jetten rund um den Globus. Ein paar Jahre vorher hatte die Welt der beiden noch ganz anders ausgesehen. David hatte Golfplätze bewacht, sein Bruder Howard war Viehhändler. Den ersten Schritt ins Showgeschäft machten die beiden musikbegeisterten Farmer-Jungs 1973.

Zwischen Roadies und Bühnenarbeitern        In einer einsamen Nacht auf dem Golfplatz hatte David ein Lied über Spinnen und Schlangen geschrieben: "Spiders and Snakes". Er bot den Song einer Plattenfirma an, die es auch prompt mit dem Country-Star Jim Stafford veröffentlichte. Als Belohnung bekamen David und Howard einen eigenen Plattenvertrag. Nur mit dem eigenen Hit wollte es nicht so recht klappen. Den großen Stars der Szene durften die beiden deshalb bestenfalls mal die Hände schütteln. Zunächst hatten Howard und David mehr Kontakt zu den einfachen Musikern und den Bühnenarbeitern, den Roadies. Wie z.B.  Larry Edwards, der für Neil Diamond die Gitarren und Verstärker schleppte. Larry hatte ein Lied über eine Sommer-Sonnen-Liebe geschrieben und es seinem Chef angeboten. Der wollte den Song mit dem Titel "Let Your Love Flow" aber nicht haben.

Ein Klassiker im Original und als Cover   Larry war enttäuscht. Statt des großen Neil Diamonds nahmen es daraufhin die bis dato immer noch recht unbekannten Bellamy Brothers auf. Der Rest ist Hitparaden-Geschichte, an der auch der spätere König von Mallorca und Fips Asmussen einen Halbsatz mitschreiben durften. Ihre deutschen Versionen von "Let Your Love Flow", "Ein Bett im Kornfeld" bzw. "Ein Korn im Feldbett", wurden damals, im Sommer 1976, ebenfalls Hits.

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Ben E. King - "Stand By Me" , 
1961,  Ben E. King war ein absoluter Gospel-Fan.

1961 war er ein großer Hit, 1986 dann nochmal und 1987 kam er weiteres Mal in die Top Ten der internationalen Hitparaden.      Benjamin Earl Nelson hatte mit 22 Jahren schon viel erreicht. Er war der Kopf der Drifters und tauchte damals, 1960, überall auf der Welt in den Hitparaden auf. Natürlich hörte Benjamin auch die Musik anderer Künstler. Vor allem Gospelsongs hatten es dem schwarzen Jungen aus North Carolina angetan. Eines seiner Lieblingslieder war ein Song der Staples Singers, in dem es heißt "Oh Herr, bleib bei mir" - "Oh Lord, stand by me". Benjamin nahm dieses "Stand By Me" als Vorlage für ein eigenes "Stand By Me" - ein Liebeslied, das er mit seinen Drifters singen wollte. Aber der übermächtige Manager der Gruppe hatte etwas dagegen.

Aufnahme mit Dionne Warwick im Background-Chor   

Vielleicht war dies der berühmte Tropfen, der sein Fass zum überlaufen brachte, denn Benjamin verließ trotz des großen Erfolges die Drifters und startete eine Solo-Karriere. Unter dem Namen Ben E. King landete er zunächst einen Hit mit "Spanish Harlem". Danach konnte er dann endlich sein "Stand By Me" aufnehmen. Der markante Anfang des Liedes, an dem man es sofort erkennt, war eine geniale Idee des Produzententeams:   Neben Ben E. King war übrigens auch Dionne Warwick an den Aufnahmen beteiligt. Der spätere Weltstar hat da noch brav im Hintergrundchor gesungen. "Stand By Me" wurde ein Riesen-Hit für Ben E. King. 1961  kam er damit erstmals in die Hitparaden, dann noch einmal 25 Jahre später, als ein Kinofilm, der in den 60ern spielte, nach dem Lied benannt wurde. Und im Jahr darauf, 1987 diente es als Hintergrundmusik für einen Jeans-Werbespot und war wiederum in aller Ohren.

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Battle of Swing - Benny Goodman Vs Glenn Miller - hosted by John Packer Ltd.

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Bill Haley & The Comets - "Rock Around The Clock" , 1954; 

Der amerikanische Sänger Bill Haley hat mit der Band "The Comets" und dem Song "Rock Around The Clock" Popmusik-Geschichte geschrieben.      

Im Mai 2013 stirbt er im Alter von 79 Jahren. Der Bassist Marshall Lytle: „Ein Mann, der echte Popmusik-Geschichte geschrieben hat“. Das war, nach Ansicht der meisten Musikexperten die Geburtsstunde des Rock'n'Roll. 
Marshall Lytle erinnert sich später: "Wir sollten den Song "Thirteen Women" aufnehmen, weil die Plattenfirma meinte, dieses Lied würde ein Hit werden. Nach anderthalb Stunden waren wir fertig und es blieben uns noch 35 Minuten. Der Plattenmanager sagte: „Okay, dann spielt noch dieses Rock-Ding, das ihr eigentlich machen wolltet“. Und es war "Rock Around The Clock".

Der Erfolg ließ auf sich warten:    Dieses Rock-Ding hatte bereits einen Monat zuvor die Band Sonny Dae and the Knights aufgenommen, doch damit nicht viel Erfolg gehabt. Bill Haley und den Comets ergeht es zunächst nicht besser. Auch sie landen mit "Rock Around The Clock" nur einen kleinen Hit. Dann aber im Jahr darauf, 1955, kommt der große Durchbruch: Der Film "Die Saat der Gewalt" - einem Jugend-Drama, das die Eltern schockierte und die Jugend faszinierte. Marshall Lytle erzählt:    "Glenn Ford, der Star des Films, hatte sich zuhause in Beverly Hills mit dem Regisseur Richards Brooks getroffen, um das Drehbuch durchzusprechen. Im Kinderzimmer nebenan hörte Glenns zehnjähriger Sohn Peter gerade "Rock Around The Clock". Und Richard Brooks sagte: Das ist der Song, den ich in meinem Film haben will!" Dann geht es ganz schnell. Brooks kauft die Rechte zum Song für 5.000 Dollar und spielt ihn zu Beginn und am Ende des Films.

Die Teenager fangen wild an zu tanzen   Als dann in den Kinos aus den riesigen Lautsprechern "Rock Around The Clock" zu hören ist, sind die Jugendlichen nicht mehr zu bremsen. Sie rasten aus und tanzen durch das Kino. Die Jugendlichen in aller Welt haben nun ihre eigene Musik und der Siegeszug des Rock'n'Rolls beginnt. Es gibt endlich etwas Neues auf dem Musikmarkt mit tollem Sound und treibendem Rhythmus.  Auch bei den Konzerten von Bill Haley und den Comets ist die Hölle los: Polizei-Einsätze gehören - auch in Deutschland - zum Alltag der Comets.  Ende der 50er-Jahre lässt der Erfolg jedoch nach. Nur, die Comets haben ihre Spuren hinterlassen. Paul McCartney, John Lennon und viele andere besuchten die Konzerte von Bill Haley & seiner Band. Der Rock'n'Roll ist geboren.

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wiki:

William Martin „Billy“ Joel (* 9. Mai 1949 in New York City) ist ein US-amerikanischer Sänger, Pianist und Songschreiber. Er trägt manchmal den Beinamen „Piano Man“ nach seinem gleichnamigen Hit aus dem Jahr 1973.

In seiner seit Anfang der 1970er Jahre andauernden Karriere hat er mehr als 160 Millionen Tonträger verkauft,^[1][2] davon alleine in seiner Heimat über 114 Millionen. Er gehört damit zu den erfolgreichsten Künstlern aller Zeiten

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MSN
8.8.2026

Diese Pianointros sind unvergesslich

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Lebenswerk....  //    "Suddenly" passt  zu Weihnachten ....

Im Video treten auch Darsteller aus einem Film auf ...

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Harte Arbeit Body ONLY

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Black Sabbath, angeführt von dem überlebensgroßen Sänger Ozzy Osbourne, ist die ursprüngliche Heavy-Metal-Band. Seitdem hat jeder Metaller Ozzy, Tony Iommi, Bill Ward und Geezer Butler mit einem wilden Kopfnicken gedankt. Ozzy, der "Fürst der Finsternis", wurde natürlich später ein Reality-TV-Star und gewann ein ganz neues Publikum für sich, bevor er die Welt 2025 verließ.
(Link: Erinnern Sie sich an die ikonischen Musikstars der 1970er?)

Wiki:
Black Sabbath - Wikipedia

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Rolling Stone - Germany -

Platz

72Blondie,
„Call Me“

Blondie hatten im Sommer 1980 einen Nummer-Eins-Hit mit diesem glänzenden Glam-Disco-Stampfer mit dem europäischen Produzenten Giorgio Moroder, der vom Soundtrack des Richard-Gere-Films American Gigolo stammt. Debbie Harry gurrt auf Französisch („appelle moi, mon cherie, appelle-moi“) und wälzt sich in Designer-Laken zu einem Riff, das ausgerechnet von Black Sabbath entwendet wurde. Debbie hat auch eine ikonische Version in der Muppet Show gespielt.

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Blondie, mit Debbie Harry an der Spitze, waren Pioniere der amerikanischen New-Wave-Szene Mitte der 1970er Jahre in New York. 1978 milderten sie ihren Sound etwas ab und produzierten das Album "Parallel Lines" mit großem kommerziellen Erfolg. Harry gilt als eine der ersten Künstlerinnen, die rappten, und zwar auf dem Blondie-Album "Rapture" (1980).
(Link: Erinnern Sie sich an die ikonischen Musikstars der 1970er?)

Wiki:
Blondie (band) - Wikipedia

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Rawhide in "A" & ....

Stand by Your man - Clip at the "Country Bunker"   ... Die Bühne hinter Gittern ... warum wohl?

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the whole Clip ... with  Aretha Franlklin-"Think" ... 

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Jailhouse Rocking ... mit wilder Autofahrt ... und das Militär mit vielen Statisten. Heute würde man mit IT - kumulieren ....

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Zusammen mit seiner Band "The Wailers" machte Bob Marley den jamaikanischen Reggae einem breiteren Publikum bekannt. Marley selbst wurde zu einer Symbolfigur für Frieden und Liebe und erhielt Beifall dafür, dass er seinen Erfolg nutzte, um die reichsten Nationen auf die Notlage der Dritten Welt aufmerksam zu machen.
(Link: Erinnern Sie sich an die ikonischen Musikstars der 1970er?)

Wiki: Bob Marley - Wikipedia

MSN:
"Nein, es ist keine Al-Bundy'sche Weisheit, die Bob Marley einst mit der gefälligen Lagerfeuer-Hymne "No Woman, No Cry" in die Welt trug. Die richtige Übersetzung lautet vielmehr: "Nein, Frau, weine nicht". Trost und Nächstenliebe also statt Schuhverkäufer-Chauvinismus.!

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wiki:

Bobby Hebb (eigentlich Robert Alvin Von Hebb; * 26. Juli 1938 in Nashville, Tennessee; † 3. August 2010 ebenda) war ein US-amerikanischer Sänger und Songwriter. Bekannt wurde er 1966 durch seinen Hit Sunny.

Bobby Hebb wuchs in einer sehr musikalischen Familie auf. Seine Eltern, obwohl beide blind waren, waren Musiker, wie auch viele Verwandte, zu denen auch der Bluesmusiker Leadbelly gehörte.^[4] Sein sechs Jahre älterer Bruder Harold hatte Steptanzen gelernt und mit ihm stand er das erste Mal als Gesangsbegleitung auf der Bühne einer Vaudeville-Show, als er gerade drei Jahre alt geworden war. Während seiner Kindheit trat er oft mit seinem Bruder und begleitet von seinen Eltern in Clubs und auf Bühnen in Nashville auf.

Später schloss sich Harold 'Hal' Hebb der R&B-Band Marigolds an, während Bobby etwa ab 1952 der Countrytruppe Roy Acuff's Smokey Mountain Boys angehörte und mit ihnen in der Grand Ole Opry auftrat, als einer der ersten Afroamerikaner. 1954 ging er nach Chicago, wo er sich für Bluesmusik zu interessieren begann und Bo Diddley kennenlernte. Kurz darauf trat er für einige Zeit der Jazzband der US Navy als Trompeter bei.

Seine erste Plattenaufnahme machte Hebb 1958 mit dem Titel Night Train to Memphis. Drei Jahre später ging er nach New York, wo er unter anderem zwei Jahre lang in Sylvia Robinson's Blue Morocco Club auftrat. Robinson war Teil des erfolgreichen Duos Mickey & Silvia (Love Is Strange) und als Mickey Baker Mitte der 60er nach Europa ging, ersetzte ihn Hebb und machte mit Robinson einige Zeit als Bobby & Sylvia weiter.

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Russell   „Honey“, 1968

"Honey", also known as "Honey (I Miss You)", is a song written by Bobby Russell. He first produced it with former Kingston Trio member Bob Shane, who was the first to release the song. It was then given to American singer Bobby Goldsboro, who recorded it for his 1968 album of the same name, originally titled Pledge of Love. Goldsboro's version was a hit, reaching No. 1 in several countries.^[2] 

In the song, the narrator mourns his absent wife, and the song begins with him looking at a tree in their garden, remembering how "it was just a twig" on the day she planted it. Only in the third verse is it finally revealed that "one day...the angels came," and that his wife is deceased.  

The song was recorded on January 30, 1968.^[4] According to Goldsboro, the recording session for the song went so well that they got it right in one go. They then recorded it again just to see if anything was wrong, and it came out just as well, so they went with the first take.^[3][5]    

"Honey" was immediately and immensely popular. It sold a million copies in its first three weeks,^[1]: BG4the fastest-selling record in the history of United Artists.^[9][10] It was certified gold on April 4, 1968, the same day that Martin Luther King Jr. was assassinated, an event that may have helped the sales of the single.^[11] It was the best-selling record worldwide for 1968, even more popular than "Hey Jude".^[1]: BG8It was a crossover hit, topping both the pop and country singles charts, one of only three songs to do so in the 1960s. The recording was nominated for two Grammy Awards in 1968: Record of the Year and Best Contemporary-Pop Vocal Performance, Male.^[12] It was awarded Song of the Year in 1968 by the Country Music Association.^[13]      
There were also foreign versions: in Italy, for example, the well-known author Daniele Pace wrote lyrics in the local language with the title Amore, mi manchi (My love, I miss you). This cover version was recorded by Bobby Solo, Peppino Gagliardi, the late Roman singer Giuliana Valci and by Goldsboro himself. 

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BONEY M - Some Of The Best

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Rolling Stone -Germany-

Platz

56Bonnie Tyler, 

„Total Eclipse of the Heart“

Power-Ballade Armageddon. In dieser Ecke: Bonnie Tyler, die walisische Popsängerin mit der Sandpapierstimme. In dieser Ecke: Jim Steinman, der Herr des Mega-Pop-Overkills, Komponist der Opernrocker von Meat Loaf und Air Supply, der Typ, der sich selbst „Little Richard Wagner“ nennt. Das Ergebnis: „Total Eclipse of the Heart“, eine Nummer-Eins-Ballade, die sich durch etwa 12 Höhepunkte windet, mit dem ultimativen Karaoke-Credo „Once upon a time I was falling in love/Now I’m only falling apart“. Mörderisches Ende: Der Kerl mit den leuchtenden Augäpfeln zwitschert ein letztes Mal „Turn around, bright eyes!“

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***:
Er wird stets als "Boy" vorgestellt, damit man nicht verkennt ... dass er Männlich ist .... 

Seit 1983 eine besondere StiI-Ikone für Jugendliche ... 
 

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Schwule werden gemobb und brechen mit ihren Eltern und flüchten in die Großstadt "Smalltown boy"

Schwul sein war in Kleinstädten die Hölle. In den Metropolen NY, London, St.Franzisko, .... findet man seine soziale Nische...

"BronskiBeat"

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**:

Er machte 1981 seine erste Deutschlandtournee unter den Fittichen von Fritz Rauh (F.R.; ** Memoiren, S. 122). Keine Luxus-Limosine sondern mit einem Kleinbus wollte er lieber unterwegs sein. Die Dinner in Paris, hatten ihm nicht so sehr geschmeckt und auf der Fahrt vom Airport zum Hotel, entdeckte er ein "MC-Donalds-Restaurants". Der Chauffer musste anhalten. Jeder bekam einen Viertelpfünder und F.R. musste mit ihm den Tisch wieder zurecht machen. Mit guter Laune erlebte HH dann eines der besten Konzerte, die je im Hamburger CCH (Congress-Centrum Hamburg) gespielt wurden.     

Bruce ist einer der beeindruckendsten Künstler: Er kommt mit kleiner Bühne zurecht, mit einfachen Instrumenten. Um damit jedoch seine hohen An- sprüche an den den Sound sicher zu stellen, probte er vor jedem Auftritt immer 2-3 Stunden. Während der ersten großen Deutschland Tournee 1981 war Peter Maffey gerade für seine nächste LP im Studio. Bruce war für ihn ein leuchtendes Vorbild. Erst beim Abschlusskonzert in London konnte F.R. Peter Maffey mit Bruce, den man den "Boss" nannte, bekannt machen.

Bruce macht sein Lied über AIDs .... die Menschen verstehen die Botschaft! .... 
 

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MSN:
"Im Sommer 1969 war Bryan Adams neun Jahre alt. "The best days of my life" dürfte der Kanadier damals also kaum erlebt haben. Wie Adams mehrfach erklärte, handele es sich bei der "69" aus "Summer Of '69" auch gar nicht um das Jahr - es gehe vielmehr um seine Vorlieben im Bett."

...
"Mit keinem Song wird Bryan Adams so sehr in Verbindung gebracht wie mit "Summer Of '69". Umso verwunderlicher, dass das Lied bei seinem Erscheinen kein Nummer-eins-Hit war. Auch textlich sorgte der Evergreen für Verwirrung. Nicht der einzige Pop-Hit, den Sie bisher vielleicht völlig falsch verstanden haben ..."

Wiki:
"Bryan Guy Adams, OC, OBC (* 5. November 1959 in Kingston, Ontario) ist ein kanadischer Rocksänger, Gitarrist, Songschreiber und Fotograf. Seit 1983 erreichte er in mehr als 30 Ländern Nummer-eins-Platzierungen in den Charts. In den rund 40 Jahren seiner Karriere verkaufte er mehr als 100 Millionen Tonträger.^[1][2]""" 

In Vancouver widmete sich Adams sehr intensiv seiner Musik. Im Alter von 15 Jahren verließ er die Highschool, um mit Bands wie Shock und Sweeny Todd nachts in den Clubs der Stadt aufzutreten. Mit Sweeny Todd nahm er als Leadsänger 1977 die LP If Wishes Were Horses… Then Beggars Would Ride auf, die 2004 unter dem Titel Bryan Adams – The Early Years um zwei weitere Songs aus dieser Zeit ergänzt erneut veröffentlicht wurde. 1978 verließ er die Band."

"Bryan Adams: Alles über den kanadischen Megastar | ROCK ANTENNE"

MSN
8.8.2026
Diese Pianointros sind unvergesslich
"(Everything I Do) I Do It for You" – Bryan Adams

Buddy Guy: Fever

Buddy Guy, The Holmes Brothers, Pinetop Perkins

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Buddy Holly - "Peggy Sue"    
Die große Hornbrille wurde zum Markenzeichen von Buddy Holly.

Peggy Sue war damals, 1957, ein bildhübscher Teenager. Und Buddy Holly dank seiner ersten beiden Hits "That'll Be The Day" und "Oh boy" bereits ein Star. Nach einem Konzert liefen sich die beiden zufällig in die Arme und Buddy meinte: "Du siehst toll aus, aber ich hab' leider keine Zeit, dich abzuschleppen!" Drei Wochen später trafen sich die beiden wieder. Peggy Sue war mittlerweile mit Buddy Hollys Schlagzeuger Jerry Allison zusammen. Buddy lachte und sagte zu Jerry: "Ich hab' deine Peggy Sue bereits bestürmt!"

Aus "Cindy Lou" wird "Peggy Sue"

Buddy Holly fand den Namen Peggy Sue irgendwie nett. Kurzerhand schrieb er den Text seines neuesten Songs um. Eigentlich sollte das Lied "Cindy Lou" heißen – wie Buddys Nichte. Nun wurde "Peggy Sue" daraus. Buddys Drummer war keinesfalls eifersüchtig, sondern stolz wie Oskar. Und als es dann ins Tonstudio ging, war Jerry dermaßen aufgeregt, dass er den von Buddy Holly gewünschten Cha-Cha-Rhythmus irgendwie nicht hinbekam. Der Tontechniker war genervt und drohte, den Schlagzeuger rauszuschmeißen. Wie hätte der dann vor seiner Freundin dagestanden? Also legte er sich richtig ins Zeug und probierte einen ganz neuen Beat aus. Er trommelte im besten Wortsinne um seine Ehre, seinen Job und seine Liebe.

Buddy Holly schreibt Folge-Song von "Peggy Sue"

Der Song wurde der erste internationale Top-Ten-Hit für Buddy Holly, Peggy Sue und Jerry heirateten. Zwei Jahre später, kurz vor seinem Tod, nahm Buddy Holly in seinem Appartement mit einem Tonbandgerät eine Fortsetzung des Songs auf: "Peggy Sue Got Married" - "Peggy Sue hat geheiratet". Die Ehe zwischen Jerry und Peggy Sue hielt elf Jahre. 

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Canned Heat - Live at Montreux (Complete)

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Carl Perkins - "Blue Suede Shoes"

Mit "Blue Suede Shoes" schuf Carl Perkins einen Meilenstein der Rock'n Roll Geschichte. In den 50er-Jahren spielte er deshalb in einer Liga mit Elvis Presley und Johnny Cash. Er war ein Superstar in Amerika.         
Genesis: Jeden Abend stand er auf der Bühne und rockte, was das Zeug hielt. Einmal beobachtete er ein tanzendes Pärchen. Sie stellte sich etwas ungeschickt an und er war deshalb sehr besorgt um seine schicken, blauen Wildlederschuhe. Die waren groß in Mode. Und diese Geschichte inspirierte Carl Perkins zu seinem größten Hit. Noch in der derselben Nacht, im Hotel, schrieb er auf einen alten Papierbeutel: "Du kannst mich niederschlagen, mir ins Gesicht treten, mich überall schlecht machen, tu alles was du willst, aber Honey - tritt nicht auf meine blauen Wildlederschuhe!"

Ein brutaler Rock'n Roll-Song, nur was für harte Jungs, kombiniert mit modischen Akzenten - das kam an bei der Jugend. Carl Perkins war auf dem besten Wege ein Weltstar zu werden, lieferte sich Anfang 1956 in den Hitparaden mit Elvis Presley ein Kopf-an-Kopf-Rennen. Die Single verkaufte sich mehr als eine Million.     
Zum Dank schenkte ihm der Boss der Plattenfirma eine Nobelkarosse, einen Cadillac. Und damit nahm das Unheil seinen Lauf. Carl Perkins baute einen Unfall, wurde schwer verletzt und blieb viele Monate im Krankenhaus. Das Aus für seine Karriere.

Nur langsame Genesung:    Die anderen Superstars zogen in den Charts an ihm vorbei, allen voran Elvis Presley. Der kurzerhand auch Carl´s "Blue Suede Shoes" in sein Repertoire mit aufnahm und auch noch mal einen Hit damit machte. Carl Perkins nahm es gelassen und sagte später: "Ich liebte seine Version. Sie ist schneller als meine und hat einen wirklichen Groove, der einen mitreißt. Ich mag sie heute immer noch und erwische mich manchmal dabei, dass ich unbewusst das Tempo erhöhe, wenn ich den Song selbst spiele. Ist das nicht komisch? Ich hatte keine Ahnung, dass Elvis "Blue Suede Shoes" selbst aufnehmen würde, und als ich ihn live im Fernsehen sah, so muss ich gestehen, war ich stolz." Carl Perkins schaffte nie wieder den Sprung an die Spitze. Aber mit "Blue Suede Shoes“ hat er Rock'n Roll Geschichte geschrieben und wurde auch deshalb Zeit seines Lebens von Fans und Kollegen verehrt. Er starb 1998.

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Cat Stevens - "Morning Has Broken"                Wikipedia:  "Morning Has Broken" is a Christian hymn first published in 1931,  … It has words by English author Eleanor Farjeon and was inspired by the village of Alfriston in East Sussex, then set to a traditional Scottish Gaelic tune, "Bunessan".^[1] It is often sung in children's services and in funeral services.^[2] Auch die „Heilarmee“ singt diesen Song.  English pop musician and folk singer Cat Stevens included a version on his album Teaser and the Firecat (1971). The song became identified with Stevens due to the popularity of this recording. It reached number six on the U.S. Billboard Hot 100, number one on the U.S. easy listening chart in 1972,^[3] and number four on the Canadian RPM magazine charts.^[4]

1970 nimmt Cat Stevens sein "Moring Has Broken" auf, das er in einem alten Gesangsbuch in einem kleinen englischen Buchladen entdeckt haben soll.  Damals war der Musiker 20 Jahre alt und hatte gerade eine schwere Tuberkulose überstanden. Er reflektierte über sein Leben & er fühlte sich immer noch auf einer Reise …. immer mit dem großen Ende vor Augen. Er war der Suche nach Weisheit und innerer Erhellung."      
Dieses Lied beschreibt nun die Gefühle eines Menschen, die so intensiv sind, als würde dieser Mensch alles zum ersten Mal erleben: „Ich wusste, dass meine Musik was zu sagen hatte. Ich bin da in eine Lücke gestoßen und Amerika umarmte mich.“    Und von da aus ging es um die ganze Welt.  Aber zugleich machte ich einen Schritt zurück, um nicht aus der Balance zu kommen: Cat Stevens konvertiert 1977 zum Islam & nennt sich ab 1978 nennt „Yusuf Islam“.   
"Morning Has Broken": Deutsche Version im evangelischen Gesangsbuch:    Die Melodie beruht auf einem alten schottischen Weihnachtslied, aus dem ein englisches Kirchenlied geworden war. Und Cat Stevens macht daraus einen Welthit. Großen Anteil am Erfolg dürfte auch das markante Klavierspiel gehabt haben, das im Gegensatz zu dem ruhigen Gesang steht. Der in Musikerkreisen hoch angesehene Keyboarder Rick Wakeman komponiert es damals für ein Instrumental-Album.    Dann stellt er es doch Cat Stevens für "Morning Has Broken" zur Verfügung. Rick Wakeman soll damals umgerechnet 20 Euro für seine Arbeit bekommen haben. Jedoch geht der Scheck auf dem Postweg verloren - sehr ärgerlich.

Übrigens: Eine deutsche Version von "Morning Has Broken" unter dem Titel "Morgenlicht leuchtet" wird auch bei uns in den Kirchen gesungen. Wir finden es im Evangelischen Gesangbuch unter der Nummer 455. 

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Cat Stevens, der 1977 zum Islam konvertierte und heute als Yusuf Islam bekannt ist, schuf einige der eindringlichsten Balladen der frühen 1970er Jahre, Kompositionen wie "Wild World", "Moonshadow" und eine wunderschöne Version von "Morning Has Broken". Sein Song "First Cut is the Deepest" war ein Hit für vier verschiedene Künstler, darunter z.B. auch Rod Stewart.
(Link: Erinnern Sie sich an die ikonischen Musikstars der 1970er?)

Wiki:
Cat Stevens made a demo recording of "The First Cut Is the Deepest" in 1965, while hoping to become a songwriter.^[5] He wrote the song to promote his songs to other artists, but did not record his own performance until early October 1967 with guitarist Big Jim Sullivan, and it did not appear until his second album, New Masters, was released on 15 December 1967.^[6] The year he wrote the song, he sold it for £30 (equivalent to £510 in 2025) to P. P. Arnold, who recorded it a year later for her album The First Lady of Immediate, becoming a huge hit for her in early 1967.^[7] Over decades, it also became an international hit for Keith Hampshire, Rod Stewart, and Sheryl Crow. The song has won Stevens songwriting awards, including two consecutive ASCAP songwriting awards for Songwriter of the Year in 2005 and 2006.^[8] Stevens's version was not released as a single until 1972 when it was released as an Australia-only single in promotion of Stevens' 1970 compilation album The World of Cat Stevens.^[1]

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CCR Greatest Hits Full Album - The Best Songs Of CCR - CCR Beautiful Love Songs

PH:   Schau Dir die Bilder im Clip an. Damals (in den 1970gern) legte man noch extrem viel Wert auf hörbar gute Sound-Wiedergabe mit .... Tonbandtechnik und Kanalaussteuerung. Heute läuft alles über den digitalen Mixer und die Wiedergabe? .... mmmhhhh ... oft unqualifiziert dröhnende Speaker. Gibt es eigentlich noch HiFi-Kultur?

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MSN

Céline Dion bricht bei Comeback in Tränen aus | Watch

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Rolling Stone -Germany-
Platz
118Cher, 
„If I Could Turn Back Time“

Cher kann nicht nur die Zeit zurückdrehen, sondern auch die gesamte U.S. Navy in ihre Flotte von Freunden verwandeln, in einem Video, in dem sie einen ganzen Flugzeugträger rockt, während die Matrosen salutieren. Cher war gerade dabei, ihr Comeback in den späten Achtzigern zu feiern, nachdem sie mit „I Found Someone“ und „We All Sleep Alone“ zurückkehrte, aber „If I Could Turn Back Time“ ist der Hit, der sie für immer zu Cher machte.

Siehe auch "Sonny & Chair"

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wiki:

Chicago ist eine US-amerikanische Rockband, die 1967 in Chicago gegründet wurde.

Chicago war (ungefähr gleichzeitig mit Blood, Sweat & Tears) eine der ersten Bands, die eine Bläsergruppe integrierten und damit dem rockigen Basisklang eine jazzige Klangfarbe hinzufügten. Eine weitere Besonderheit der Band liegt in dem Umstand begründet, dass alle Bandmitglieder komponieren und somit individuelle musikalische Vorlieben in den Gesamtklang einfließen können. In den 1970er und 1980er Jahren hatte Chicago etliche Erfolge, darunter I’m a Man (1970), 25 or 6 to 4 (1970), Saturday in the Park (1972), Feelin’ Stronger Every Day (1973), If You Leave Me Now (1976), Hard to Say I’m Sorry (1982) und You’re the Inspiration (1984).

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Chris de Burgh - "Lady In Red"

Der Ire „Chris de Burgh“ beschreibt 1986 in "Lady In Red" seine Alltagsszenen seiner Partnerschaft - das kam eim Publikum an.

Es ist eine der wohl schönsten Pop-Balladen aller Zeiten: Chris de Burghs "Lady In Red". 1986 stand der irische Weltstar mit diesem Song in 25 Ländern auf #1. Um dieses Lied zu schreiben, hat er damals fünf Monate und 20 Minuten gebraucht.  Die Geschichte, die in diesem Lied erzählt wird, hatte Chris de Burgh seinerzeit in 20 Minuten zu Papier gebracht: "'The Lady In Red' handelt von einem Paar, das zu einer Party will. Die beiden sind spät dran, aber sie ist immer noch oben im Badezimmer und macht ihn ganz nervös. Sie streiten sich, auf der Fahrt zur Feier herrscht eine eisige Stimmung. Auf der Party gehen die beiden getrennte Wege. Nach einiger Zeit schaut er sich im Raum um, und sieht seine Frau, die von unzähligen Verehrern umschwärmt wird. Da wird ihm auf einmal klar: Seine Frau sieht umwerfend aus und er hat sie in letzter Zeit viel zu wenig beachtet."

Ein atemberaubendes rotes Kleid

Eine Geschichte wie aus dem Leben gegriffen. Allerdings fehlte Chris de Burgh eine markante Titelzeile. Er überlegte und überlegte, aber ihm fiel einfach nichts ein. Der Text verschwand in der Schublade und lag dort fast ein halbes Jahr lang. Dann sah er eines Abends seine Frau Diane in einem atemberaubenden roten Kleid. Und hatte die fehlende Zeile für den in der Schublade liegenden Text: "Die Dame in Rot" - "The Lady In Red". Fertig war der Welthit. …. So einfach!?!?!?

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Chuck Berry - "Johnny B. Goode"

1977 hat die NASA eine goldene Daten-Platte ins Weltall geschossen - mit Bildern und Klängen vom Planeten Erde. Sollten Außerirdische irgendwann mal diese Daten-Platte finden, dann finden sie neben Musik von Bach, Beethoven und Mozart auch Chuck Berrys "Johnny B. Goode" hören. Denn die NASA-Experten meinten damals, dieser Song gehöre zum Erbe der Menschheit.       

"Johnny B. Goode" erzählt die Geschichte eines armen Jungen aus Louisana, der ein begnadeter Gitarrist ist und davon träumt, ein Star zu werden. So wie einst Chuck Berry. Auch er stammt aus ärmlichen Verhältnissen, allerdings ist er in St. Louis in Missouri aufgewachsen. Er habe zwar nie in Louisana gelebt, es hätte einfach nur besser zum Song gepasst, erzählte Chuck Berry später.

Eine Erinnerung an die Goode Street

Dass er das Lied "Johnny B. Goode" genannt hat, ist zum einen eine Verbeugung vor seinem nicht minder genialen musikalischen Partner Johnnie Johnson, zum anderen eine Rückkehr zu seinen Wurzeln: Chuck Berry ist in der Goode Street aufgewachsen. Als er mit diesem Lied 1958 einen Hit landete, war Chuck schon über 30. Aber er sang noch immer von den Dingen, die die Teenager bewegten - der ersten Liebe, dem ersten Auto, oder eben dem Wunsch, reich und berühmt zu werden. Und das stets mit den entenähnlichen Schritten, die ursprünglich nur von den Falten in seinem Anzug ablenken sollten, dann aber sein Markenzeichen wurden. Viele seiner Hits sind Rock'n'Roll-Klassiker geworden, wie "Roll Over Beethoven", "Maybellene", "Sweet Little Sixteen" oder eben der in den Weltraum geschossene "Johnny B. Goode" - sein wohl persönlichster Erfolgs-Song.

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wiiki:

Charles „Chuck“ Edward Anderson Berry (* 18. Oktober 1926 in St. Louis, Missouri; † 18. März 2017 in Wentzville, Missouri^[1]) war ein US-amerikanischer Sänger, Gitarrist, Poet, Komponist und ein Pionier des Rock ’n’ Roll.^[2] Er wurde 1985 in die Blues Hall of Fame und 1986 ebenso als erstes Mitglied in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen. Seine Vorbilder waren Nat King Cole, Louis Jordan, Muddy Waters und T-Bone Walker. Chuck Berry gilt als wichtiger Impulsgeber für die Entstehung der Beatmusik und als Erfinder des Duckwalks.

Charles „Chuck“ Berry war der Sohn von Henry Berry, dem Diakon einer Baptistenkirche, und Martha Berry, einer Schulleiterin. An der Sumner High School in St. Louis begann Berry mit dem Gesang und dem Gitarrespielen. 1944 wurde er wegen bewaffneten Raubüberfalls verurteilt, nachdem er drei Geschäfte in Kansas City, Missouri, überfallen hatte. Anschließend hatte er angeblich noch ein Auto mit vorgehaltener Waffe, die aber wohl nur eine Spielzeugwaffe war, geraubt.^[3][4][5] Wegen dieser Straftaten saß er bis zu seinem 21. Geburtstag im Jahre 1947 drei Jahre lang im Jugendgefängnis Algoa, nahe Jefferson City ein. Nach seiner vorzeitigen Entlassung arbeitete er als Friseur^[6] und nach anderen Quellen in einem Automobil-Montagewerk. 1948 heiratete er Themetta „Toddy“ Suggs. Aus der Ehe gingen vier Kinder hervor.^[7]

Ab 1951 war er Pförtner des Radiosenders WEW und kaufte dort einem Musiker eine E-Gitarre ab. Er erwarb ein Tonbandgerät und begann, seine Musik aufzunehmen. 1952 hatte Chuck Berry seine ersten öffentlichen Auftritte im Huff’s Garden – einem Club in St. Louis. 

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The original Clip.

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Sein Italienkonzert -1983-

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Chuck Berry live at the Roxy 1982

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Chuck Berry - AVO Session; Basel (13-11-2007); FULL ~ ЧАК БЕРРИ

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Cliff Richard - "Congratulations"

Cliff Richard tritt am 6. April 1968 beim Eurovision Song Contest in London auf:  
Eigentlich sollte der Song   "I think, I love you" heißen - "Ich glaub‘, ich lieb‘ Dich".    ….  Doch Bill Martin, einer der beiden Komponisten, hatte so seine Zweifel, ob der Titel so ginge.    Entweder man liebe jemanden oder nicht. Also suchte er etwas anderes mit fünf Silben & kam auf "Congratulations" – "Herzliche Glückwünsche".        
Superstar Cliff Richard nahm den Titel und reiste damit zum Eurovision Song Contest 1968. Presse und Publikum waren sich einig: Cliff Richard wird mit "Congratulations" den ESC für Großbritannien haushoch gewinnen. Im blauen Anzug und mit einem gewaltigen weißen Rüschenhemd legte Cliff Richard dann auch einen souveränen Auftritt hin.

"Mit der Gitarre auf der Toilette"  Doch der Druck an diesem 6. April 1968 war enorm. Cliff Richard erinnerte sich später: "Wenn ich heute Abend meinen Song gesungen habe, werde ich mich mit meiner Gitarre auf der Toilette einschließen."  ….  Das tat er dann auch und wartete und wartete bis irgendwann sein Manager an die Türe klopfte, und sagte, dass es ihm leid tue: "Wir sind Zweiter geworden, ein Punkt hat uns gefehlt."

Gekaufter ESC?  Was war passiert? Cliff Richard hatte bei der Jury-Abstimmung wie erwartet lange vorn gelegen. Doch dann zog quasi in einer spannenden letzten Sekunde Spanien an Großbritannien vorbei. Das spanische Siegerlied mit dem Titel "La la la" geriet allerdings schnell wieder in Vergessenheit. Das zweitplatzierte "Congratulations" jedoch wurde zum Evergreen. Die Geschichte ist aber noch nicht zu Ende: 

Viele Jahre später wird in einer spanischen TV-Dokumentation behauptet, der damals in Spanien herrschende Diktator General Franco soll die Stimmen für sein Land gekauft haben. Richard habe davon gehört und erzählt weiter: "Die sollen Beweise haben. Wir haben deshalb auch mit dem ESC-Verantwortlichen telefoniert. Aber die meinten: Selbst wenn das stimmt - wir werden die Geschichte nicht ändern."

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Clint Eastwood -
***:

Nur Comiks gibt es im Film "Gorillaz" von Clint Eastwood zu sehen - 
.... 2 Weg-Technik plus 3-D-Graphik für den Hintergrund ....... Der Clip ist ein kleines Meisterwerk .... 

 

PH:
Der Clip wirkt echt surreal durch die mit vielfältigen Geräuschen hinterlegte Sprache ... Musikalisch sehr vielseitiger RAP.

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wiki:

Leonard Norman Cohen [lɛnərd ˈnɔː(r)mən ˈkoʊən] CC, GOQ (geboren am 21. September 1934 in Westmount, Provinz Québec; gestorben am 7. November 2016 in Los Angeles) war ein kanadischer Singer-Songwriter, Schriftsteller, Dichter und Maler.

Nachdem sich Cohen in Kanada bereits mit Gedichten und Romanen einen Namen gemacht und mit dem Kultroman Beautiful Losers (1966) einen internationalen Bestseller gelandet hatte, veröffentlichte er 1967 sein erstes Musikalbum, Songs of Leonard Cohen. Die kommerziell erfolgreiche LP mit Folksongs machte ihn international bekannt und leitete eine fast 50 Jahre andauernde Musikkarriere ein. Während seines künstlerischen Wirkens von 1956 bis 2016 schrieb Cohen zahlreiche Gedichtsammlungen und Romane und brachte 14 Studioalben sowie einige Livealben und Kompilationen heraus. Das letzte Album, You Want It Darker, erschien im Oktober 2016 kurz vor seinem Tod.

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Mit "Halleluja" oder "Dance me to the end of love" hat er viele Herzen erobert.

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Wochenend und Sonnenschein"

sowie viele weitere Songtexte der Gruppe .... gibt es bei "Songtexte.com" 

Nachdem Lionel Richie als Solostar in die Ewigkeit gegangen war, hätten die Commodores aufgeben können. Stattdessen überraschten sie alle und meldeten sich mit „Nightshift“ stärker denn je zurück. Es ist eine Hommage an die gefallenen R&B-Pioniere Marvin Gaye und Jackie Wilson, die beide 1984 gestorben sind. Die Commodores stoßen auf ihre realen Freunde und Helden an und halten ihre Namen für immer im Pop-Radio lebendig, indem sie die süßen Klänge von „Nightshift“ anhören.

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Celebration








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The official Clip!

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Rolling Stone -Germany-

Platz

37Culture Club

„Karma Chameleon“

Die Very Kinky Boys bitten um ein Gespräch. Boy George und seine Crew liefern eine klassische Ode an den Frieden, die Liebe und die Verständigung, aber mit dem ihm eigenen bissigen Witz.
vgl auch "Boy George".

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Sie berauschten sich, bis sie tot umfielen (Drummer vom Heroin-Konsum im July 1986)...

Einreise in die USA wurde verwehrt. - Die Band war am Ende.

(11 Pop Legends Who Were Always High On Stage)

Schwiegermutters Lieblinge hatten bis dahin über 50 mio "Records" in aller Welt verkauft.

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Curtis Lee (* 28. Oktober 1939 in Yuma, Arizona; † 8. Januar 2015 ebenda^[3]) war ein US-amerikanischer Rock-’n’-Roll-Sänger der 1960er Jahre, der vor allem für seinen Hit Pretty Little Angel Eyes bekannt ist.

Rolling Stone -Germany-

Platz

32Cyndi Lauper
 „Girls Just Wanna Have Fun“

Cyndi Lauper singt das Wort „Mädchen“ hier mehrere Millionen Mal – doch jedes Mal gräbt sie ein wenig tiefer und setzt sich für jedes Mädchen ein, das diejenige sein will, die in der Sonne spazieren geht. „Girls Just Wanna Have Fun“ strotzt nur so vor feministischem Pop-Bravado, mit ihrer allumfassenden Forderung nach Spaß zu ihren eigenen Bedingungen, die so hart hinter ihrem täuschend bunten Comic-Image steckt. In all ihrem Buddy Holly-via-Poly Styrene-Schluckauf und -Zirpen steckt so viel Kraft. Und dass ihre Mutter in dem Video zu sehen ist, war schon ein radikales Statement an sich. Ein weiterer perfekter Song auf ihrem perfekten Debüt, She’s So Unusual – wie könnten Sie ohne „She Bop“ leben? „Money Changes Everything“? Ihre Version von Prince’s „When You Were Mine“? Zum Teufel, das ganze Album?

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Orig. Vid

Cyndi Lauper - Girls Just Want To Have Fun (Official Video)

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mm

Rolling Stone -Germany-

Platz

35David Bowie,

„Ashes to Ashes“

Der Thin White Duke betrat die achtziger Jahre mit einem seiner größten und schaurigsten Songs. Angesichts einer jungen Generation von New Romantics, die ihn nachahmten, wollte David Bowie beweisen, dass er sie alle in Sachen Romantik übertreffen konnte. In „Ashes to Ashes“ greift er auf die berühmteste Figur zurück, die er je geschaffen hat: Major Tom, der verschollene Astronaut aus „Space Oddity“. Wie er sagte, geht es um „Raumfahrer, die zu Junkies werden“. Aber es ist eindeutig Bowie, der sich im Weltraum gestrandet fühlt und über gespenstischen Synthesizern auf die Trümmer seines Lebens hinunterblickt, losgelöst von der Realität. Am Ende fleht er: „Want an axe to break the ice/Wanna come down right now!“

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***:

David Bowie ist einer der einflussreichsten Musiker des 20. Jahrhunderts, aber seine gewagtesten und innovativsten Werke entstanden in den 1970er Jahren, insbesondere während der Glam-Rock-Ära, als sein extravagantes und androgynes Alter Ego "Ziggy Stardust" die Bühne betrat. Zahlreiche Künstler haben Bowie als musikalischen Einfluss angeführt, darunter Joy Division, The Smiths, Suede und Bono von U2.

(Link: Erinnern Sie sich an die ikonischen Musikstars der 1970er?)
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Wiki
David Bowie – Wikipedia

Vid / Clip liva im Weltraum gesungen "MAjor Tom" gesungen .... vom Astronauten ... alles echt ...

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Dean Martin - "Everybody Loves Somebody Sometimes"  

Dean Martin hätte übrigens 2017 seinen 100. Geburtstag gefeiert.

1964, vor ca. 60 Jahren hat der unvergessene Dean Martin mit einer herrlichen Schnulze Musikgeschichte geschrieben - und gleichzeitig seinem damals zwölfjährigen Sohn eins ausgewischt. Dabei war das Jahr 1964 für die amerikanischen Superstars eigentlich ein schwarzes Jahr. Die Beatles aus dem kleinen England eroberten das große, schillernde Amerika:    Sie verdrängten die Altmeister wie Frank Sinatra, Elvis Presley oder Pat Boone aus den Hitparaden. Auch Dean Martin hatte unter der Beatle-Mania zu leiden. Vielleicht aus Trotz nahm er ein Album mit alten, romantischen Balladen mit dem Namen "Dream with Dean" ("Träume mit Dean") auf. 
Elf Lieder hatte er parat, er brauchte aber noch ein zwölftes. Zu Hause in seinem Wohnzimmer überlegte er gemeinsam mit dem Komponisten Ken Lane, welcher Song noch auf das Träume-Album passen würde. Ken klimperte ein bisschen auf dem Klavier und erinnerte sich dabei an einen alten Song, den er vor 15 Jahren für Frank Sinatra geschrieben hatte. Als Dean Martins Frau Jeanne das hörte, lief sie ins Wohnzimmer und erklärte, dass "Everybody Loves Somebody" seit Jahren ihr absolutes Lieblingslied sei.

Auf den Thron der Hitparade  Dean Martin nahm "Everybody Loves Somebody Sometimes" zunächst nur mit einer kleinen Band für das Album auf.     Beim zweiten Mal kamen dann ein großes Orchester und ein Chor dazu. Während Dean Martin mit diesem Lied seine Frau glücklich machte, konnte sein zwölfjähriger Sohnemann damit nichts anfangen. Wie die meisten Jugendlichen stand auch Dino Jr. auf „Beatles“ - nicht auf den Schmacht-Gesang vom Vater.         
Dean Martin nahm seinen Sohn deshalb zur Seite und sagte zu ihm: "Pass auf mein Junge, ich werde deine kleinen Lieblinge aus den Hitparaden fegen!" So ist es in der Biografie "Dino" von Nick Tosches zu lesen. Dean Martin schaffte es tatsächlich als Endvierziger, mit "Everybody Loves Somebody Sometimes" die Beatles von Platz eins der amerikanischen Hitparade zu verdrängen. Das hätten die meisten vielleicht Elvis Presley zugetraut, nicht aber dem Schmuse-Sänger Dean Martin & er war so stolz, dass er Elvis kurzerhand folgendes Telegramm schickte: 

"Wenn du die Beatles nicht in den Griff kriegst, muss ich es eben machen, mein Freund!"

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Dee Clark, „Raindrops“ 1961

"Raindrops" is a 1961 song by American R&B singer Dee Clark, and was released in April of that same year.

The ballad is about a man who tries to convince himself that the tears he is crying since his lover's departure are raindrops since "a man ain't supposed to cry." Clark was reportedly inspired to write the song after a late night drive through a heavy rainstorm. Accordingly, the opening and closing of the song both feature heavy rain and thunder sound effects, with the closing augmented by Clark's powerful, swooping falsetto.

Cover versions

• In 1966, Jan & Dean included it on their album, Save For A Rainy Day.

• In 1974, Narvel Felts had a top 40 country hit with his rendition.

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Deep Purple - "Smoke On The Water"    
1971 hatten Deep Purple die Idee zu …   

Das Intro von "Smoke On The Water" ist eines der berühmtesten der Pop- und Rockmusikgeschichte, vergleichbar mit dem von "Satisfaction". 1971 hatten Deep Purple die Idee zu diesem genial einfachen und vor allem eingängigen Gitarren-Riff. Es fehlte ihnen allerdings noch der passende Text. Darum hieß die Urfassung von "Smoke On The Water" innerhalb der Band noch "The Duhr duhr duhr Song".

"Smoke On The Water": Feuer im Casino

Bis zu jenem schicksalhaften Tag im Dezember: Die Band war in der Schweiz, in Montreux, um ein neues Album aufzunehmen. Deep Purple hatten sich in einem alten Casino einquartiert. Sie waren aber nicht die einzigen Rockstars dort: Frank Zappa and The Mothers of Invention gaben ein Konzert in dem imposanten Holz-Gebäude. Deep Purple-Sänger Ian Gillan erzählt, was dann geschah: "Etwa in der Mitte der Show schoss irgendein Typ eine Leuchtrakete ab, traf die elektrische Anlage und ein Feuer brach aus."

Der Text war geschrieben

Das Gebäude stand lichterloh in Flammen. Das Feuer war kilometerweit zu sehen, und dichter Qualm zog über den Genfer See, es lag "Smoke On The Water". Zum Glück kam niemand dabei ums Leben. Auch die Jungs von Deep Purple schafften es aus der Flammenhölle, mussten sich allerdings eine neue Bleibe suchen. Aber sie hatten endlich einen Text für den "Duhr, duhr, duhr"-Song. Sie machten die dramatischen Ereignisse vom 4. Dezember 1971 zum Thema des Liedes, das dann zu einem der größten Hits der Rockgeschichte wurde.

Viele Jahre später sagte Deep-Purple-Keyboarder John Lord: "Der Casino-Brand hat uns zwar nicht glücklich gemacht, aber ziemlich reich!"

Jon Lord, Richie Blackmore, Ian Paice, Roger Glover und Ian Gillan gelten als die klassische Deep Purple-Besetzung, eine englische Rockband, deren Song "Smoke on the Water" aus dem Jahr 1972 immer noch zu den besten Songs aller Zeiten und dem besten Gitarrenriff aller Zeiten zählt.

(Link: Erinnern Sie sich an die ikonischen Musikstars der 1970er?)

Wiki:
Deep Purple - Wikipedia

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Deep Purple - Lazy (1972)

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Rolling Stone -Germany-

Platz

25Depeche Mode, 
 „Just Can’t Get Enough“

Der definitive Synthie-Pop-Tanzhit. Vince Clarke verließ Depeche Mode kurz nachdem er „Just Can’t Get Enough“ geschrieben hatte, nach ihrem alles vernichtenden Debüt Speak and Spell, aber er setzte seine noble Karriere bei Yaz und Erasure fort. Martin Gore übernahm das Songwriting für Depeche Mode und führte sie auf eine ganz andere Ebene des künstlerischen und kommerziellen Erfolgs, bis hin zu ihrem großartigen neuen Memento Mori. Man könnte dies als die erfolgreichste Trennung aller Zeiten bezeichnen, denn sie hat uns doppelt so viel großartige Musik beschert. „Just Can’t Get Enough“ wird immer an schräge Frisuren, federnde Casio-Beats, Netz- und Lederoberteile und das gesamte Ethos der Martha Quinn-Ära erinnern.

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PianoHarry:

Wenn man besoffen ist z.B. beim JungGesellenAbschied .... dann singt man so ... Die zweite Stimme ist manchmal vorteilhafter, denn öfter mit dem Vocoder erzeugt, nur dann stimmt sie.

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***:
Warum Konflikte über haupt da sind. Warum starren die Großmächte aufeinander und 

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Rolling Stone -Germany-

Platz

26Diana Ross, 

„I’m Coming Out“

Die Motown-Königin wollte der Welt in einem Song mitteilen, wie sie sich fühlte, als sie auf die 40 zuging und als geschiedene, alleinerziehende Mutter einen Neuanfang wagen wollte. Die Chic-Macher Nile Rodgers und Bernard Edwards gaben ihr einen Disco-Hit, der gleichzeitig eine Hommage an schwule Männer war, die sie als Diana Ross verkleidet in den Clubs sahen. Wie Rodgers in seinen ausgezeichneten Memoiren Le Freak schreibt, „wäre es eine coole Idee gewesen, Diana in einer leicht verschlüsselten Sprache zu ihren schwulen Fans sprechen zu lassen“. Aber so verschlüsselt war es nicht, weder textlich noch musikalisch. „I’m Coming Out“ ist nach wie vor eine Hymne des Stolzes, aber auch eine Hommage an einen Monster-Schlagzeuger – Tony Thompson, verdammt – und ein Nile-Gitarren-Riff, das Biggie würdig ist. Miss Ross eröffnet immer noch ihre Live-Show mit diesem Song.

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Dion DiMucci - 

"Runaround Sue", 1961,

„Dion & The Belmonts“ ….  Fred Milano, Dion DiMucci, Carlo Mastangelo: Ihre spielten zuerst als Straßenmusiker.

In den 50er Jahren standen viele junge Musiker in New York an allen möglichen Straßenecken - Jugendliche, die gemeinsam sangen und spielten, so genannte „Doo-Woop-Bands“. So auch Dion DiMucci und seine Freunde -aus der Belmont Avenue -. So vertrieben sie sich die Zeit. Doch sie gehörten zu den wenigen, die von einer Plattenfirma entdeckt wurden. Mit "A Teenager In Love" hatten sie dann ihren ersten Hit. "Warum den Ruhm teilen?", dachte sich Vorsänger Dion DiMucci und machte allein weiter. Und tatsächlich schaffte er seinen größten Erfolg ohne seine Belmonts.

Ein umtriebiges Mädchen namens Sue:       Mit seinem Liebeskummer-Song über das "kontaktfreudige" Mädchen Sue sang er damals (1961) unzähligen Jungs aus der Seele. Zu Beginn heißt es: "Das ist meine Geschichte, traurig aber wahr. Über ein Mädchen, das ich mal gekannt habe. Ich habe sie geliebt, aber sie hat mich verlassen und ist lieber mit den anderen Jungs in der Stadt ausgegangen." Um es sich mit den Mädchen nicht zu verscherzen, und weil die Jungs im Grunde genommen auch nicht viel besser sind, legte Dion noch im gleichen Jahr nach und schrieb "The Wanderer", ein Lied über einen Typen, der gleich mehrere Freundinnen auf einmal hat.    Aber das ist eine andere Geschichte ... .

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Dire Straits - "Sultans of Swing"         

Die Dire Straits haben sich 1977 gegründet.

Mark Knopfler hat mit seiner Band Dire Straits Musikgeschichte geschrieben. 1978 landete die britische Band mit "Sultans of Swing" ihren ersten großen Hit. Angefangen hatte die Erfolgsgeschichte aber viel früher - an Mark Knopflers 14. Geburtstag, als er seine erste E-Gitarre geschenkt bekam. "Sie kostete meinen Vater 50 Pfund, das war damals viel Geld für ihn,  &  weil ich mich nicht traute, ihn auch noch um einen Verstärker anzubetteln, schloss ich die Gitarre einfach an unser Radio an: Das ging furchtbar schief. Es hatte die grandiose Leistung von anderthalb Watt und ich jagte das Ding in die Luft." 

Gitarre spielen war anfangs ein Nebenjob:    Aber der Grundstein für eine einzigartige Karriere war gelegt. Zunächst war die Musik nur ein lukratives Hobby für Mark Knopfler - ein Job, mit dem er sein Journalistik-Studium finanzieren konnte. Allerdings war das Geld immer knapp - auch, als er 1977 mit seinem Bruder eine Band gründete. Kurzerhand nannten sie die Gruppe deshalb Dire Straits, was so viel bedeutet wie "schreckliche Nöte". Für ein Bierchen im Pub reichte es aber in der Regel - und das war auch gut so. Denn während eines solchen Kneipenbesuchs hatte Mark Knopfler die Idee zum ersten großen Hit der Band:   "Danke, danke! Wir sind die Sultans of Swing!"

In dieser Kneipe spielte eine mittelmäßige Jazz-Kapelle vor ein paar Leuten. Am Ende ging der Bandleader ans Mikrofon und sagte: "Danke, danke! Wir sind die Sultans of Swing und bedanken uns für Ihre Aufmerksamkeit!" Die Sultane des Swings. Was für ein selbstbewusster Name für diese Band, dachte sich Mark Knopfler. Und machte daraus einen Song. Ein Lied über eine Dixieland-Band, die sich an einem regnerischen Abend in einem Club abmüht - denn im Publikum sitzen nur ein paar Schnösel, die viel lieber Rock'n'Roll hören würden. Der Name der in diesem Lied besungenen Band war natürlich "Sultans of Swing".

Als die Dire Straits kurz darauf mit ihrem letzten Geld Probeaufnahmen für eine Plattenfirma machten, gehörte auch dieses Lied zu den sogenannten Demo-Songs. Ein Radiomoderator bekam das Tonband in die Hände, spielte die Demo-Version von "Sultans of Swing" in seinen Sendungen rauf und runter - und der Rest ist Geschichte. Die Dire Straits wurden zu einer der wichtigsten Bands der Popmusikgeschichte. Und ihr Gitarrist Mark Knopfler mit seinem einzigartigen Spiel Vorbild für viele Musiker.

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Dire Straits - Sultans Of Swing (Official Music Video)

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Dion DiMucci - "Runaround Sue", 1961,

„Dion & The Belmonts“ ….  Fred Milano, Dion DiMucci, Carlo Mastangelo: Ihre spielten zuerst als Straßenmusiker.

In den 50er Jahren standen viele junge Musiker in New York an allen möglichen Straßenecken - Jugendliche, die gemeinsam sangen und spielten, so genannte „Doo-Woop-Bands“. So auch Dion DiMucci und seine Freunde -aus der Belmont Avenue -. So vertrieben sie sich die Zeit. Doch sie gehörten zu den wenigen, die von einer Plattenfirma entdeckt wurden. Mit "A Teenager In Love" hatten sie dann ihren ersten Hit. "Warum den Ruhm teilen?", dachte sich Vorsänger Dion DiMucci und machte allein weiter. Und tatsächlich schaffte er seinen größten Erfolg ohne seine Belmonts.

Ein umtriebiges Mädchen namens Sue:       Mit seinem Liebeskummer-Song über das "kontaktfreudige" Mädchen Sue sang er damals (1961) unzähligen Jungs aus der Seele. Zu Beginn heißt es: "Das ist meine Geschichte, traurig aber wahr. Über ein Mädchen, das ich mal gekannt habe. Ich habe sie geliebt, aber sie hat mich verlassen und ist lieber mit den anderen Jungs in der Stadt ausgegangen." Um es sich mit den Mädchen nicht zu verscherzen, und weil die Jungs im Grunde genommen auch nicht viel besser sind, legte Dion noch im gleichen Jahr nach und schrieb "The Wanderer", ein Lied über einen Typen, der gleich mehrere Freundinnen auf einmal hat.    Aber das ist eine andere Geschichte ... .

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***:

"Money for Nothing" .... mit der Einführung von Kabel-Fernsehen in Deutschland bekamen in kürzester Zeit >>  40 % aller Haushalte Musik-TV (MTV).   
Ein riesiges neues Verbreitungsinstrument für Musikinteressierte und deren Zuhörer / Zuschauer.

Das Lied dreht sich um das Thema:
Viel verdienen und wenig arbeiten .... Handwerker mockieren sich ... Es geht hierbei um das Tor zum Himmel ... das man braucht ... Aber auch ein Antikriegssong.

Der Clip:

Zeichnungen werden mit Realhandlung vermengt .... reale Bilder matchen zur Bewegung hinüber in Zeichentrick ... 
Die moralische Seite:

Das Wettrüsten ist eine Katastrophe! ...

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Dutzende geheime Songs in Dolly´s  Zeitenkapsel.

Genaue Anleitung zum Öffnen und Veröffentlichen des Inhaltes mit Stichtag 100. Geburtstag.

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You Tube:

Mit Freddy Mercury singt sie Bohemian Rhabsodie. in der Royal Albert Hall in London.

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Promiflash.de

Dolly Parton & Elvis

Dolly Parton ließ Elvis abblitzen und weinte die ganze Nacht

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Keine andere Sängerin hat die Disco-Ära so geprägt wie Donna Summer, die gegen Ende der 1970er Jahre zu einer der bekanntesten Vertreterinnen des Genres wurde und sogar als "Queen of Disco" bezeichnet wurde. Ihr sinnlicher Hit "Love to Love You Baby" aus dem Jahr 1975 wurde von Giorgio Moroder geschrieben, mit dem sie häufig zusammenarbeitete.
(Link: Erinnern Sie sich an die ikonischen Musikstars der 1970er?)

Wiki
Donna Summer - Wikipedia

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wiki:

The Doobie Brothers wurden 1969 von Tom Johnston, John Hartman, Skip Spence (ex-Moby Grape) und Gregg Murph in Süd-Kalifornien unter dem Bandnamen Pud gegründet.

1970 kam noch Patrick Simmons dazu. Doobie ist eine Slangbezeichnung für einen Zwei-Blatt-Joint. Angeblich fiel bei einer gemütlichen Kiffer-Runde irgendwann der Satz: „Now we’re all doobie brothers“, prompt wurde die Band umbenannt – in The Doobie Brothers.

Ende 1970 bekam der Produzent Ted Templeman ein Demo in die Hände und bald bekam die Band einen Vertrag bei Warner Brothers. Anfang 1971 wurde ihre erste LP Doobie Brothers veröffentlicht, die allerdings kein Erfolg wurde. Die Titel präsentierten einen Country/Rhythm-and-Blues-Rock, der auf Gitarrenrhythmen im Stile der San Francisco-Bands wie Quicksilver Messenger Service aufgebaut war.

1972 verließ Dave Shogren die Gruppe wieder, für ihn kam als Ersatz der Bassist Tiran Porter. Außerdem wurde Michael Hossack als zweiter Schlagzeuger engagiert, was bis dahin nur Grateful Dead und die Allman Brothers getan hatten. Das 72er Album Toulouse Street verkaufte sich dank eingängiger Melodien und betont rockender Rhythmen durch die Singlehits Listen to the Music und Jesus is just alright sehr gut. Das Nachfolgealbum The Captain and Me enthielt mit "Long Train Runnin’ "  den ersten Top-Ten-Hit sowie den Nr.-15-Hit China Grove. Das Album erreichte Platz 7, hielt sich über ein Jahr in den Billboard Charts und verkaufte sich über 2 Millionen Mal.

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The Doobie Brothers | Members, Songs, Albums, & Facts | Britannica

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The Doors - Live @Rose d'Or Festival 1972 [Full Broadcast Show]

Doris Day - "Que sera, sera"
 

Damit setzt sich DD im Hitchcock-Film "Der Mann, der zu viel wusste", ganz unerwartet ein Denkmal.

Dramatische Szenen aus dem 1956 gedrehten Hitchcock-Film: >> Während eines Konzertes wird ein Attentat verübt. In die Geschehnisse verwickelt ist das Ehepaar McKenna, gespielt von James Stewart und Doris Day. Deren Sohn Hank ist entführt worden und die McKennas versuchen nun auf eigene Faust, den Junior zu befreien. Sie vermuten ihn in dem Gebäude einer Botschaft. Die McKennas gehen deshalb auf eine Botschafts-Party und die Mama singt vor den Gästen mit tränenerstickter Stimme "Que sera, sera" - ein Lied, das sie immer mit ihrem Sohn gesungen hat. Und sie hofft, dass der Kleine sie hört.  <<

Nur ein schlichtes Kinderlied? Eher nicht!          Alfred Hitchcock hatte bei den beiden Filmmusik-Komponisten Ray Evan und Jay Livingston angerufen und das Lied in Auftrag gegeben. "Doris Day singt es einem Jungen vor &  es muss ein ausländischer Titel her, denn der Film spielt ja in einer Botschaft". Die Musikautoren kamen auf das spanische "Que sera, sera" - zu deutsch: "Was wird sein, wird sein?" Darin geht es um die Frage eines Kindes an die Mutter, was die Zukunft wohl bringen wird.     Doris Day, die damals schon eine erfolgreiche Sängerin war, nahm das Lied auf, hielt aber nicht viel von dem Lied. Für sie war es nur ein schlichtes Kinderlied.

"Que sera, sera" gewinnt einen Oscar:    Doch sie lag mit ihrer Einschätzung total daneben. "Que sera, sera - Whatever will be, will be" - so der komplette Titel - wurde ein Riesenhit. Und gewann 1957 sogar den Oscar für den besten Filmsong. Heute gilt das Lied als einer der berühmtesten Filmschlager aller Zeiten & Doris Day hat sich damit selbst ein Denkmal gesetzt.    …. & die Fussballer entdecken es gerade eben wieder !!!

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wiki

Edward Kennedy „Duke“ Ellington (* 29. April 1899 in Washington, D.C.; † 24. Mai 1974 in New York) war einer der einflussreichsten amerikanischen Jazzmusiker. Als Pianist war er einer der wichtigsten Neuerer des Stride-Piano. Als Komponist verfasste er annähernd 2000 Kompositionen (Lieder und Suiten), von denen bald zahlreiche zu Jazzstandards wurden. Als Bandleader trug er zur Ausprägung des Swing als Bigband-Stil bei.^[1]

Ellington stammte aus dem schwarzen Kleinbürgertum Washingtons. Er war der Sohn des Oberkellners James Edward Ellington, der einmalig als Butler im Weißen Haus arbeitete. Später betrieb er einen Partyservice und versuchte seine Kinder zu erziehen, als würden sie in einem wohlhabenden, gutbürgerlichen Haushalt aufwachsen. Ersten Klavierunterricht erhielt der kleine Ellington bereits als Siebenjähriger von seiner Mutter, Daisy Kennedy Ellington. Jedoch hatte er keinen Spaß am Klavierspiel, so dass Daisy schon bald den Unterricht erfolglos wieder einstellte. Erst im Alter von vierzehn Jahren erwachte sein Interesse an der Musik, nachdem er den Pianisten Harvey Brooks gehört hatte. Ellington hatte aber kaum formalen Musikunterricht, sondern nahm auf, was in seiner Umgebung verfügbar war, vor allem Ragtime. Neben einigen regionalen Musikern wurde James P. Johnson sein erstes Vorbild, dessen Carolina Shout gleichsam die Weichen stellte.^[2]

Aufgrund seiner vornehmen Ausstrahlung und geschliffenen Manieren wurde er bereits in seiner Jugend von Schulkameraden zum „Duke“ (englisch für „Herzog“) ernannt. Er begann seine professionelle Karriere als Musiker mit 17 Jahren. In seinen ersten öffentlichen Auftritten spielt er zum Tanz. Bereits um 1920 genoss er einen guten Ruf innerhalb der überschaubaren Musikszene Washingtons.

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wiki

Duke Ellington war eine herausragende Größe des Jazz der 1920er bis zu den 1960er Jahren mit einem bis heute nicht hoch genug einzuschätzenden Einfluss. Man zählt ihn zu den größten amerikanischen Komponisten. Zu seinen zahlreichen Erfolgen zählen: Satin Doll, Rockin’ in Rhythm, Mood Indigo, Caravan oder Sophisticated Lady. In den 1920er und 1930er Jahren entstanden sie häufig in Zusammenarbeit mit Irving Mills, ab Ende der 1930er Jahre mit Billy Strayhorn.

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Rolling Stone -Germany-
Platz

106Bob Dylan, 
 „Groom’s Still Waiting at the Altar“

Eine verlorene B-Seite, die er auf dem Album Shot of Love zurückließ, und doch ist es Dylans härtester Song der achtziger Jahre, und vielleicht auch sein gemeinster. Er blickt auf eine Welt in Aufruhr: „Städte in Flammen, Telefone außer Betrieb / Sie töten Nonnen und Soldaten / Es gibt Kämpfe an der Grenze“. Ein Lied voll von hartem Regen und Apokalypse.

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Hotel California

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Die dunkle Wahrheit hinter "Hotel California" von The Eagles | Songtexte.com

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MsN:

Die Gruppe "Ocean" hat einen neuen Text draufgesetzt .... nette Kopie? .... "American Wedding"...

Sie (Die Eagles) schickten ein Unterlassungsschreiben, und Ocean musste den Song von den Streaming-Plattformen entfernen, nachdem mit rechtlichen Schritten gedroht wurde. Er (Ocea-Lead) verteidigte die Aktion jedoch stets, da sie als Hommage gedacht war und er durch die kostenlose Veröffentlichung keinen Profit daraus zog.

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Earth, Wind & Fire: Die 12 besten Songs

wiki

Diese Diskografie ist eine Übersicht über die musikalischen Werke des britischen Sängers, Komponisten und Pianisten Elton John. Den Quellenangaben zufolge hat er bisher 350^[1][2] bis 450 Millionen^[3] Tonträger verkauft, davon alleine in seiner Heimat über 51,9 Millionen. Seine erfolgreichste Veröffentlichung ist die Single Candle in the Wind 1997 mit über 33 Millionen verkauften Einheiten, die damit zu einer der meistverkauften Singles der Geschichte zählt.^[4] Elton John ist mit über 12,1 Millionen verkauften Tonträgern einer der Interpreten mit den meisten verkauften Tonträgern in Deutschland.

"Crocodile Rock"

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MSN:

Elvis Presley: Ein Leben zwischen Musik, Film und privaten Problemen

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Fritz Rauh (Memoiren):

Elvis, 
        wir warteten auf ihn...

          Wie Elvis Presley 
            den Rock & Roll erfand: 
Presley spielte mit einer schnellen Bluesnummer rum, 
                           die „That’s All Right“ hieß. 
05. Juli 1954: Der Tag des Truckdrivers – Elvis Presley erfindet beiläufig den Rock’n’Roll

Der Raum, in dem der Rock’n’Roll – die Musik und das Phänomen – geboren wurde, sieht heute nicht viel anders aus als in der Nacht, in der es geschah: exakt am 5. Juli 1954. Der „Memphis Recording Service“, offizieller Name von Sam Phillips’ Sun Records Studio an der Union Avenue in Memphis/Tennessee, ist ungefähr so groß wie ein großzügiges Wohnzimmer und bietet Platz für eine nicht allzu große Band. Im rückwärtigen Teil, hinter einer Glasscheibe, befindet sich ein winziger Kontrollraum, wo Phillips das primitive Mischpult bediente, seinen Schäfchen Ratschläge gab und aufmerksam lauschte, um den einzig richtigen Take nicht zu verpassen. An diesem Montagabend im Juli begann die Arbeit gegen sieben Uhr. In den ersten paar Stunden passierte nicht viel Aufregendes. Elvis Presley, 19-jähriger Lastwagenfahrer der örtlichen Elektrofirma Crown, arbeitete sich emsig durch sentimentale Grütze wie den aktuellen Bing-Crosby-Hit „Harbor Lights“ und „I Love You Because“, mit dem Country-Star Ernest Tubb 1949 einen Hit gelandet hatte …

Doch dann begann Presley in einer Pause mit einer schnellen Bluesnummer rumzuspielen, die „That’s All Right“ hieß und von dem schwarzen Sänger und Gitarristen Arthur Crudup stammte. Gitarrist Scotty Moore und Bassist Bill Black, von Phillips als Backing-Band angeheuert, fielen ein. Phillips hatte bereits etliche Blues-Sessions mit Leuten wie Jackie Brenston, Rufus Thomas, Howlin’ Wolf und den Prisonaires hinter sich und war beeindruckt, dass Presley, ein unbedarfter weißer Teenager aus Tupelo, Mississippi, den Crudup-Song kannte. Er hörte, dass dieser Junge einen eigenen Sound hatte, eine intuitive Mischung aus Spiritual, Gospel und Tanzmusik, und dass seine Stimme Autorität ausstrahlte.  ‚Ja, das klingt gut, aber, mein Gott, sie werden uns aus der Stadt jagen“

Veröffentlicht am 19. Juli als A-Seite von Sun 209, mit einer Turbo-Version von Bill Monroes Walzer „Blue Moon Of Kentucky“ auf der Rückseite, war „That’s All Right“ mehr als ein Konglomerat verschiedener Einflüsse – es war ein revolutionärer Akt musikalischer, kultureller und ethnischer Integration. Oder, wie Moore es 1991 in einem Interview ausdrückte: „Wir schüttelten die Köpfe und sagten: ‚Ja, das klingt gut, aber, mein Gott, sie werden uns aus der Stadt jagen.‘“ Presley, Moore und Black hatten das erste Mal einen Tag vor der Session zusammengespielt …

Doch das, was Presleys beste Aufnahmen in den nächsten zwei Jahrzehnten prägen sollte – sein Perfektionismus, sein Sich-Hineinwühlen in einen Song bis zum letzten und optimalen Take – kam bereits am 5. Juli zum Tragen. Auf der einzigen erhaltenen Alternativ-Aufnahme von „That’s All Right“ klingt Presley alles andere als überirdisch: Er wieselt durch die Zeilen, legt zu viel Pathos hinein, während Moore wild auf dem Bass schummelt. Doch Phillips ließ sich Zeit – er konnte es sich leisten, nicht nach dem damals üblichen Plan (vier Takes in drei Stunden) vorzugehen: Ihm gehörten das Studio und das Label. Presley machte noch vier weitere bahnbrechende Singles für Sun. Ende 1955 verkaufte Phillips, der in finanziellen Schwierigkeiten steckte, Presleys Vertrag und die Masterbänder für 35 000 Dollar an RCA.
Danach entdeckte er noch Johnny Cash, Jerry Lee Lewis und Carl Perkins, bevor Sun in den 60er Jahren verkauft wurde. Doch als Erfinder sah er sich nie. „Rock ’n’ Roll gibt es schon seit vielen Jahren“, sagte er 1958. „Früher hieß er eben Rhythm & Blues.“ Presley wusste, was er in dieser Nacht geschaffen hatte. „Ich glaube nicht, dass sie jemals ganz verschwinden wird“, sagte er später über diese Musik, „weil sie etwas mächtig Gutes finden müssen, um sie zu ersetzen.“

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wiki:

Elvis Aaron Presley (* 8. Januar 1935 in Tupelo, Mississippi; † 16. August 1977 in Memphis, Tennessee), häufig nur Elvis genannt, war ein US-amerikanischer Sänger, Musiker und Schauspieler. Er gilt als einer der wichtigsten Vertreter der Rock- und Popkultur des 20. Jahrhunderts^[1] und wird oft als „King of Rock ’n’ Roll“ oder einfach als „The King“ bezeichnet. Eine weitere Betitelung war früher auch „Elvis the Pelvis“, was seinem Hüftschwung bei den Auftritten zu verdanken war. Elvis Presley gilt nach Michael Jackson als der zweiterfolgreichste Solokünstler aller Zeiten.^[2][3]

Aus finanziell ärmlichen Verhältnissen stammend, begann er seine Karriere 1954 als einer der ersten Musiker der Rockabilly-Bewegung, einer Fusion von „weißer“ Country-Musik und „schwarzem“ Rhythm and Blues. Seinen Durchbruch hatte er 1956, als er zur kontrovers diskutierten Identifikationsfigur der Rock-’n’-Roll-Bewegung wurde. Für Furore sorgte er mit seinen ausgesprochen körperbetonten Bühnenauftritten in einer Zeit, in der dies noch nicht zum Standardrepertoire weißer Live-Entertainer gehörte. Presleys Markenzeichen, mit denen er in unterschiedlichen Genres wie Rock, Pop, Country, Gospel und Blues erfolgreich war, waren seine markante, annähernd drei Oktaven umfassende Stimme und sein innovativer, emotionsgeladener Gesangsstil.^[4]

Bis 1978 wurde Presley 14 Mal für den Grammy nominiert, den er drei Mal für seine Gospelinterpretationen gewann. Im Alter von 36 Jahren wurde er als bis dahin jüngster Künstler mit dem Lifetime Achievement Award ausgezeichnet.^[5] Er ist neben Michael Jackson als einziger Künstler in fünf Halls of Fame vertreten: Rock ’n’ Roll,^[6] Rockabilly,^[7] Country,^[8] Blues^[9] und Gospel.^[10] Ferner wurden sechs seiner Songinterpretationen als historisch besonders bedeutsam in die Grammy Hall of Fame aufgenommen. Laut der Recording Industry Association of America (RIAA) erhielten insgesamt 101 seiner Alben eine Goldene Schallplatte in den USA, was ebenfalls einen Rekord darstellt (Stand: April 2025).^[11][2] Die RIAA zeichnete ihn wiederholt als „Best Selling Solo Artist in U.S. History“ aus.^[12]

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MsN:

Elvis Presleys Oscar-Traum scheiterte am größten Erfolg | Watch

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Der Schlittschuhläufer-Walzer (französisch Les Patineurs „die Schlittschuhläufer“; im Deutschen oft verkürzt Schlittschuhwalzer) ist ein 1882 komponierter Konzertwalzer von Émile Waldteufel (op. 183)^[1]. Das von Eisläufern im Pariser Bois de Boulogne inspirierte^[2] Musikstück beschwört eine winterlich-heitere Atmosphäre herauf und gilt als Hauptwerk seines Autors. Ähnlich wie die Stücke von Johann Strauss bietet es statt einer einzigen Melodie eine Folge kontrastierender, abwechselnd ruhiger und überschwänglicher Walzerthemen, die bald von einem Solohorn, bald von Streichern oder Holzbläsern dargeboten werden. Charakteristisch ist auch der Einsatz von Glockenstäben, die Assoziationen an das Schellengeläut winterlicher Schlittenfahrten wecken.^[3]

Waldteufel veröffentlichte die Partitur am 30. Oktober 1882 bei Hopwood & Crew und widmete sie Ernest Coquelin, einem Schauspieler an der Comedie Francaise.

Bis heute haben den Schlittschuhläufer-Walzer zahlreiche Symphonieorchester im Programm, mit Blick auf die Thematik wird er mitunter mit Ballett- oder Eislauf-Einlagen kombiniert, so etwa von André Rieus Johann-Strauß-Orchester^[4]. Das Stück wurde auch in etlichen Filmen rezipiert, etwa in The Hollywood Revue of 1929, Meine Lieblingsfrau, Chariots of Fire, A Simple Wish, Mein wunderbarer Waschsalon und Seine Sekretärin. Motive aus dem Walzer klingen auch in Paul Hindemiths Parodie Ouvertüre zum „Fliegenden Holländer“, wie sie eine schlechte Kurkapelle morgens um 7 am Brunnen vom Blatt spielt von 1925 an.

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inspiriert vom Bürgerkries in Srilanka .... Inspiriert zu extremer GewaltDarstellung ... 2 min Video ... 

Genialer Ansatz aber schwere Kost ...    Welcher 

Film-Clip  jedoch gemeint ist, ist aus der redaktionellen Ferne zur Sendung nicht mehr so klar nachvollziebar. Jedenfalls haben die Songs etwas andersartiges, afrikanisches im Stil, auf Französisch gesungen, könnte mit der kongolesischen Sprache "Lingala" vermischt sein. Die Bilder jedenfalls zeigen viel Schönheit und afrikanischen Farbgeschmack:

"C est Mon BB",   "Miel",    "Katanon" ...

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Enya - "Orinoco Flow"     , 1988,   

"Enya" bedeutet "kleines Feuer".

1988 brachte Enya mit diesem Song ganz neue Klänge in die Hitparaden. Ihre Lieder zaubern eine mystische Atmosphäre. Das liegt vermutlich an Enyas Zuhause: Sie lebt in Irland, in einem kleinen Schloss namens Manderley Castle. Dort, abgeschieden vom Rest der Welt & die Öffentlichkeit meidend, entstehen Enyas Lieder. Eine Elfen-artige Stimme und warme Klänge, die irgendwo zwischen den Welten zu schweben scheinen, sind die Merkmale ihrer Musik. Dazu Enya: "Das hat definitiv mit meinen Wurzeln und mit meiner kulturellen Prägung zu tun. Mit irischer Volksmusik und dem Bewusstsein für die Kultur Irlands und auch deren keltischen Aspekten. Die Melancholie ist einfach da. Sie bedeutet aber nicht, dass man traurig ist. Sie steht vielmehr für das leidenschaftliche Gefühl der Liebe. Ich glaube, dass das sehr irisch ist."

Imaginärer Segeltörn rund um die Welt:  Ihre Musik wirkt entspannend - mehr noch: Sie kann einem die Angst nehmen und Mut machen.       Aus diesem Grund wurden 2001 die schrecklichen Bilder vom 11. September mit einem ihrer Lieder unterlegt - mit "Only Time".         

Bekannt geworden war Enya 1988 mit ihrem #1-Hit "Orinoco Flow".     

Darin nimmt sie uns mit auf einen imaginären Segeltörn rund um die Welt. Er beginnt am Orinoco, einem bedeutenden & malerischen Fluss in Venzuela*, …  wir besuchen Pazifik-Inseln und die Antarktis, schippern vor Schottlands Küste und landen in Afrika.  …. Dass die Reise ausgerechnet am Orinoco beginnt, hat einen ganz einfachen Grund: Das Lied entstand 1988 im "Orinoco Tonstudio" in London.   Viele Monate hat Enya an diesem Lied gearbeitet, bis sie diesen einzigartigen Klang kreiert hatte, der bis heute ihr Markenzeichen ist.

* The Orinoco (Spanish pronunciation: [oɾiˈnoko]) is one of the longest rivers in South America at 2,250 kilometres (1,400 mi).^{[citation needed]} Its drainage basin, sometimes known as the Orinoquia,^[3] covers 989,000 km² (382,000 sq mi), with 76.3 percent of it in Venezuela and the remainder in Colombia. It is the fourth largest river in the world by discharge volume of water. The Orinoco River and its tributaries are the major transportation system for eastern and interior Venezuela and the Llanos of Colombia. The environment and wildlife in the Orinoco's basin are extremely diverse.

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Eurythmics - "Sweet Dreams"

Annie Lennox schreibt 1983 zusammen mit Dave Stewart diesen Song. Bis heute hat er nichts von seiner magischen Ausstrahlung verloren. Schon in den 70er-Jahren machen die beiden zusammen Musik. Außerdem sind sie fünf Jahre lang ein Liebespaar - aber dann kommt die Trennung, auch von ihrer Band „The Tourists“. Als Duo jedoch als „Eurythmics“ geht es weiter & sie schreiben ihre ersten Songs.

Flop für "In The Garden":      Das erste Album, das die beiden als Eurythmics schreiben, wird ein Flop. "In The Garden" wird - trotz guter Kritiken - nicht angenommen. Auch privat ist es damals nicht leicht, erinnert sich Dave Stewart in einem Interview mit dem "Paste Magazine": "Ich hatte damals gerade eine sehr gefährliche Operation hinter mir, bei der ich fast gestorben wäre. Ich fühlte mich also wie neugeboren und geradezu funkensprühend.   …     Annie dagegen war richtig down. Depressive Angst befiel sie, dass es nicht weitergeht &  ob sie musikalisch überleben würden."    
7.000 Pfund für neue Ausrüstung:    Dave Stewart leiht sich 7.000 Pfund für eine einfache Studio-Ausrüstung, sie mieten einen schäbigen Raum auf dem Dachboden einer Fabrik, um Songs aufzunehmen. Den Drum-Computer, den Dave gekauft hat, bringt er stundenlang gar nicht zum Laufen: "Doch plötzlich funktionierte er  & der Beat von 'Sweet Dreams' war innerhalb von Minuten. … Dazu spielte er das Intro auf dem Synthesizer. Annie hatte bis dahin deprimiert und zusammengerollt auf dem Boden gekauert, als sie den Sound hörte, sprang sie auf und rief 'Was ist das?'    …. & dann ging alles sehr schnell:   Annie spielte dazu auf dem Keyboard, dann kam der Text - & in einer halben Stunde war der Song fertig."     
Milchflaschen liefern besonderen Sound:     Auch heute noch klingt der Song, als ob er in einem teuren Profi-Studio aufgenommen wurde. Dabei hatten die jungen Eurythmics nur ein einfaches Acht-Spur-Aufnahmegerät, ihre günstigen Instrumente und: Milchflaschen. "Wir wollten im Mittelteil diesen besonderen Sound", so Stewart, "aber wir wussten nicht, wie wir den machen sollten, also spielten wir mit den Drumsticks auf Milchflaschen."     ………….    Der kühle Computer-Sound, der melancholische Text und Annie Lennox' einzigartige Stimme sind die perfekte Kombination. "Sweet Dreams (Are Made Of This)" landet 1983 auf dem gleichnamigen Album, und damit beginnt für die Eurythmics ihre Weltkarriere.

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">. "Rolling Stone - Germany"     
       -   Das ultimative Ranking: Die 200 besten Songs der 80er  

Platz

190: Falko-

"Rock me Amadeus"

Einer der lächerlichsten Nummer-Eins-Hits in einer Ära, in der Lächerlichkeit die wichtigste Pop-Tugend war. Falco rappte auf Deutsch über Mozart, in dem noblen Versuch, gepuderte Perücken zu einem Modetrend der Achtziger zu machen. (Das hat sich nicht wirklich durchgesetzt, was beweist, dass die Achtziger doch einige Standards hatten.) Er fügte Wörter wie „Superstar“ und „Punk“ in das teutonische Geplapper ein und erklärte: „Wenn Mozart heute leben würde, würde er keine klassische Musik machen, er wäre ein internationaler Popstar. Und ich hatte das Gefühl, dass es an der Zeit war, einen Song über ihn zu schreiben.“ (Und wenn Mozart noch leben würde, hätte er bestimmt Lieder über Falco geschrieben.) Die amerikanischen Fans bevorzugten den „Salieri Mix“, mit einer praktischen Zeitleiste des Lebens des Komponisten: „1784: Wolfgang Amadeus Mozart wird ein Freimaurer. 1791: Mozart komponiert Die Zauberflöte. Am 5. Dezember desselben Jahres stirbt Mozart. 1985: Der österreichische Rocksänger Falco nimmt das Lied ‚Rock Me Amadeus‘ auf!“

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***:

Johann Hölzle o.#. .... 1976 .... "Der Kommmissar" erster RAP-Song eines WEißen ... Er läuft wie Dr Kimbel auf der Flucht .... 
Für TV-Sendung gemacht und kein wirkliches offfizielles Video ...
"1985" wurde dann nachgelegt .

Jedoch besser wars dann mit "Rock me Amadeus". Falko musste überredet werden: Er im Smoking .... die anderen in historischen Kostümen .... 
Rocker mussten die Rollen spielen, daher gab es beim Dreh wohl lange Kamerapfade ...

1986 war es dann in den USA das meist gespielte Video bei MTV!

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"Jeanny"  rief dann den Jugendschutz auf die Bühne. Der Clip war unglaublich hart obwohl direkt keine Gewalt gezeigt wurde: Eine 19 Jährige wird ermordet ... Ein bekannter Nachrichtensprecher tritt im Original auf. Verblüffender Effekt. Der Clip wurde heftig diskutiert, verboten, dann wieder erlaiubt ... Provokationen reihen sich ohne Ende ... 

Falko war schwierig, Falko war brutal ... 2 Personen in einem Körper ...
Song war lange auf dem Index ..... 

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wiki

Antoine Dominique „Fats“ Domino Jr. (* 26. Februar 1928 in New Orleans; † 24. Oktober 2017 in Harvey, Jefferson Parish^[1]) war ein US-amerikanischer Pianist, Sänger und Songwriter in den Bereichen Rock ’n’ Roll, Rhythm and Blues, Piano-Blues und Boogie-Woogie.

Antoine „Fats“ Domino, der französisch-kreolischer Abstammung war,^[2] lernte das Klavierspielen von seinem Schwager Harrison Verrett. Bei einem Arbeitsunfall in der Fabrik, in der er bereits mit 14 Jahren arbeitete, hätte er beinahe seine Finger verloren. 1948 heiratete er seine Jugendfreundin Rosemary Hall, mit der er acht Kinder hatte.

Fats Domino, der sein Klavier im Boogie-Stil spielte, wurde 1949 von dem Produzenten und Bandleader Dave Bartholomew, einem ehemaligen Trompeter bei Duke Ellington, in einem Club in New Orleans entdeckt, wo er für drei Dollar in der Woche auftrat. Bartholomew verschaffte ihm seine erste Plattenaufnahme, The Fat Man, die sich nach ihrer Veröffentlichung im Januar 1950 zu einem der ersten Millionenseller des Rhythm & Blues entwickelte und in den R&B-Charts bis zum zweiten Rang vorstieß. Der Titel war selbstironisch zu verstehen, denn „Fats“ (d. h. „der Dicke“) brachte schon damals erhebliches Übergewicht auf die Bühne. Diese erste Single brachte ihm den Durchbruch und war der Beginn einer mehr als zehnjährigen Plattenkarriere bei Imperial Records, deren Aufnahmen fast ausnahmslos in Cosimo Matassas Tonstudio in New Orleans stattfanden.

Die erfolgreichste Phase für Fats Domino waren die 1950er-Jahre, als er in Zusammenarbeit mit Dave Bartholomew und Lew Chudd, dem Chef der Plattenfirma Imperial, eine lange Liste von Hits komponierte und interpretierte. Der endgültige Durchbruch gelang ihm 1955 mit Ain’t that a Shame und 1956 mit Blueberry Hill, das er erstmals in der Ed-Sullivan-Show aufführte und das zum größten Hit seiner Karriere avancierte. Weitere Hits waren beispielsweise I’m in Love Again, I’m Walking to New Orleans, My Blue Heaven, Blue Monday und Whole Lotta’ Loving. Das auch sehr bekannte Jambalaya war das Cover eines Country-Songs von Hank Williams. Mit Blue Monday trat er in der Hollywood-Komödie The Girl Can’t Help It auf. Weil die aus New Orleans ausgestrahlten Radio-Sendungen mit ihren häufig gespielten Domino-Titeln auch auf Jamaika empfangen werden konnten, hatte Fats Domino erheblichen Einfluss auf jamaikanische Musiker, deren Stil sich damals gerade entwickelte.

Da sich seine Ausdrucksweise kaum veränderte und Gruppen wie The Beatles, die er bereits 1964 persönlich kannte,^[3] und The Rolling Stones das Geschäft bestimmten, ließ Fats Dominos Schallplatten-Erfolg ab Mitte der 1960er-Jahre nach. Letzter erwähnenswerter Erfolg war die Coverversion des Beatles-Stücks Lady Madonna 1968. Als Live-Performer aber war er bis in die 1990er-Jahre gefragt, auch auf Tourneen in Deutschland. Der 1957 herausgebrachte Song I’m Walkin’ wurde 1991 in einer Aral-Werbung verwendet und kam dadurch nochmals in die deutsche Hitparade. Fats Domino steht in einer Reihe mit Rock-’n’-Roll-Legenden wie Little Richard und Chuck Berry.


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wiki:

Thomas Wright Waller (* 21. Mai 1904 in Harlem, New York; † 14. Dezember oder 15. Dezember 1943 im Santa-Fe-Express in Höhe von Kansas City) war ein amerikanischer Jazz-Pianist, -Organist, -Komponist und -Sänger. Der wegen seines stattlichen Leibesumfangs (vornehmlich vom weißen Publikum – seine Musikerkollegen nannten ihn beim Namen Tom^[1]) Fats genannte Jazzer hatte großen Anteil an der Entwicklung des frühen Jazz der 1920er Jahre zum Swing der 1930er und 1940er.

Fats Wallers Eltern Adeline Locket und Edward Martin Waller verlobten sich 1878 und kamen aus Virginia nach New York. Der Vater Edward Waller war Baptistenprediger in Harlem (Abyssinian Baptist Church), die Mutter Adeline Waller Kirchenorganistin. Fats Waller war das jüngste von fünf Kindern. Mit fünf Jahren begann er Harmonium zu spielen. Mit sechs erhielt er Unterricht von einer Klavierlehrerin, nachdem er zuvor bei einem Nachbarn das Klavierspiel kennengelernt hatte. Außerdem begann er, auf der Kirchenorgel zu üben und spielte im Schulorchester (Violine und Piano).^[2] Oft spielte er nach Gehör und war weniger an der klassischen Musik interessiert, zu der ihn sein Vater drängte, nachdem er sein Talent erkannt hatte. Wenn er Fats Waller erwischte, wie er in seiner Kirche heimlich Jazz an der Orgel spielte, konnte es dazu kommen, dass er ihn züchtigte.^[3] Fats Waller spielte damals die unterschiedlichste Musik, auch nach Gehör, so zum Beispiel Ragtime (Scott Joplin). 1920 starb seine Mutter Adeline und der junge Waller zog wegen eines Streits mit seinem Vater Edward aus dem elterlichen Haus aus. Edward Wallers Willen zufolge sollte Fats ebenfalls Geistlicher werden. Fats Waller zog zum Pianisten Russell Brooks,^[4] der ein automatisches Klavier (Pianola) mit Pianola-Rollen von James P. Johnson und Luckey Roberts besaß, das Waller als Hilfsinstrument für Fingerübungen nutzte. 1919 spielte er Kino-Orgel im Lincoln Theatre in Harlem, nachdem er zuvor von der dortigen Organistin Unterricht erhalten hatte.^[5] Ab 1921 spielte er im Lafayette Theatre in Harlem. Zeitweise begleitete er Katie Crippen. 1921 heiratete er Edith Hatchett, mit der er einen Sohn, Thomas Jr., hatte und von der er 1923 geschieden wurde. Die Unterhaltszahlungen wurden für ihn danach zu einer ständigen Last.

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wiki:

Waller war einer der ersten, der Jazzstücke auf der Orgel einspielte. Er leistete auf diesem Instrument Pionierarbeit und unterrichtete später den jungen Count Basie darauf. Waller besaß später eine transportable Hammondorgel, die er häufig auf Reisen bei sich hatte und mit der er bisweilen die Hotelgäste und Nachbarn spät abends zur Verzweiflung trieb.^[8] Als Voraussetzung für Auftritte bestand er später stets auf einem gut gestimmten Steinway-Flügel.^[9]

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^wiki

Liedtextschreiber. Razaf war literarisch sehr begabt und gebildet und nahm das Songschreiben sehr ernst, wobei er Fats Waller, der scheinbar mühelos und aus dem Stegreif komponierte, auch zur Disziplin anhielt. Via Telefon entstand einer der Razaf/Waller-Songs (dabei soll es sich um Honeysuckle Rose gehandelt haben). In der Broadway-Show Hot Chocolates wurden 1929 viele Stücke der beiden präsentiert, unter anderem Ain’t Misbehavin’ durch Louis Armstrong, der zum Star der Show avancierte. Wallers eigene Solo-Einspielung für Victor, für die er ab 1926 aufnahm, wurde mit Rang 17 der erste von insgesamt 62 Hits im Laufe seiner Karriere. Die Rechte für die Kompositionen an Hot Chocolates, darunter neben Honeysuckle Rose Hits wie Ain’t Misbehavin’ und What did I do to be so black and blue, verkaufte er für nur 500 Dollar an Mills Music, was er später bereute. Um mehr Geld mit ihren Songs zu verdienen, schrieb Razaf häufig bis zu fünf Texte zur selben Komposition, die dann im Brill Building, wo in New York die Musikverlage saßen, jeweils einem anderen Verleger verkauft wurden.^[3] Nach dem Billboard-Top-100-Chart-Erfolg von Ain’t Misbehavin’ (bis Nr. 17 im Jahr 1929) hatte er erst 1934 wieder Chart-Erfolge.^[10]

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Das 1977 erschienene Album "Rumours" von Fleetwood Mac verkaufte sich innerhalb eines Monats nach seiner Veröffentlichung weltweit 10 Millionen Mal und hat bis heute über 40 Millionen Exemplare abgesetzt.

(Link:  Erinnern Sie sich an die ikonischen Musikstars der 1970er?)

Wiki:
Fleetwood Mac - Wikipedia

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Kurz vor seinem Tod .. sein ganzes Leben steht in seinem Gesicht .... Er stirbt gleich...das seiht man "You are someone else"! ... 

MusikVideo um Tränen zu bekommen .... Visuelle Umsetzung .... Alter ... mutig ... Sein Lebenswerk... steht im Gesicht geschrieben ...

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Flying Pickets - "Only You"  

Von der Theatergruppe zum A-CapellaEnsemble: Die Flying Pickets.

Das hatte es bis dato noch nicht gegeben: Zum ersten Mal an der Spitze der internationalen Hitparaden ein A-capella-Song.   Ein Lied, das ganz ohne Instrumente auskommt. "Only You"  der Erfolg des des Jahres 1983.

Die Geschichte hinter dem Song:         1982 sorgt ein Streik der englischen Bergarbeiter für jede Menge Schlagzeilen. Eine junge, etwas schrille Theatergruppe macht daraus ein Theaterstück, nennt sich Flying Pickets, die Fliegende Streikposten. Die Gruppe tingelt mit diesem Bergarbeiter-Streik-Theaterstück durchs Land. Die langen Autofahrten zu den Aufführungen vertreiben sich die Jungs mit Singen.    …  Sie singen, was ihnen gerade einfällt oder was sie im Autoradio hören, z.B.    Oldies oder aktuelle Pophits. Die jungen Männer werden auch immer besser,  ihr Gesang wird immer perfekter   … & Spaß haben sie auch daran. Also bauen sie A-capella-Lieder in ihr Theaterstück ein.

A-capella-Stücke kommen gut an:    Das Publikum ist begeistert von den Gesangseinlagen. Sogar noch mehr als vom Schauspiel. Schließlich wird aus der Theatergruppe ein A-capella-Ensemble. Zunächst sind die Flying Pickets, trotz eines Plattenvertrages, den sie mittlerweile in der Tasche haben, nur ein Geheimtipp.   A-capella ist damals noch nicht so angesagt. Aber dann hören die Jungs das Lied, das ihr Leben verändern soll: "Only You" von dem Duo Yazoo, das damals, 1983, auf Platz 2 der englischen Hitparade steht. Die jungen Männer nehmen sich den Song vor, ganz nach der Flying-Pickets-Manier und machen einen A-capella-Song daraus und erobern damit die europäischen Hitparaden: #1 unter anderem in England und Deutschland.  ….  Die A-capella-Musik erlebt eine Renaissance, die damals aber nur kurz anhält. Noch so ein Hit gelingt den Flying Pickets jedoch nicht. 

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Fools Garden - "Lemon Tree"  , 1996

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Im Frühjahr 1996 ging ein Lied aus Pforzheim, am Rande des Schwarzwaldes, um die Welt. Heute wird "Lemon tree" von Fools Garden sogar im Musik-Unterricht an den Schulen vorgestellt. Der Sänger Peter Freudenthaler erzählte im MDR-Fernsehen, wie er 1995 auf "Lemon tree" gekommen ist:  "Es war so, wie der Song anfängt. Es war Sonntagnachmittag, ich saß in meinem Schlafzimmer, neben Keyboard & Klavier  & ich wartete auf meine damalige Freundin, die halt nicht kam!"           
Der gelbe Zitronenbaum:     Eine eingängige Melodie mit einem eingängigen Text, in dessen Mittelpunkt ein Zitronenbaum steht. Aber warum gerade ein Zitronenbaum, ein "Lemon tree"? Das fragte sich damals auch Peter Freudenthaler: "Es klingt gut, aber was soll ich über einen Zitronenbaum schreiben? Aber das hat sich einfach so ergeben, und dann hab ich irgendwann gedacht 'Ach lass es halt so!'" Er stellte den Song seiner Band „Fools Garden“ vor. Die hatte es bis dato immerhin geschafft, mit einem ihrer Songs in einer Fernsehwerbung zu kommen. Mehr aber auch nicht. "Bis 1995 sind wir aus dem Dunstkreis von Pforzheim gar nicht herausgekommen. Da war das höchste der Gefühle, wenn wir mal in München vor 20 Leuten gespielt haben."

Platz eins der Hitparade:       Doch mit "Lemon tree" änderte sich das schlagartig. Die Jungs standen plötzlich auf Platz eins der deutschen Hitparade und füllten mühelos die größten Hallen. Nicht nur in Pforzheim oder München, sondern auf der ganzen Welt. Über Nacht waren Peter, Volker, Ralf und Thomas zu Superstars geworden. "Das war natürlich ein tolles Gefühl. Wobei ich heute sagen muss: Wir waren der ganzen Situation damals nicht gewachsen. Wenn ich mir heute Videos von Fernsehauftritten oder so angucke! Aber das hat vielleicht auch zu unserem Erfolg beigetragen. Die Menschen sahen: Die Jungs sind so grün hinter den Ohren, die haben von Tuten und Blasen keine Ahnung. Wir wussten wirklich nichts von diesem Business", erinnert sich Sänger Peter Freudenthaler. Ein weiterer Hit wollte seiner Band dann zwar nicht gelingen. Doch Fools Garden gibt es noch immer. Und "Lemon tree" sorgt bis heute dafür, dass Peter Freudenthaler und Co. von der Musik leben können: "Wir genießen das, was wir jetzt haben.

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Frank Sinatra - "My Way"

Mit dem Song nimmt 1968 der Mann der in Las Vegas auch „The Voice“ oder „Chairman of the board“  genannt wurde einen der größten amerikanischen Schlager aller Zeiten auf.

Die Geschichte des Liedes beginnt Mitte der 1960er-in Frankreich: Der Komponist Claude François ist gerade von seiner Freundin, der Sängerin France Gall, sitzen gelassen worden. Aus lauter Kummer schreibt er ein Lied mit dem englischen Titel "For You", das aber niemand singen will. Erst als er mit ein paar Freunden ein Chanson daraus macht und es "Comme d’habitude" nennt, wird es zum Hit.   …. Zufällig ist der kanadische Sänger Paul Anka in Frankreich und hört dieses Chanson im Radio   & er kauft die Rechte an dem Lied, obwohl er nicht so recht weiß, was er nun damit anfangen soll.  … 

Paul Anka schreibt Text zu François' Melodie:     Doch dann kommt es zu einer schicksalhaften Begegnung: Paul Anka trifft in einem Hotel in Beverly Hills auf Frank Sinatra. Der lädt ihn zum Dinner ein. Und während der 27-jährige Paul fast vor Ehrfrucht erstarrt, schüttet ihm der Altmeister sein Herz aus. Sinatra erklärt ihm, dass er überhaupt keine Lust mehr auf das Showbusiness habe    & er  müde sei: "Ich mache noch ein letztes Album, dann ist Schluss." Er fragt Anka, ob er dazu nicht einen Song beisteuern will. Natürlich will Paul Anka & zu Hause in seinem Appartement im Hotel in New York kommt ihm in der Nacht die Idee zu "My Way". Er nimmt die Melodie von "Comme d’habitude" und schreibt dazu einen Text über einen Mann, der auf sein Leben zurückblickt. Früh morgens um fünf ist er fertig und er weiß: Das ist ein Lied, das dem großen Frank Sinatra gerecht wird.

Sinatra selbst findet Song schrecklich:   Frank Sinatra muss auf seinen Konzerten fortan immer "My Way" singen - obwohl er das Lied eigentlich gar nicht mag, so wie er es selbst sagt.

Ein paar Wochen später klingelt das Telefon bei Paul Anka. Am anderen Ende der Leitung ist Frank Sinatra: "Hey Junge, hör' mal, was ich gerade im Tonstudio aufgenommen habe!" Gerade mal 30 Minuten hat Frank Sinatra gebraucht, um das Lied auf Platte zu bringen. Paul Anka kann es kaum fassen. Er hat Tränen in den Augen - nichts ahnend, dass "My Way" einer der größten Evergreens aller Zeiten werden soll   & Frank Sinatra? … Der denkt gar nicht mehr an Rückzug …. sondern gibt weiterhin Konzerte und muss fortan immer "My Way" singen - obwohl er das Lied eigentlich ganz schrecklich fand. Er starb im August 1998.        

 Mit Künstlerkollegen wie Dean Martin und Sammy Davis Jr. gehörte Frank Sinatra dem sogenannten Rat Pack an. Seine international erfolgreichen Hits, darunter Strangers in the Night, My Way und New York, New York, bescherten Sinatra Weltruhm; seine Alben wurden mehr als 150 Millionen Mal verkauft.

Seinen letzten Gesangsauftritt hatte Sinatra im Februar 1995 in Palm Springs am Rande eines von ihm selbst veranstalteten Benefiz-Golfturniers, und beim Aufzeichnungstermin der offiziellen Gala zu seinem 80. Geburtstag am 19. November 1995 stand er letztmals auf einer Bühne.

 Am 9. Januar 1997 erlitt er einen Herzinfarkt, konnte zwar bereits nach acht Tagen das Krankenhaus wieder verlassen, trat aber seither nicht mehr bei öffentlichen Veranstaltungen in Erscheinung und war zunehmend ans Bett gefesselt. Den 1997 getroffenen Beschluss des US-Kongresses, ihn mit der Congressional Gold Medal auszuzeichnen,^[13] erlebte er zu Hause am Bildschirm.

Am 14. Mai 1998 ereilte Sinatra erneut ein Herzinfarkt, dessen Folgen er noch am selben Abend im Cedars-Sinai-Krankenhaus von Los Angeles erlag.

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Sinatra kam zurück: mit 50 auf dem Höhepunkt seiner Fähigkeiten. Rock & Roll ist hässlich & brutal. Er war es gewohnt die Dinge beim Namen zu nennen und alle Sympathie auf seiner Seite. Er hat die großen Bigbands überstanden und er war sebstbewusst ohne Ende. Er hatte seine Show, er gab den Ton an. 

1965 .... Beatles landen in USA,  John Lennon bereits in jungen Jahren bereits durch schwere Zeiten gegangen. Vom Schicksal gezeichnet, 21,22.23 of Age. 4 Jungs, die mit lustigen Frisuren daher kamen. Sinatra macht sich Lustig: Die Beatles in seiner Show. Lennon formulierte ernst seine Bewunderung für Sinatra und meinte, dass es schade sei, das jemand de so großartig in der Musik sei, nicht in der Lage sei, zuzuhören.

Die Welten waren getrennt, auf einem Schlag. Die neuen Zeiten trennen sich von der traditionellen Musik ab. Eine Geschichte wenn jemand jemanden auslacht, ohne zuzuhören.

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Rolling Stone - Germany

Platz

84    Frankie goes to Holywood

"Relax"

Obszön, offensichtlich. In Frankie Goes to Hollywood traten zwei der ersten offen schwulen Popsänger auf, Holly Johnson und Paul Rutherford, sowie drei Heteros als Ersatz. Sie hatten eine politische Botschaft: Atomkrieg schlecht, gepiercte Brustwarzen gut. Und, ach ja – sie hatten auch „Relax“, die damals meistverkaufte britische Hitsingle aller Zeiten. „Relax“ klingt immer noch köstlich schmutzig, eine Synth-Pop-Orgie aus Schlürfen und Spritzen. Frankie trieb die schwule Angeberei auf die Spitze (sie nannten einen Song tatsächlich „Krisco Kisses“) und einige von uns werden bis ins Grab ihren sensiblen Slow Jam „The Power of Love“ verteidigen, aber „Relax“ ist definitiv der Song, der Sie mit Laserstrahlen trifft.

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***:

Mit Schulszene haben sie neue Themen in die Gesellschaft getragen ... Sado-Maso .... Schmerz kann Lust bedeuten .... Sender strahlten nur spät aus oder verbannten die Videos generell ....

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## Songtext von Schubert - Ave Maria Lyrics

Im Geist z.T. der Biedermeier-Zeit (1815-1848 // F.S.:31.1.1797-19.11.1828) des frühen 19.Jahrhunderts (1825 erschienen), erfindet Franz Schubert das "romantische Kunstlied". Von seinem Vater (Hofkapellmeister am Wiener Hof) gefördert spielte er Geige & Orgel, bekam bereits mit 5 Jahren Musikunterricht & wurde bereits mit 11 Jahren Teil der Wiener Hofkapelle. Er starb mit 31 & hinterließ aus seiner Zeit 600 Lieder, weltliche & geistliche Orgel- und Chormusik, Bühnen- & Kammermusik. Seine schöne Stimme brachte ihn bereits 1808 in den Kreis der Wiener Sängerknaben. Als Komponist schuf er 1810 die Klavierfantasie in G-Dur für 4 Hände und war Mitbegründer der damals eher karnevalistische „Unsinnsgesellschaft“, die sich immer Donnerstags in Wien traf & akribisch über ihre Treffen Buch führte: „Archiv des menschlichen Unsinns – ein langweiliges Unterhaltungsblatt für Wahnwitzige“.

Es enthielt unterschiedliche Texte, Aufsätze, kurze Theaterstücke und Illustrationen. Auch einige Männer z.T. in Frauenkleidern waren regelmäßig dabei. - Was wäre denn nun der Mensch ohne seine humoristische Ader.

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Freddy Mercury begegnet Frank Sinatra auf der Bühne ...

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"Crazy Little Thing called love" .... #1 in USA, erste Platzierung der Queen, in USA überhaupt,

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You Tube:

Charity Concert Freddy Mercury alle anderen Stars der Zeit.... plus Dolly Parton .... sie singt Bohemian Rapsodie ....

Royal Albert Hall, 5000 Gäste.

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Wer war Freddy Quin wirklich?

(Link: Freddy Quinn: „Frau Blessmann ist meine Managerin" — 50 Jahre Lüge vor der Welt)

Stichwortartige Schwerpunkte / Zusammenstellung seines Curriculums.
 

Manfred Nidl, am 27.09.1931 in Wien geboren, unehelich. Die Mutter: Edit Nidl. 1939 heiratete Nidl den verarmten adligen "von Petz".

Lilly Blessmann hat er in HH gefunden. Sie war 13 Jahre älter als er. 

Manfred sang in Kneipen etc. über sein Leben: Fremdenlegion, Kinderheim, verwaist, verstoßen. Einsamkeit wurde sein Markenzeichen. Ein Londoner Musik-Manager erlebte ihn in HH singend & als interessanten Typen. Er arrangierte ein Treffen mit dem Rundfunk, damals.

Die Marke "Quinn" wurde nun eifrig am Reissbrett entworfen. Den irischen Vater hatte es nie gegeben. Selbst die US-Reise, auf den vermeintlichen Spuren des Vaters, war erfunden. Das alles allein des Images & des Plattenverkaufs Willen.   1956 "Heimweh" - wurde zur Schnulze des Jahres. Ein echter Erfolg. Die Bedingung für den Erfolg stellten die Sender: unverheiratet & ungebunden musste Manfred nun "Freddy" sein und bleiben.. 

Inzwischen managte ihn Lilly Blessmann. Sie regelte alles. 50 Jahre waren sie zusammen ohne sich nur einmal als Paar zu erkennen zu geben.   
1965 war ein Reporter in Wien. Die Mutter Nidl gab sich als Haushälterin der gehobenen Dame aus. Gleichwie der Sohn sowie die Frau an seiner Seite: alle verleugneten alles. Eine echte Scheinwelt um sie herum. Fake statt Fakten. Jedoch eine wirkliche Erfolgsgeschichte.

Das Quinn-Muster: Das Image stand für seinen Erfolg. Ein Privatleben gab es offiziell gar nicht. Die Gerüchte und das Image waren stellten alles andere in den Schatten: Ein Doppelleben für den Erfolg: Die Schweizer Anschrift war fürs Finanzamt. Frau Lilly Blessmann in HH galt als Managerin, sie verkörperte eher das Privatleben.. 

Dann später holte ihn die Einsamkeit ein. Roswita Rosi, ein Fan, wurde Freddies Haushälterin. 02.05.2028 heiratet Freddy sie mit seinen 91 Jahren.

Zur Vertiefung: -Wiki-

https://www.youtube.com/watch?v=EQg4AtSj62Q

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Heimweh 1963.... schöne Beschreibung seines Lebensweges ....

Mit 93 gibt Freddy Quinn ENDLICH zu, was wir alle vermutet haben.

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Herzlichen Glückwunsch zum 95. Geburtstag.

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Roberta Flack / Fugees … „Killing me softly“ 1973,

"Killing Me Softly with His Song" is a song composed by Charles Fox with lyrics by Norman Gimbel. The lyrics were written in collaboration with Lori Lieberman after she was inspired by a Don McLean performance in late 1971. Denied writing credit by Fox and Gimbel, Lieberman released her version of the song in 1972, but it did not chart. The song has been covered by many other artists.

In 1973, it became a number-one hit in the United States, Australia and Canada for Roberta Flack, and also reached number six in the UK Singles Chart. In 1996, Fugees recorded the song with

In 1973, it became a number-one hit in the United States, Australia and Canada for Roberta Flack, and also reached number six in the UK Singles Chart. In 1996, Fugees recorded the song with Lauryn Hill on lead vocals, their version became a number-one hit in twenty countries. The version by Flack won the 1974 Grammy for Record of the Year and Best Female Pop Vocal Performance. The version by Fugees won the 1997 Grammy for Best R&B Performance by a Duo or Group with Vocal. Propelled by the success of the Fugees track, the 1972 recording by Roberta Flack was remixed in 1996 by Jonathan Peters, with Flack adding some new vocal flourishes; this version topped the Hot Dance Club Play chart.^[3] Since then, Flack and Fugees have performed the song together.^[4] The versions by the Fugees and Roberta Flack were both placed on the 2021 revised list of Rolling Stone's 500 Greatest Songs of All Time.^[5]

After decades of confirming Lieberman's contribution, Fox and Gimbel changed their story about the song's origins to downplay her role. Gimbel threatened McLean with a lawsuit in 2008, demanding he remove from his website an assertion that McLean was the inspiration for "Killing Me Softly," but McLean responded by showing Gimbel the latter's own words confirming the inspiration, published in 1973.

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Gerry Rafferty - "Baker Street"

… im Februar 1978, kam eine Platte in die Läden, die heute als Meilenstein der Popmusik gilt: Gerry Raffertys "Baker Street". Eine wichtige Rolle spielte dabei damals ein heute total berühmtes Saxophon-Solo. Es macht den Song quasi weltbekannt. Alles beginnt damit, dass der 30-jährige Musiker niedergeschlagen in einem Zug Richtung London sitzt. Der Traum, ein großer Rockstar zu werden, droht zu platzen.

Ein Ende als Neubeginn:     Raffertys alte Band "Stealers Wheel" hat sich gerade aufgelöst. Jeder habe jeden verklagt, erinnert sich Rafferty später für die Zeitung "The Telegraph". Er habe deshalb viel Zeit im Nachtzug von Glasgow nach London verbracht, um sich mit Anwälten zu treffen. "Danach bin ich dann oft bei einem Typen gewesen, der eine kleine Wohnung in der Baker Street hatte", erzählt Rafferty. Sie hätten dort zusammen gesessen, geplaudert, sinniert oder die ganze Nacht Gitarre gespielt. In dieser trostlosen Situation hatte Gerry Rafferty die Idee zu "Baker Street".  ….  Zuerst einmal  Ein Lied über einen Mann, der am liebsten aussteigen möchte. Doch weil er seine Probleme mit Alkohol lösen will, scheint es für ihn keinen Ausweg zu geben. Dazu komponiert Rafferty eine recht anspruchsvolle Melodie mit vielen – musikalisch total spannenden - Überleitungen zwischen den Passagen.

Ein Saxophon-Solo als Hitmacher:   "Da muss mehr passieren", denkt sich damals Plattenproduzent Hugh Murphy, der kurze Zeit später mit Gerry Rafferty im Tonstudio ist, um mit ihm ein Solo-Album aufzunehmen. Hugh Murphy schlägt Rafferty vor, die Überleitungen mit einem Saxophon-Solo aufzupeppen. Er engagiert dafür Raphael Ravenscroft. Und der bläst eine Melodie, die in die Popmusikgeschichte eingehen wird. Ravenscroft erinnert sich später, dass Rafferty ihm damals keine Vorgaben für die Melodie gemacht hatte. "Ich habe einfach eine alte Blues-Melodie als Grundlage genommen", erklärt Ravenscroft. Das Saxophon-Solo stellt sich als Geniestreich heraus. Und dieser macht Gerry Raffertys "Baker Street" zu einem Welthit - und Raphael Ravenscroft zu einem der gefragtesten Pop-Saxophonisten. Soll er für das Baker Street-Solo angeblich nur 27 Pfund bekommen haben, zahlen ihm nun Pink Floyd, ABBA, Tina Turner und Phil Collins nun bis zu 5000 Pfund für seine Dienste. Und so wird sowohl für Gerry Rafferty als auch für Raphael Ravenscroft das Lied zu Lebzeiten zu einem Sechser im Lotto.

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MSN (Diese Musikklassiker haben Sie garantiert immer falsch verstanden)

"Das Wirtschaftswunder als Resultat deutschen Fleißes - so versteht man es hierzulande gerne. Als 1978 "Bruttosozialprodukt" von Geier Sturzflug erschien, schien der Song für viele in dieselbe Kerbe zu schlagen. Dabei machten sie sich eigentlich über das deutsche Arbeitsethos lustig. Ludwig Erhard, der Vater des deutschen Wirtschaftswunders, hätte wohl eher nicht mitgetanzt."

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Gene Vincent - "Be-bop-a-lula"

"Be-bop-a-lula" gilt heute als Klassiker der Rock'n'Roll-Geschichte.

Eigentlich hatte Gene Vincent ganz andere Pläne. Er wollte bei der amerikanischen Marine, der US Navy, Karriere machen. Gerade hatte er sich für weitere sechs Jahre Wehrdienst verpflichtet. Doch dann passierte ein folgenschwerer Unfall: Gene Vincent verunglückte mit seinem Motorrad und landete im Krankenhaus.         

Das Zimmer teilte er sich mit einem gewissen Donald Graves. Während die jungen Leute draußen diese neue Musik namens Rock'n'Roll feierten, vertrieben sich Donald und Gene die Zeit im Krankenbett mit Radiohören und Comic-Heften wie "Little Lulu". "Little Lulu" ist ein schlaues, freches Mädchen, das sich gerne mit Jungs anlegt. Und diese lustig-listige "Little Lulu" brachte Gene und Donald nicht zur zum Lachen, sondern auch auf eine Idee - sie schrieben den Song "Be-Bop-A-Lula", ein Lied mit einem relativ simplen Text über die neue Freundin, die rote Jeans trägt und gut tanzen kann. Als Gene aus dem Krankenhaus kam, war seine Karriere als Marinesoldat vorbei. Zu schwer war seine Beinverletzung.

Zur richtigen Zeit am richtigen Ort

Da Gene ganz passabel Gitarre spielte, versuchte er sein Glück mit der Musik.  Schließlich war Elvis Presley der neue Stern am Rock'n'Roll-Himmel, und die Plattenfirmen suchten händeringend nach jungen Talenten, die dem King nacheiferten. Gene kam zur richtigen Zeit zum richtigen Ort:   

Im Februar 1956 nahm er an einem Talentwettbewerb teil, sang im Finale sein im Krankenbett geschriebene "Be-Bop-A-Lula" - und gewann sogar. Im Radio hörte man ihn rauf und runter. So wurde Gene Vincent zum neuen Teenager-Star, wenn auch nur für kurze Zeit.  An Elvis kam er nicht vorbei, aber sein "Be-Bop-A-Lula" wurde zu einem Rock'n'Roll-Klassiker, an dem sein damaliger Zimmergenosse „Donald“ jedoch nichts verdiente. Dieser hatte nämlich im jugendlichen Leichtsinn seinen Anteil der Song-Rechte für lumpige 25 Dollar an Gene´s Manager verkauft.

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Rolling Stones -Germany -

Platz

79George Michael,

„Faith“

Das beste „Baby“ der achtziger Jahre: wenn George Michael die zweite Strophe mit diesem „Baaa-baaay!“ einleitet. Nach dem Ende von Wham! war er mit „I’m Your Man“ und „The Edge of Heaven“ so gut drauf, dass man erwartete, dass er seine Solokarriere mit einem Paukenschlag beginnen würde. Aber „Faith“ zeigt sein exzentrisches Flair und klingt völlig anders als jeder andere Pop-Song dieser Ära – Akustikgitarre als Hi-Hat, Rockabilly als Ausrede, um eine Motorradjacke mit Perlen zu schmücken, vorbei und raus in drei Minuten, kein Fade-Out, nur ein kaltes Ende, plus ein 30-sekündiges Instrumental-Intro, das nur eine Orgel ist, die einen Wham! Oldie spielt. Haben wir die Bartstoppeln erwähnt? Jede Menge Stoppeln. Absolut genial. Wenn doch nur „Hard Day“ eine Single gewesen wäre.

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***:

Die Top10 der Britischen Models kamen auf die Bühne. George Michael war bereits zuvor 2016 gestorben. Im Video ist er gar nicht zu sehen. Er wird durch 5 männliche Models vertreten ...    Ein Clip, der post mortem entstanden ist. Der Song existierte allerdings schon zu Lebzeiten.
"Freedome":  Der Song von 1990 explodiert: Vergangenheit ist vorbei, die Gegenwart ist hier und die Zukunft explodiert.

. Jukebox explodiert ... ich fange mit einem neuem Leben an .... 

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PH:

"Funky"   ein Clip der den Song über den Clip verkauft Sexy: -die Ausstattung, die Bewegung, die Umarmung-

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George Michael - "Careless Whisper",    

                         - das Pop-Idol der 80er.

Er gehörte in den 80gern  zu den absoluten Superstars der Popmusik: George Michael. Er beginnt seine Karriere mit Andrew Ridgeley. Sie bilden das Pop-Duo  „Wham“  !   Ihr Hit "Last Christmas" läuft jedes Jahr im Radio, aber begonnen hat alles mit der Ballade "Careless Whisper".

Die Idee kam im Kino:  Mit 17 Jahren verdient sich George Michael als Teenager ein bisschen Taschengeld als Platzanweiser im Kino. Er lebt damals bei seinen Eltern in London. Aber die großen Hollywood-Filme reizen ihn nicht, er möchte lieber selbst Musik machen. Mit seinem Schulfreund Andrew und ein paar anderen Jungs hat er schon so manche Schulfete gerockt & die Mädchen lagen ihnen zu Füßen. Während einer Kinovorstellung denkt George über seine Freundinnen nach und wie leicht man ihnen mit einer unbedachten Äußerung wehtun kann. So kommt er auf den Text zu "Careless Whisper". Textauszüge: "Ich fühle mich so unsicher - Während ich deine Hand nehme und dich zur Tanzfläche begleite - Als die Musik verstummt - Ist etwas in deinen Augen - Das aussieht wie ein Spiegel - Mit all diesen traurigen Lebewohls".

Die markante Melodie:    Auf seinem Heimweg im Bus hat er dann die Idee zu der Saxofon-Melodie. Er ahnt nicht, dass er gerade einen Welthit schreibt. Er nimmt das Lied mit Andrew auf und sie spielen es auf einer Party. Alle sind begeistert, die Kassette mit "Careless Whisper" und anderen Probe-Songs landet bei einer Plattenfirma. George und Andrew bekommen einen Vertrag und landen unter dem knalligen Namen "Wham!" einige Hits. Ihr erster, "Careless Whisper", schafft es 1984 in 25 Ländern auf Platz 1.

Seine Solo-Karriere:      George Michael nimmt auch eine Version von "Careless Whisper" unter seinem Namen auf und startet so seine Solo-Karriere – trotz aller Skandale die die Schlagzeilen dominierten. Aber er hatte dann eh keine große Lust mehr auf das Popmusik-Geschäft. George Michael sagt: "Mein Genre, die Popmusik, ist tot. Ich habe keine Lust,     gegen Robbie Williams oder Will Young anzutreten. Das bringt mir nichts. Ich weiß nicht, wie meine Karriere aussehen wird, aber ich werde mich nicht an Casting-Show-Kandidaten messen lassen." Aber das muss er auch nicht. Seine Fans halten bis heute zu ihm.

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Und apropos Giorgio Moroder: Wie hätte das New Yorker Studio 54 ohne ihn geklungen? Und was ist mit den Soundtracks zu "Midnight Express" (1978), "American Gigolo" (1980) und "Scarface" (1983), um nur einige zu nennen. Moroder wird als "Vater der Disco" bezeichnet, und sein elektronisches Können wird auch heute noch gewürdigt.

(Link: Erinnern Sie sich an die ikonischen Musikstars der 1970er?)

Wiki
Giorgio Moroder - Wikipedia

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Glen Miller

wiki:

Gloria Gaynor - "I Will Survive"  , 1978,

"I Will Survive" von Gloria Gaynor gilt als Meilenstein der Popmusik  sowie  Klassiker der Disco-Musik.

Der amerikanische Komponist Dino Fekaris soll die Idee zu dem Song "I Will Survive" gehabt haben: Er sitzt gerade niedergeschlagen vor dem Fernseher, als die Gruppe „Rare Earth“ auf dem Bildschirm erscheint und einen seiner großen Hits spielt: "Generation". >> In diesem Augenblick ist Fekaris klar: "Ich werde überleben - I will survive." Aus dieser Erkenntnis macht er gemeinsam mit seinem Kollegen Freddie Perren einen Song - und gibt ihn Gloria Gaynor. Allerdings ist die gerade wegen einer schweren Rückenverletzung gar nicht richtig fit. Sechs Monate hat sie im Krankenhaus gelegen, ist zeitweise sogar von der Hüfte ab gelähmt. Allerdings hatte sie schon seit drei Jahren keinen Hit mehr landen können. Sie weiß: Wenn sie es jetzt nicht packt, dann war´s das mit der Karriere als Musikerin. Im amerikanischen Fernsehen erzählt Gloria Gaynor später, sie habe bei der Aufnahme noch ein Stütz-Korsett tragen müssen und nur deshalb dieses kämpferische Lied auch so überzeugend singen können.

Von der B-Seite zum Erfolg:  Zunächst ist die Nummer dem Chef der Plattenfirma nur eine B-Seite wert. Eine echte Fehleinschätzung, muss auch bald der Platten-Boss einsehen. Er korrigiert seine Entscheidung: "I Will Survive", die Mut machende Geschichte, in der ein treuloser Liebhaber zum Teufel gejagt wird, beschert Gloria Gaynor letztendlich ein fulminantes Comeback. Das Lied wird auch zur Hymne der Schwulen- und Lesben-Bewegung - und gilt heute als einer der Klassiker der Disco-Musik.

… "I Will Survive" von Gloria Gaynor (1978)

Gloria Gaynors Disco-Hit "I Will Survive" ist in der LGBTQ-Gemeinschaft zu einer Hymne der Stärke und des Durchhaltevermögens geworden. Der ermutigende Text des Liedes erzählt von der Überwindung eines gebrochenen Herzens und der Suche nach innerer Stärke, um weiterzumachen.

Newark, New Jersey, United States,   September 7, 1943,    SETTINGS   BIO

Gloria Gaynor (born September 7, 1949) is an American singer, best known for the disco era hits "I Will Survive" (Hot 100 number 1, 1979), "Never Can Say Goodbye" (Hot 100 number 9, 1974), "Let Me Know (I Have a Right)" (Hot 100 number 42, 1980) and "I Am What I Am" (R&B number 82, 1983).

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Rainer Böhm - Gottlieb Wendehals war sein Künstlername - (1941-2020)

Wiki:
Schlagerplanet:
Gottlieb Wendehals: Biografie und Wiki

Sein Kultsong von 1979 "Polonaise Blankenese" brachte halb Europa in Wallungen. Nun aber starb er 2020 in schwierigen Verhältnissen, bei finanzieller Instabilität und seelischer Erschöpfung.

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gutes Statement gegen den Krieg .. ein schmutziger Krieg .... "When Septemer Ends" .... 

Wenn man mit Video Menschen erreichen kann, sollte das prägen. Hier allerdings nur der original Sounstrack.

RTL-Sendung über "Clips"

Mit Schulszene haben sie neue Themen in die Gesellschaft getragen ... Sado-Maso .... Schmerz kann Lust bedeuten .... Sender strahlten nur spät aus oder verbannten die Videos generell ....

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MSN

Herbert Grönemeyer: So sah er bei seinem Durchbruch aus

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Heino über seinen Erfolg: „Ich hab ja nie für Frauen gesungen“

wiki:

Carmichael wuchs in ärmlichen Verhältnissen auf. Sein Vater war Arbeiter und zog mit der Familie immer wieder auf Arbeitssuche durch den Mittleren Westen. Zentrum der Familie blieb aber Bloomington, wo das Klavier seiner Mutter Lida stand, die durch Spiel in Kinos und auf Universitäts-Tanzbällen Geld hinzuverdiente. Nach seinen eigenen Worten war Ragtime sein Schlaflied. Carmichael studierte ab 1920 Rechtswissenschaft an der Indiana University Bloomington, spielte aber schon nebenbei in einer eigenen Band (Carmichael’s Collegiates) – das Jazz-Fieber hatte ihn gepackt, seit er 1919 in Indianapolis, wohin die Familie 1916 gezogen war, die Louie-Jordan-Band gehört hatte. 1916 brachte ihm der Pianist Reginald DuValle das Improvisieren bei. Ein Wendepunkt kam, als er 1922 Bix Beiderbecke hörte, der ihn dazu anregte, selbst zu komponieren und ein enger Freund wurde. 1926 machte er seinen juristischen Abschluss und arbeitete kurz als Anwalt in West Palm Beach in Florida.

...
Der Durchbruch kam 1930, als Jazz-Größen wie Duke Ellington, Louis Armstrong und die Dorsey-Brüder die von ihm komponierten Standards Georgia on My Mind, Lazy River und Rockin’ Chair aufgriffen (und natürlich sein zuerst im Oktober 1927 mit seiner Band aufgenommenes Stardust). In den 1930er Jahren wurde Carmichael selbst mit dem neuen Medium Radio und zahlreichen Aufnahmen für das damals führende Label Victor zum Star. Er tat sich mit dem Texter Johnny Mercer zusammen, und beide hatten 1933 einen großen Hit mit Lazy Bones.

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Inner Circle - "Sweat (a la la la la long)", 1992,

"Sweat (a la la la la long)" von Inner Circle stand im Jahr 1992 wochenlang auf Platz eins der Hitparaden. Ein Sommerhit, der harmlos daherkommt, aber es faustdick hinter den Ohren hat - genauso wie die Bandmitglieder. Mit dem Lied "Bad Boys" ("Schlimme Jungs") wurde die Reggae-Band 1987 auch außerhalb ihrer Heimat Jamaika berühmt. Fast 20 Jahre hatten die Musiker auf den Erfolg warten müssen. Der kam dann dank der amerikanischen TV-Serie "Cops", in der ihr "Bad Boys"-Song als Titelmusik zu hören war. Seitdem gabe sie sich auch den Namen "Bad Boys of Reggae" - "Die schlimmen Jungs des Reggae". Ihren zweiten großen Hit landete die Band fünf Jahre später mit "Sweat", dem - wie die große Musikzeitschrift "Billboard Magazine" damals titelte - "heißesten Reggae-Pop-Hit im Moment" & in Australien wurde der Song 2017 vom Music-Sender „Max“ in die Liste der 1000 besten Titel aller Zeiten aufgenommen.

Inner Circle: "Ein schöner Tag, ein großer Hit":     Entstanden ist dieser fröhlich klingende „Schwitze-Song“ am Neujahrstag 1992, auf einer Party in Florida, bei dort typischer Januar-Wärme. Keyboarder Touter Harvey erzählte dann in einem Interview mit der "New Straits Time": "Ein war ein schöner, heißer Tag. Und wir dachten, das sei genau das richtige Szenario, um einen großen Hit zu schreiben." Dank des eingängigen Refrains, der selbst von Kindern auf Anhieb mühelos mitgeträllert werden konnte, & einer reifen Marketing-Strategie der Plattenfirma, war das Lied bald der Hit – nicht nur in den USA, sondern auch weltweit in den FerienClubs.

"Sweat" sorgte jedoch auch für Diskussionen. Manche sahen das Lied als gewaltverherrlichend an, denn es handelt von einem Flirt, der zu eher zweifelhaften – Sex-Phantasien führt: "Ich will dich zum Schwitzen bringen, bist du nicht mehr schwitzen kannst. Und wenn du schreist, mache ich noch ein kleines bisschen weiter" heißt es im Refrain. Keyboarder Touter Harvey sagte dazu in der "New Straits Time": "Dass manche Leute den Song als vulgär bezeichnen, schockiert uns. Wir würden sie gerne vom Gegenteil überzeugen, aber wir wissen nicht, wie. Wir können nur sagen, dass 'Sweat' ein total unschuldiges Lied ist. Wir haben einen Party-Song schreiben wollen, der ins Ohr geht und nicht so schnell langweilig wird. Eines dieser Lieder, die du auflegst, wenn du nicht gut drauf bist."

Dass sich die Band selbst als "die schlimmen Jungs der Reggae-Musik" bezeichnete, war bei der Debatte wenig hilfreich - genauso wenig wie die Tatsache, dass der besungene Draufgänger am Ende des Liedes viel zu schüchtern ist, das Mädchen überhaupt anzusprechen. Dem Erfolg des Liedes tat das letztendlich keinen Abbruch. Denn jeder Mensch interpretiere ein Lied so, wie es ihm passe, sagte Touter Harvey damals. Und für die meisten anderen Menschen war und ist "Sweat" in der Tat einfach nur ein fröhlicher, unschuldiger Sommer-Ohrwurm.   

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Rolling Stone - Germany -

Platz

71Inner City, 

„Good Life“

Der Detroiter Techno-Zauberer Kevin Saunderson entwirft eine Vision von Disco-Transzendenz, bei der die Beats vor Aufregung sprühen, aber mit einer verzweifelten schneller-schneller-schneller-Energie. Wie die erste 12-Inch von Inner City, „Big Fun“, ist „Good Life“ ein Song, der einfach nicht aufhört, wobei die Disco-Diva Paris Grey den ultimativen Segen gibt: „Ich will, dass du willst, dass ich die ganze Nacht das gute Leben will!“
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:
Ein Titel, bei dem die Stimme der Sängerin und des Chors mit Vocoder präzisiert und ergänzt wurde. Recht experimental, jedoch gelungen.  Die "Trance",  in der man sich bewegt,  kommt heute nicht mehr vom LSD sondern von der Regie.

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"Flaschdance" .... Der ursprüngliche Film ist mit dem Video untrennbar verbunden.

 .... Alle Mädels haben den Film mindestens 10 mal gesehen und alle trugen sie eine nackte Schulter! 

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Die Jackson-Brüder, eine Motown-Familie wie keine andere, waren eine der ersten schwarzen Bands, die beim weißen Publikum Erfolg hatten. Ihre Hits der frühen 70er Jahre waren riesig, darunter "ABC" und "I'll Be There", und der junge Michael feilte an seiner Bühnenkunst, um noch größere Dinge zu erreichen. Boybands wie die Backstreet Boys und die Jonas Brothers schulden den 5 etwas.

(Link: Erinnern Sie sich an die ikonischen Musikstars der 1970er?)

Wiki:
The Jackson Five – Wikipedia

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ABC.... the Clip.

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wiki:

James Joseph Brown (May 3, 1933 – December 25, 2006) was an American singer, songwriter, dancer, musician, and record producer. The central progenitor of funk music and a major figure of 20th-century music, he is referred to by various nicknames, among them "Mr. Dynamite", "the Hardest-Working Man in Show Business", "Minister of New Super Heavy Funk", "Godfather of Soul", "King of Soul", and "Soul Brother No. 1".^[1] In a career that lasted more than 50 years, he influenced the development of several music genres.^[2] Brown was one of the first ten inductees into the Rock and Roll Hall of Fame on January 23, 1986. His music has been heavily sampled by hip-hop musicians and other artists.^[3]

With the hit ballads "Please, Please, Please" (1956) and "Try Me" (1958), Brown built a reputation as a dynamic live performer with the Famous Flames and his backing band, sometimes known as the James Brown Band or the James Brown Orchestra. His success peaked in the 1960s with the live album Live at the Apollo and hit singles such as "Papa's Got a Brand New Bag", "I Got You (I Feel Good)" and "It's a Man's Man's Man's World".

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PH:

Mseinen inbrünstigen Wiederholungen (Please, Please, Please, Please, Please ...) sowie seinen eher aussagearmen Texten galt seine Musik bei vielen Europäern damals auch als niveaulose "Negermusik", insbesondere bei den von Operette und Musikal-verwöhnten Ohren der Traditionalisten.

Seine artistischen Tanzeinlagen könnten auch Michael Jackson inspiriert haben. .

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Mit strikter Ordnung und strenger Disziplin begründete er seinen Erfolg. Sollte jemand berauscht (nicht von der Musik) angetroffen werden, war das sein Ende: Er wurde auf der Stelle gefeuert (Bassis Bootsy Collins-1971)

Später stellte sich heraus, dass er selbst am PCB hing bis er dann auch auf der Bühne sein Bewusstsein verlor (New Orleans Jazz & Heritage Festival, 1980), wirres Zeug redete und auf das Publikum einredete.

1988 begegnete man ihm mit einer Knarre wie er andere beschuldigte, sein Badezimmer benutzt zu haben. Ein Gericht verurteilte ihn daraufhin zu 6 Jahren Haft.

(11 Pop Legends Who Were Always High On Stage // Min4:00 ff)

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Try me, 1958, oder 1974;

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Rolling Stone -Germany-

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11Janet Jackson,

 „Nasty“

Ihr Vorname ist nicht Baby, sondern Janet – Miss Jackson, wenn Sie böse sind, und nach diesem Song würde niemand mehr diesen Fehler machen. „Nasty“ war das endgültige Statement von Control, Janet Jacksons Unabhängigkeitserklärung. Sie war zwar noch ein Teenager, aber sie hatte sich von ihrer Familie und einer schlechten Ehe gelöst. Janet ging mit Jimmy Jam und Terry Lewis eine der besten Symbiosen zwischen Sängerin und Produzentin aller Zeiten ein – ihr „Nasty“-Beat macht jeden mit jedem Hören 40 Prozent fiese.   

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PianoHarry:

Na ja "abgehackt" kann wohl auch "Musik" sein, so wie Verkehrslärm. Die Klänge und die Harmonien bleiben dann schon eher der Fantasie überlassen.

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Tänzerin ist herausragend .... 

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wiki:

Jennifer Lynn Lopez (born July 24, 1969)^[4] is an American singer, songwriter, actress, dancer, and businesswoman. Lopez is regarded as one of the most influential entertainers of her time, credited with breaking barriers for Latino Americans in Hollywood and helping propel the Latin pop movement in music. She is also known for her cultural impact through fashion, branding, and shifting mainstream beauty standards.

After appearing as a Fly Girl dancer on the sketch comedy series In Living Color (1991–1993), Lopez rose to wider fame as an actress with leading film roles in Selena (1997), Anaconda (1997), Out of Sight (1998), and The Cell (2000). She successfully ventured into music with her debut album, On the 6 (1999), which spawned the US Billboard Hot 100 number-one single "If You Had My Love". With her second album J.Lo and the romantic comedy The Wedding Planner (both 2001), she became the first woman to simultaneously have the number-one album and film in the United States. Her musical success continued with J to tha L–O! The Remixes—the first remix album to top the US Billboard 200—and This Is Me... Then (both 2002). These projects included the US number-one singles "I'm Real", "Ain't It Funny (Murder Remix)", and "All I Have".

Lopez established herself as one of Hollywood's highest-paid actresses with her roles in romantic comedies, including Maid in Manhattan (2002), Shall We Dance? (2004), and Monster-in-Law (2005). She also continued to make music, including the Spanish-language album Como Ama una Mujer (2007), as well as Love? (2011), which spawned the best-selling single of her career, "On the Floor". Following her role in the police drama series Shades of Blue (2016–2018), Lopez's film career saw an upturn with her critically acclaimed performance in the crime drama Hustlers (2019). She has since starred in Marry Me (2022), The Mother (2023), This Is Me... Now: A Love Story and Atlas (both 2024), and received praise for her supporting roles in Unstoppable (2024) and Kiss of the Spider Woman (2025).

Lopez has sold over 80 million records worldwide, while her films have cumulatively grossed over US$1.9 billion. Her accolades include a star on the Hollywood Walk of Fame, the Billboard Icon Award, three American Music Awards, four MTV Video Music Awards (including the Michael Jackson Video Vanguard Award), and six Guinness World Records. She has been ranked among the 100 most influential people in the world by Time (2018) and the World's 100 Most Powerful Women by Forbes (2012). Lopez has a large social media following, being one of the most-followed individuals on Instagram. Outside of music and acting, Lopez served as a judge on American Idol (2011–2016) and World of Dance (2017–2020). Her other ventures include a lifestyle brand, beauty and fashion lines, fragrances, a production company, and a charitable foundation.

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JETHRO TULL Live Tanglewood 1970 Remaster 16:9 (SB Mix)

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Rolling Stone - Germany -

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97Joan Jett, 
 „I Love Rock & Roll"

Nach der Gründung der Runaways wurde Joan Jett von der Musikbranche als abgehalfterte Überbleibsel mit einem schlechten Ruf abgetan. Doch dann landete sie mit „I Love Rock & Roll“, einem vergessenen Oldie von den Arrows, einen Nummer-Eins-Hit und machte ihn zur feministischen Drecksack-Hymne für die Ewigkeit. Solange es Jukeboxen, Dimes und rebellische Grrrls in schwarzem Leder gibt, wird dieser Song immer wieder erklingen.

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Wie Jimmy Hendrix in seinen jungen Jahren Carlos Santana kennen & schätzen lernte

Jimi Hendrix Picked A Random Man For A Guitar Challenge — Didn't Know He Was Carlos Santana

Jimi Hendrix 

       "Hey Joe"         

Jimi Hendrix stirbt 1970 im Alter von 27 Jahren.

Der junge Ausnahme-Gitarrist aus den USA sucht sein Glück in Europa und wird weltberühmt. Am 18. Oktober 1966 gibt der schwarze Musiker mit dem Afro-Look im legendären Pariser Olympia ein Konzert. Wenige Tage später, am 23. Oktober 1966, nimmt er seine erste Single in London auf - den amerikanischen Folk-Song "Hey Joe", dessen Ursprung mehr oder weniger im Dunkeln liegt. Damals ist Jimi noch ein relativ kleines Licht am Popmusik-Himmel. Doch nur ein halbes Jahr später gilt er bereits als Sensation. Im März 1967 tritt Jimi Hendrix in einem Radio-Konzert des NDR auf, und Moderator Jochen Rathmann begrüßt den Musiker mit folgenden Worten: "Dieser Wundermann aus Amerika hat in ganz kurzer Zeit eine Karriere gemacht, die denen der Beatles und Rolling Stones gleichkommt."

Jimi Hendrix verändert Rock- und Popmusik grundlegend:      Mit "Hey Joe" beginnt der Aufstieg eines Mannes, der die Rock- und Popmusik grundlegend verändern sollte. Nicht mit seinem Gesang, sondern mit seinem Gitarrenspiel. Jimi Hendrix entlockt der E-Gitarre bis dahin nie gehörte Klänge. Und setzt bei Konzerten auf die große Show.      Nicht alle finden das gut. Jimi Hendrix ist das egal: " Ich kümmere mich nicht darum, was sie sagen. Wenn ich mit meinen Zähnen spielen will, dann tue ich das, weil ich mich so fühle. Alles, was ich auf der Bühne tue, ist völlig natürlich für mich."

Tod mit 27 Jahren

1969 tritt er dann beim legendären Woodstock-Festival auf - als letzter am frühen Montagmorgen. Er beendet seinen Auftritt &  das Woodstock-Festival mit "Hey Joe". Ein Jahr später, im September 1970, spielt Jimi Hendrix auf der Insel Fehmarn beim "Love and Peace Festival", und natürlich steht auch dort "Hey Joe" auf dem Programm. Es ist der letzte große Festival-Auftritt von Jimi Hendrix. Zwei Wochen später stirbt der Ausnahme-Gitarrist im Alter von nur 27 Jahren - und wird zum Mythos: > weil über die Umstände seines Todes bis heute spekuliert wird, >> weil Jimi Hendrix in seinen wenigen jungen Jahren zu einem der berühmtesten Gitarristen aller Zeiten avancierte.

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Der letzte Tag in seinem Leben:

Er wurde wohl beobachtet, verfolgt, verängstigt, terrorisiert und...ermordet...???

Jimi Hendrix Autopsy Reveals Horrifying Truth– What Really Happened in His Last 24 Hours

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nicht der Boden bewegt sich, sondern die Bühne bewegt sich und alles wirkt sehr obstruss.... 

Jonathan Kleser zauberte verstörende Clips ... 
Botschaft: immer wieder überfährt das Auto den Künstler. 
Am Ende zerbricht das Auto ... Im Leben muss man immer wieder aufstehen ...

Joan Baez 
"The Night They Drove „Old Dixie“ Down"    1969, ihr Top-Hit.
 

"The night they drove old Dixie down" heißt übersetzt so viel wie "Die Nacht, in der der „Alte Süden“ (Dixie) zu Grabe getragen wurde". Das Lied handelt vom Ende des Amerikanischen Bürgerkrieges 1865, als – wie im Lied gesungen wird - die Glocken läuteten und die Menschen sangen. Beschrieben wird die Niederlage der Südstaaten aus der Sicht des Soldaten Virgil Caine, der an einer Eisenbahnlinie seinen Dienst tut und die vernichtenden Schlachten hautnah miterlebt. Das Lied wurde 1969 von der kanadischen Gruppe „The Band“ mit dem Sänger Robbie Robertson geschrieben & publiziert.  Joan Baez coverte den Song & machte darus einen Top-Hit: 1971.          
Soldaten im Amerikanischen Bürgerkrieg:   Die „Südstaaten“ werden hier auch als „Dixieland“ bezeichnet. Nach Ende des Krieges kehrt „Virgil Cane“ (bibl: Kain & Abel!!! = dieser Krieg ist Brudermord!!!) zu seiner Familie zurück. Und es nagt an dem armen, aber stolzen Farmerssohn, dass seine Südstaaten den Krieg verloren haben (=Cane!). Doch noch viel mehr schmerzt ihn der Tod seines im Krieg gefallenen Bruders.    
Der Amerikanische Bürgerkrieg wird in "The Night They Drove Old Dixie Down" zwischen den Zeilen bewertet, & dient so als Gegenstand der Kritik. In erster Linie erzählt der Song die Lebensgeschichte eines einfachen Soldaten, der gutgläubig in den Krieg zieht und ihn dann mit all seiner Brutalität und Härte erlebt.       

Der Song wurde ihr größter Hit:   Obwohl das Lied insbesondere hinsichtlich des Vietnam-Krieges und der weltweit aufkeimenden Friedens-Bewegungen vorzüglich in die Zeit passte und viel Beachtung fand, wurde es von „The Band“ nie als Single veröffentlicht. Das übernahm zwei Jahre nach Erstveröffentlichung Joan Baez selbst. Sie nahm ihre Version " in einem Tonstudio in Nashville auf und verpflichtete kurzerhand die ganze Belegschaft als Hintergrund-Chor.    

Joan Baez hatte den Text eigenhändig vom Band-Album abgeschrieben und sich dabei ein paar kleine Verhörer geleistet, die die subtilen Verse bei ihr etwas banaler klingen ließen. Das rief zwar ein paar Kritiker auf den Plan, tat dem Erfolg des Liedes aber keinen Abbruch: "The Night They Drove Old Dixie Down" wurde Joan Baez' größter Hit. Eine deutsche Fassung unter dem Titel "Am Tag, als Conny Kramer starb" wurde daraufhin von der damals erst 15-jährigen Juliane Werding gesungen – aber das ist eine andere Geschichte.
 

The Night They Drove Old Dixie Down – Wikipedia

 

mit ursprünglichem Text

• 1971 hatte die Folk-Sängerin Joan Baez mit ihrer Version des Titels ihren ersten und einzigen US-Top-Ten-Hit (Platz 3). Allerdings erlaubte sich Baez einige textliche Änderungen, so wurde „Stoneman’s cavalry“ zu „so much cavalry“ und aus „Robert E. Lee“ wurde „the ‘Robert E. Lee’“.^[11] Hoskyns schrieb dazu in Across the Great Divide: „Two years later, Joan Baez recorded a terrible version of ‚Dixie‘ that seemed to turn Robert E. Lee^[12] into a steamboat …“^[3] Im Rolling-Stone-Interview mit Kurt Loder gab Baez an, keinen geschriebenen Text gehabt zu haben, sie habe stattdessen den Text so gesungen, wie sie ihn verstanden habe.^[13]

• Weitere Coverversionen – teilweise auf Livealben – gibt es von Johnny Cash, John Denver, Jerry García, The Black Crowes, Richie Havens und Johnny Logan.

• 1982, leicht geändert, Merle Kilgore.^[14]
  
   

mit geändertem Text

•  

  1972 hatte die 15-jährige Sängerin Juliane Werding mit Am Tag, als Conny Kramer starb, das sich mit Drogenmissbrauch befasst, einen Nummer-eins-Hit in Deutschland, der sich 14 Wochen in den Top-Ten hielt^[15] und sich über eine Million Mal verkaufte. Hans-Ulrich Weigel verfasste den Text.^[16]

• 1986 sang die deutsche Punkband Die Goldenen Zitronen in Anspielung an Werdings Hit den Titel Am Tag, als Thomas Anders starb.

• 1999 sang die Rechtsrock-Band Die Härte eine Version, die indiziert und beschlagnahmt wurde.

Das Zitat Dixie zu Beginn der The Band-Interpretationen des Songs erfüllt mehrere Funktionen: Zunächst stellt es einen Bezug zum „Alten Süden“ der USA her, auch die Assoziation der Bürgerkriegs-Thematik wird speziell dem amerikanischen Hörer durch dieses unmittelbar zuordenbare musikalische Fragment förmlich aufgedrängt.

Auf tonaler Ebene dient das Zitat dazu, die Tonart des eigentlichen Stückes, C-Dur, zu etablieren. Diese Tonart wird – zumindest bis zum ersten Refrain – für das Ohr niemals ganz zweifelsfrei bestätigt, denn die verwendeten Begleitakkorde sind alle auch der Tonart F-Dur zugehörig, und auch parallele Molltonarten (A-Moll und D-Moll) könnten das eigentliche tonale Zentrum sein.

Intro und erste Hälfte der Strophe

Einfache Begleitmodelle, die ausschließlich diatonische Dreiklänge verwenden, sind in vielen Volksmusiktraditionen gang und gäbe. Bekannte Lieder, die in ihrem „volkstümlichen“ harmonischen Duktus The Night They Drove Old Dixie Down ähneln, sind zum Beispiel The House of the Rising Sun oder Chan Chan (aus Buena Vista Social Club). The Night They Drove Old Dixie Down unterscheidet sich jedoch von diesen und vielen anderen Liedern durch die ihm eigene, tonale Ambivalenz. Dieser Effekt entsteht durch den Verzicht auf einen klaren Dominant-Akkord, der das Stück einer der möglichen Tonarten unzweideutig zuordnen würde. Die Melodie des Liedes weist eine ähnliche Auslassung auf, indem sie keinen der beiden Töne H oder B verwendet, die bei einem Stück in C- oder F-Dur als Leittöne zu erwarten wären.

Zweite Hälfte der Strophe

Dadurch, dass verwandte Dur- und Mollakkorde ohne verbindende oder vorbereitende Dominantklänge nebeneinander gestellt werden, entstehen mehrfach trugschlussähnliche Klangwirkungen, die mit dem Schwanken der emotionalen Aussage des Textes zwischen Trauer, Nostalgie, Stolz und Unbeugsamkeit auffällig korrespondieren.

So, wie der Text im Refrain zu einer weniger individuellen, allgemeingültigeren Aussage findet, wechseln auch die musikalischen Stilmittel: Das Pendeln zwischen dem Tonikaakkord C und seiner Subdominante Fmaj7, also die plagale Kadenz, ist traditionell in der tonalen Musik so untrennbar mit geistlicher Musik verbunden, dass diese Wendung auch als „Amen-Kadenz“ bekannt ist. Die zum Abschluss führende Akkordfolge suggeriert in ähnlicher Weise kirchenmusikalische Modelle, die umgangssprachlich meist unter den Oberbegriffen Choral und Gospel subsumiert werden.

Choralartige Harmonik des Refrains

Dies unterstreicht den hymnenartigen Charakter der Melodie und die entsprechenden Andeutungen im Text („all the bells were ringing […] and all the people were singing“), die selbstverständlich weniger als historischer Tatsachenbericht, sondern als Ausdruck der kollektiven Wahrnehmung der „Südstaatler“ zu verstehen sind.

Verstärkt wird der hymnische Effekt des Refrains noch durch den geschickten Einsatz des ausharmonisierten Backgroundgesangs, der an einigen herausgehobenen Textstellen hinzutritt (nämlich der eigentlichen Hookline, eben „the night they drove old Dixie down“, und dem abschließenden Silbengesang). Während solcher mehrstimmiger, größtenteils homophoner Gesang tief in der Tradition des weltlichen und geistlichen amerikanischen Liedes verwurzelt ist, ist die Aufführungspraxis von The Band insofern etwas ungewöhnlich (wenn auch nicht vollkommen neuartig), als sie die Hauptmelodie Levon Helms in die tiefste Stimme legt, während Danko und Manuel falsettierende Oberstimmen darüber setzen.

Typischer mehrstimmiger Refraingesang von The Band

Ebenso, wie der Text, ohne inhaltlich zu einem Abschluss gekommen zu sein, auf bedeutungslosem Silbengesang endet, verklingt die Melodie allmählich während des letzten Subdominantakkordes, die Musik erreicht also ihre Tonika oder ihren Grundton nicht im Sinne einer befriedigenden Schlusswirkung.

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John Denver - 
"Take Me Home, Country Roads"  1971,  John Denver wurde 54 Jahre alt.

Kurz vor Silvester 1970 gibt Country-Sänger John Denver mit dem Musiker-Ehepaar Billy und Taffy Danoff ein Konzert in Washington. Auf dem Heimweg verunglücken die drei mit ihrem Auto. John Denver bricht sich dabei den Daumen und muss in ein Krankenhaus gebracht werden. Zwar kann er noch in derselben Nacht die Klinik wieder verlassen, aber an Schlaf ist nach der Aufregung nicht mehr zu denken. Die Danoffs nehmen John Denver mit nach Hause. Sie sprechen über den Unfall, über das Konzert und über einen neuen Song, an dem Billy und Taffy arbeiten. Sie spielen ihn John Denver vor.

Melodie ist fertig - Text fehlt:    Die Melodie war soweit fertig, nur mit dem Text haperte es noch, doch der sollte perfekt sein, denn die Danoffs wollten das Lied an dem großen Johnny Cash verkaufen. John Denver schnappt sich trotz des gebrochenen Daumens seine Gitarre, klimpert darauf herum, und plötzlich sprudelt eine Zeile nach der anderen aus den drei Musikern heraus: Es wird eine Liebeserklärung an die Heimat im Allgemeinen und an den US-Bundesstaat West-Virginia im Besonderen: "Take Me Home, Country Roads".

Inspiration von Postkarten:  Kurioserweise sind weder die Danoffs noch John Denver bis dahin in West-Virginia gewesen. Sie haben sich lediglich von Postkarten inspirieren lassen. Billy Danoff erzählt später: "Die Idee dahinter war, einen Ort zu wählen, der möglichst weit weg für uns war, beinahe exotisch weit weg. West-Virginia, für mich hätte es auch irgendwo in Europa liegen können." John Denver bittet die Danoffs, das Lied nicht Johnny Cash zu geben. Er möchte es selbst singen. Bereits am nächsten Abend spielen die drei "Take Me Home, Country Roads" bei einem Konzert. Dann nehmen sie es im Tonstudio auf - die Eheleute Danoff singen im Hintergrund - und John Denver landet mit diesem Lied einen seiner größten Hits. 1997 verunglückt John Denver bei einem Flugzeugabsturz.

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John Cameron Fogerty (* 28. Mai 1945 in Berkeley, Kalifornien) ist ein US-amerikanischer Sänger, Songwriter und Rockgitarrist, der vor allem als Gründer und musikalischer Kopf der Rockband Creedence Clearwater Revival („CCR“) bekannt wurde.

Fogerty wurde in Berkeley, Kalifornien, geboren und wuchs als dritter von fünf Söhnen von Galen Robert und Edith Lucile Fogerty in El Cerrito auf.^[1] Sein Vater stammte aus Iowa und arbeitete als Setzer, seine Mutter war Lehrerin. Fogerty besuchte zunächst eine katholische Schule. In seiner Biografie Fortunate Son äußerte sich Fogerty kritisch über seine frühe Schulzeit und gab an, dass er im Unterricht nicht auf die Toilette gehen durfte, wenn er darum bat, und dass er sich häufig einnässte und gezwungen war, in seiner nassen Kleidung dazusitzen.^[2]

Nach einem Jahr wechselte Fogerty in die nahe gelegene Harding Grammar School. In seiner Biografie schreibt er, dass seine Eltern Alkoholiker waren und sich scheiden ließen, als er in der dritten oder vierten Klasse war.^[2] Später besuchte er die St. Mary’s High School und wechselte dann an die El Cerrito High School, wo er die anderen zukünftigen Mitglieder von CCR kennenlernte und Gitarrenunterricht bei Barry Olivier, dem Gründer und Produzenten des Berkeley Folk Festivals, nahm. Fogertys älterer Bruder Tom war Gitarrist und Bandkollege in der Gruppe, aus der schließlich CCR wurde. Fogerty verbrachte seine Sommerferien in Putah Creek in der Nähe von Winters, Kalifornien, das zum Thema des CCR-Songs „Green River“ wurde.

John Lennon - "Imagine"       

Im Jahr 1971 schreibt John Lennon "Imagine".

März 1971: ein Vormittag im englischen Tittenhurst. John Lennon sitzt im Schlafzimmer seines gregorianischen Landhauses an einem weißen Flügel. Und schreibt in nur wenigen Stunden einen Pop-Hit, der in die Geschichte eingehen wird. "Stell Dir vor, es gäbe kein Himmelreich. Es ist ganz einfach, versuch es! Keine Hölle unter uns. Über uns nur der Himmel", singt John Lennon. "Stell Dir vor, es gäbe keine Gier, keinen Hunger, keinen Krieg." Die Botschaft des Liedes lautet: Soll die Welt besser werden, muss sie sich zunächst in den Köpfen der Menschen verändern. Die Idee zu "Imagine" hat John Lennon seiner Ehefrau Yoko Ono zu verdanken. Die Künstlerin hatte einige Jahre zuvor ein Buch mit dem Titel "Grapefruit" veröffentlicht, in dem es an verschiedenen Stellen heißt: "Stell Dir dieses oder jenes vor".

"Imagine": Meilenstein der Popmusikgeschichte:  Eine Friedenshymne, gespielt auf einem weißen Flügel - dieses Bild gefällt John Lennon. Er wird es später in einem Film über die Entstehung von "Imagine" entsprechend in Szene setzen. Im Studio jedoch muss er sich allerdings mehr oder weniger zähneknirschend mit einem normalen, braunen Klavier zufriedengeben. Und auch sonst wird die Aufnahme bewusst sehr schlicht gehalten: Außer Lennon sind nur der deutsche Bassist Klaus Voormann und der Schlagzeuger Alan White mit von der Partie. Später wird der Produzent Phil Spector noch ein paar zarte Streicher hinzufügen. Mehr nicht. 

John Lennon will, dass "Imagine" so einfach wie ein Kinderlied ist. Es wird zu einem Meilenstein der Popmusikgeschichte.

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• wiki:

  John Miles (* 23. April 1949 als John Errington in Jarrow;^[1] † 5. Dezember 2021 in Newcastle upon Tyne) war ein britischer Musiker (Gitarre, Keyboard, Gesang) und Komponist. Er wurde vor allem durch den Hit Music (1976) bekannt. In den 1970er und 1980er Jahren war er einer der Sänger des Alan Parsons Project.

  In den 1970er Jahren arbeitete John Miles mit dem Bassisten Bob Marshall zusammen, der viele Texte für Miles’ Kompositionen schrieb, darunter auch die meisten Texte für das erfolgreichste Album Rebel, nicht jedoch für den Hit Music.^[2] Bei der Veröffentlichung der Single Highfly 1975 trat Miles noch als „langhaariger Rocker“ auf, etwa in der BBC-Sendung Top of the Pops.^[3] Sein Manager Chris Poole überzeugte ihn, sein Image zu ändern und sich ein festes Bild mit Wiedererkennungswert zuzulegen.^[3] In Verbindung mit der Verwendung des 1955 verstorbenen Jugendidols James Dean auf dem Cover von Rebel^[4] entschied er sich zusammen mit seinem Label Decca Records für ein an den Filmschauspieler angelehntes Image.

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  PH:
  "Music" wurde zu einem kultigen Rock-Highlight.

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1997 steht der Mann in Schwarz im Rampenlicht!

und erhält Rekord-Einschaltquoten im Internet .... 

wiki:
"Man in Black" (or "The Man in Black") is a protest song written and recorded by singer-songwriter Johnny Cash, originally released on his 1971 album of the same name. Cash himself was known as "The Man in Black" for his distinctive style of on-stage costuming. The lyrics are an after-the-fact explanation of this with the entire song a protest statement against the treatment of poor people by wealthy politicians, mass incarceration, and the Vietnam War.
 

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PH:
1971: Die Aufnahmen waren noch ohne Clips und verkauften sich auch--

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Johnny Cash - "Ring Of Fire"           
 1963 album Ring of Fire: The Best of Johnny Cash.   Der 2003 verstorbene Johnny Cash wird bleiben. 

Der Song ist untrennbar mit Johnny Cash verbunden, geschrieben wurde er aber von June Carter, seiner späteren Ehefrau - und großen Liebe.    Die beiden trafen sich zum ersten Mal Mitte der 50-er. Johnny Cash sagte damals zu ihr: "Hi, ich bin Johnny Cash - und wir beide werden heiraten!" Johnny Cash hatte schon als Teenager für June Carter geschwärmt. Sie und ihre Familie waren eine der bekanntesten Country-Bands des Landes. Nachdem auch Johnny den Sprung ins Rampenlicht geschafft hatte, sahen sich die beiden immer öfter. Und kamen sich immer näher. Allerdings war Johnny bereits verheiratet. Und das brachte June in Gewissensnöte. Zudem musste sie mit ansehen, wie Johnny immer tiefer in den Drogensumpf geriet.

Ungewöhnliche Instrumentierung macht den Song unverkennbar: Als ihr diese ganzen Sorgen eines Nachts wieder einmal den Schlaf raubten, fuhr sie in der Gegend herum und hatte plötzlich die Idee zu "Ring Of Fire" - einem Song über eine Liebe, die einen Menschen wie ein Feuer verzehrt. Darin heißt es: "Ich fiel in einen Feuer-Ring. Und während es bergab ging, wurden die Flammen immer größer. Er brennt, er brennt, er brennt - der Feuer-Ring." Zusammen mit ihrem Musikerkollegen Merle Kilgore machte sie ein Lied daraus. Junes Schwester Anita nahm das Lied auf  & auch Johnny fand Gefallen daran, war aber noch auf der Suche nach dem gewissen Etwas.  …. Die Instrumentalisierung???  …. 

June und Johnny - Traumpaar der Country-Welt:  Johnny Cash ließ sich kurz darauf scheiden und heiratete June Carter. Die beiden wurden das Traumpaar der Country-Musik. 2003 starb June Carter-Cash, Johnny folgte ihr nur vier Monate später.   

Kurz nach dem Tod der beiden kam ihr Song "Ring Of Fire" noch einmal die Schlagzeilen - ein Arzneimittelhersteller wollte das Lied über den Feuer-Ring in einem Werbespot für Hämorrhoiden-Salben verwenden.    …     Dies aber wussten die Familie Cash aber zu verhindern.

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Das Leben von Johnny Cash: Wie der Held der Außenseiter als erster Amerikaner überhaupt von Stalins Tod erfuhr

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Die kanadische Sängerin und Songschreiberin Joni Mitchel hat die 1960er Jahre mühelos hinter sich gelassen, um das neue Jahrzehnt zu begrüßen, indem sie Einflüsse aus Pop und Jazz einfließen ließ und damit eine neue Generation von Musikerinnen und auch einige Umweltschützer beeinflusste. Hören Sie sich einfach Mitchells "Big Yellow Taxi" an und denken Sie über die folgende Zeile nach: "They paved paradise and put up a parking lot" – also: "Sie haben das Paradies gepflastert und einen Parkplatz angelegt".

(Link: Erinnern Sie sich an die ikonischen Musikstars der 1970er?)

Wiki:
Joni Mitchell – Wikipedia

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spritzig-gezielt-gefunden

Joseph Kosma (ungarisch József Kozma; * 22. Oktober 1905 in Budapest, Österreich-Ungarn; † 7. August 1969 in La Roche-Guyon, Frankreich) war ein österreichisch-ungarisch-französischer Komponist, der ab 1933 in Frankreich lebte. Er machte dort vor allem mit Filmmusiken auf sich aufmerksam, schrieb aber auch Chansons und Musik für Bühnenstücke.

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wiki:

Autumn Leaves" was originally composed in 1945 by Joseph Kosma, a Hungarian-born composer, with lyrics by Jacques Prévert for the French song "Les Feuilles mortes" ("The Dead Leaves"), Wikipedia. The melody was partly derived from Kosma's ballet music for Le Rendez-vous by Roland Petit, performed in Paris at the end of World War II, and shows influences from classical composers like Jules Massenet and Tchaikovsky Wikipedia. The song was first featured in Marcel Carné’s 1946 film Les Portes de la nuit, performed by Irène Joachim and Yves Montand 

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Rolling Stone - Germany -

Platz

93Kajagoogoo, 

„Too Shy“

Das unverschämt perfekte One-Hit-Wonder der Achtziger, d.h. der One-Hit-Wonder-intensivsten Ära der Musikgeschichte. Seien wir ehrlich, wenn Sie an die achtziger Jahre denken, denken Sie an Schamlosigkeit. Sie denken an Haare. Sie denken an kosmetische Katastrophen und modische Grausamkeiten, an schwülstigen Elektro-Funk und achteckige Synth-Drums. Kajagoogoo hatte das alles, mit dem herrlich knalligen „Too Shy“. Ein elfenhaftes Sternenkind namens Limahl singt „Too shy-shy, hush hush, eye-to-eye“, als wäre es Poesie, und wenn der Song endet, ist er es auch.

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Kansas - "Dust In The Wind"                  „Ronnie Platt“ war ab 2014 Leadsänger bei Kansas.

Wohl eine der schönsten Balladen der Rockmusik ist ein Song aus dem Jahre 1977. "Dust In The Wind" ist auf dem Album "Point Of Know Return" von der amerikanischen Band Kansas veröffentlicht worden. Damals, im Herbst, hatte der Gitarrist Kerry Livgren gerade eine Tour mit der Band hinter sich, er genießt die freie Zeit mit Ehefrau Vicky, liest ein Buch über die Poesie der Indianer und spielt auf der Terrasse ein bisschen auf der Gitarre: Er will sich eine neue Spieltechnik aneignen - das sogenannte "Travis“- Picking, benannt nach dem amerikanischen Country-Musiker Merle Travis:   Music arranged for fingerstyle playing can include chords, arpeggios (the notes of a chord played one after the other, as opposed to simultaneously) and other elements such as artificial harmonics, hammering on and pulling off notes with the fretting hand, using the body of the guitar percussively (by tapping rhythms on the body), and many other techniques. Often, the guitarist will play the melody notes, interspersed with the melody's accompanying chords and the deep bassline (or bass notes) simultaneously. Some fingerpicking guitarists also intersperse percussive tapping along with the melody, chords and bassline. …    One definition of the technique has been put forward by the Toronto (Canada) Fingerstyle Guitar Association:

Physically, "Fingerstyle" refers to using each of the right hand fingers independently to play the multiple parts of a musical arrangement that would normally be played by several band members. Deep bass notes, harmonic accompaniment (the chord progression), melody, and percussion can all be played simultaneously when playing Fingerstyle.^[2]

Many fingerstyle guitarists have adopted a combination of acrylic nails and a thumbpick to improve tone and decrease nail wear and chance of breaking or chipping. Notable guitarists to adopt this hardware are Ani DiFranco, Doyle Dykes, Don Ross, and Richard Smith.

Von indianischer Poesie inspiriert:     Eine große Herausforderung für den gestandenen Rock-Gitarristen, der es ansonsten auch gerne laut und heftig mag. Aber Kerry gibt sich alle Mühe & entwickelt für seine Belange gar eigene Fingerübungen. Und während sich Kerry konzentriert, kommt ihm ein Satz aus dem Buch über indianische Poesie in den Sinn, das er zuvor gelesen hat: "All we are is dust in the wind" - "Wir sind nur Staub im Wind." …   Dieser Gedanke fasziniert ihn - was sind Reichtum und Erfolg wirklich wert, wenn wir am Ende doch alle wieder zu Erde werden? Und während er Gitarre spielt, fängt er an zu dichten: "Ich schließe meine Augen. Nur für einen Augenblick. Und der Augenblick ist schon wieder vorbei. Alle meine Träume spielen sich ganz merkwürdig vor meinen Augen ab. Staub im Wind. Wir sind nur Staub im Wind!"

Ein paar Wochen später trifft sich die Band, um die Songs für das neue Album zu proben. Es fehlt ihnen allerdings noch ein Lied. Kerry spielt den Bandkollegen darum "Dust In The Wind" vor, obwohl er selbst nicht viel von dem Lied hält, weil es nicht typisch Kansas ist. "Das ist doch keine Rockmusik!", denkt er. Doch er steht mit seiner Meinung allein da. Die Jungs sind hellauf begeistert. Und sie alle haben Recht. "Dust In The Wind" wird nicht nur der größte Hit von Kansas, sondern sogar zum Klassiker!  

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Kaoma - "Lambada"   ,  1989,  

Kaoma wurde extra für die Produktion des Hits "Lambada" gegründet.

Der Begriff "Lambada" stammt aus dem Portugiesischen und beschreibt eine peitschenartige Bewegung aus der Hüfte heraus - so wird der Lambada getanzt: peitschenartig zuckend, erotisch, wild, ungehemmt, so, dass viele Zeitgenossen damals die Nase rümpften und sich das Arbeitsgericht in Bocholt sogar mit der Frage beschäftigen musste, ob Lambada-Tanzen auf dem Betriebsfest an Prostitution grenze. Und im US-Bundesstaat Utah wurde Lambada-Tanzen seinerzeit sogar per Gesetz verboten. Dabei ist doch alles halb so wild.

Beschreibung aus Wikipedia:     Ein seitlicher Hüftschwung ohne Rotationsanteil in der Tanzflächen-Ebene, aber mit Körperheben und -senken auf jeden Taktschlag; mit zusätzlichem Fußheben auf jede dritte Gewichtsverlagerung - auf den Rhythmus Quick-Quick-Slow; auf den Slow erfolgt eine reaktive Außenrotation mit Streckung des Spielbeins.

Das Problem war, dass in den TV-Shows diese reaktiven Außenrotationen des Spielbeins vor allem von knapp bekleideten Strandschönheiten vollzogen wurden - die ganz nebenbei ihre Stringtangas präsentierten und sich dabei an ihren Tanzpartnern schubberten.

Eigentlich kam der Lambada in den frühen 70ern aus Brasilien. Dass der Tanz dann 1989 weltweit in die Beine ging, haben wir zwei französischen Musikproduzenten zu verdanken. Sie brachten den Lambada von Brasilien nach Europa. Das passende Lied hielten sie für eine brasilianische Volksweise & diese ließen sie von der eigens gegründeten Band "Kaoma" in einer disco-tauglichen Version aufnehmen. Tatsächlich handelte es sich dabei aber um die offiziell angemeldete Komposition einer Musikgruppe aus Bolivien namens "Los Kjarkas".

Lambada-Hysterie zahlte sich aus:    Als der Lambada zum Welterfolg wurde, bekamen auch die panflötenden Musiker in den Anden Wind davon und meldeten bei den Musikproduzenten im fernen Frankreich ihre Ansprüche an. Erfolgreich – die Hälfte aller Lambada-Einnahmen ging an die bolivianische Musikgruppe. Das dürfte nicht wenig gewesen sein, denn die Lambada-Hysterie war heftig! Allerdings auch nur kurz. Der Lambada verschwand genau.

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Katrina And The Waves - "Walking On Sunshine", 1985,

Katrina Leskanich landete 1985 mit ihrer Band „Katrina And The Waves“ und dem Song "Walking On Sunshine" auf den Spitzenplätzen der internationalen Hitparaden.

Einer der beliebtesten und bekanntesten "Sommer-Sonne-Gute-Laune-Songs" gehört seit 1985 einfach zum Sommer dazu. Entstanden ist das Lied allerdings im tiefsten englischen Winter. Den Gitarristen der Band Katrina And The Waves, Kimberley Rew, hatte es schwer erwischt. Er lag mit einer schweren Grippe flach, nutzte aber die Zeit, um seinen Gedanken zu einem Song zu folgen, so erzählt jedenfalls Katrina Leskanich vor einiger Zeit in der amerikanischen TV-Show "Studio 10“: "Kimberley Rew hatte das Lied geschrieben, als er unter einer hartnäckigen Symptomen litt. Es war ein eiskalter Februar-Tag. Kimberley quälte sich zu uns ins Studio. Und er sagte mit leidender, heiserer Stimme: 'Ich hab hier einen neuen Song, er heißt 'Walking On Sunshine'!' Das ist ja nett,“ dachte Katrin, aber das Lied passte nicht zu uns. Wir machten eigentlich härtere Musik - mehr Rock'n' Roll, wie die Ramones. Aber sie wurde die Melodie dann doch nicht mehr los, sie hatte sich in ihren Kopf festgesetzt."

Chance von Plattenfirma in Kanada

Das war 1983. Die Band wartete immer noch auf den ersten Plattenvertrag. Und es hagelte eine Absage nach der anderen. Schließlich meldete sich eine kleine Firma aus dem fernen Kanada und gab der Band aus dem englischen Cambridge eine Chance - in Kanada. Besser als nichts, dachten sich Katrina & die Jungs &, nahmen ein Album mit dem Titel "Walking On Sunshine" auf. dabei nutzen sie die Gelegenheit, in Amerika Kontakte zu anderen Musikern in Amerika zu knüpfen.

Mit Erfolg. Sogar der Weltstar Prince wurde auf die Band aufmerksam - und schließlich auch eine weltweit agierende Plattenfirma. Die sorgte dafür, dass Katrina And The Waves ihr "Walking On Sunshine" weniger rockig spielten, …  dafür aber mitreißende Bläser-Klänge einbauten. Ein guter Rat! Kurz darauf, im Sommer 1985, stand der Song auf den Spitzenplätzen der internationalen Hitparaden. Seitdem gehört das Lied über das unbeschreibliche schöne Gefühl des Verliebtseins zu den beliebtesten und bekanntesten Sommerhits überhaupt.  

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Rolling Stone -Germany-

Platz

9Kate Bush,
 „Running Up That Hill“

Niemand hat Kate Bush jemals vorgeworfen, ein konventioneller Popstar der 1970er Jahre zu sein – ihr erster Hit handelte schließlich von Wuthering Heights. Aber in den Achtzigern, als sie wie eine verrückte Wissenschaftlerin in ihrem eigenen Labor den Fairlight CMI-Synthesizer in die Hände bekam, erreichte sie noch viel wildere Höhen. Sie verwandelte ihre Art-Rock-Phantasien in wolkenbruchartig vibrierende Klangträume wie „Running Up That Hill“. Der Song stürzte 1985 in die U.S. Top 40 ab – wurde aber 2022 zu einem noch größeren Hit und verbrachte den Sommer in den Top 10. Er klang im Radio zwischen Lizzo und Harry Styles genauso bizarr wie einst zwischen Phil Collins und Falco. Aber es ist ein Song, den man unzählige Male hören kann, ohne dass er jemals in den Hintergrund tritt.

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Rolling Stone Germany

Platz

138Kim Carnes, 

„Bette Davis Eyes“

Kim Carnes war mit dieser Proto-Indie-Sleaze-Ode an die sexuelle Spionage neun Wochen lang auf Platz eins, mit einem der prägnantesten Gleichnisse des Jahrzehnts: „Sie ist rein wie New Yorker Schnee“. Der Song stammt von Jackie DeShannon, der Folk-Rock-Legende aus L.A., die ihn in den 1970er Jahren sang, aber Kims Hit bringt die gruselige Synthie-Atmosphäre mit, besonders wenn sie raspelt: „All the boys think she’s a spy! Sie hat die Augen von Bette Davis!“ Bette schrieb ihr einen Dankesbrief. Carnes sang später ein Zwei-Wort-Solo bei „We Are the World“ („When we!“). Taylor Swift gab eine denkwürdige Akustikversion auf der Speak Now World Tour Live zum Besten und sagte dem Publikum: „Ich würde Ihnen gerne etwas Musik vorspielen, von der ich ein Fan bin und die aus L.A. stammt“ und fügte hinzu: „Dieser Song kam 1981 heraus, acht Jahre bevor ich geboren wurde.“

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Kiss sind berühmt für ihre ausgefallenen Bühnenauftritte und ihr exzentrisches Make-up. Die Band gibt es seit 1973 und hat zwischen 1974 und 1979 sieben Studioalben veröffentlicht. Das viel kopierte, berühmte Make-up der Band ist nach jedem Einzelnen benannt und umfasst "The Starchild" (Paul Stanley) und "The Demon" (Gene Simmons).

(Link: Erinnern Sie sich an die ikonischen Musikstars der 1970er?)

Wiki:
Kiss - Wikipedia

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MsN:

Zum 50. Jubiläum von ROCK AND ROLL OVER legen Kiss die Platte von 1976 in einer "Super Deluxe Edition" neu auf.

Kiss haben ein besonderes Schmankerl für ihre Fans. So bringen die Hard Rock-Veteranen am 6. November eine Super Deluxe Edition von ROCK AND ROLL OVER heraus. Das fünfte Studioalbum der Gruppe feiert dieses Jahr nämlich 50. Jubiläum. Das Boxset beinhaltet vier CDs, eine Blu-ray-Audio mit insgesamt 130 Titeln (darunter 100 bisher unveröffentlichte Tracks und Mixe) sowie ein T-Shirt.

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"Die Roboter"

Ohne die innovative deutsche Elektronikgruppe Kraftwerk gäbe es Soft Cell, Depeche Mode und eine Vielzahl anderer Synthie-Pop-Bands nicht. David Bowie war ein Fan, und selbst Giorgio Moroder würdigte das deutsche Vierergespann.

(Link: Erinnern Sie sich an die ikonischen Musikstars der 1970er?)

Wiki
Kraftwerk - Wikipedia

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spritzig-gezielt-gefunden

in USA war Kraftwerk bereits in den  Video-Charts aber in D noch völlig unbekannt. 

Roboter-Masken ... "Das Model" wird zum absoluten Hit!

50ger Jahre Videos wurden eingespielt & sind sind sehr sexy ausgewählt. 

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Led Zeppeling  „Stairways to Heaven“ , 1971

5. "Stairway to Heaven" von Led Zeppelin

"Stairway to Heaven" (1971) wird oft als eine der größten Rockkompositionen aller Zeiten gepriesen. Es nimmt die Zuhörer mit auf eine fesselnde musikalische Reise, zeigt die Virtuosität der Band und schafft ein bleibendes Meisterwerk, das den Test der Zeit überstanden hat.

Led Zeppelin werden regelmäßig als die beste Band der 1970er Jahre bezeichnet. Mit ihrem Debütalbum "Led Zeppelin" aus dem Jahr 1969 begannen Led Zeppelin, die Rockmusik neu zu definieren, und veröffentlichten in den 1970er Jahren einige der beliebtesten und einflussreichsten Werke der Rockgeschichte.

(Link: Erinnern Sie sich an die ikonischen Musikstars der 1970er?)

Wiki: 
Led Zeppelin - Wikipedia

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MSN:
Faktencheck: Die 10 wildesten Led-Zeppelin-Legenden, auf ihren Wahrheitsgehalt überprüft

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Leo Sayer - "When I Need You"

Leo Sayers größten Erfolge waren "Long Tall Glasses", "You Make Me Feel Like Dancing", "More Than I Can Say" und "When I Need You".

Im Frühjahr 1977 steht auf Platz eins der internationalen Hitparaden ein Lockenkopf aus England. Der damals 29-jährige Leo Sayer erlebt mit "When I Need You" den Höhepunkt seiner Karriere. Zu verdanken hat er das Paul McCartney, der einen anderen berühmten Kollegen in eine große Krise gestürzt hatte.

Die Krise des Albert Hammond:  "Wenn ich dich brauche, dann schließe ich meine Augen und bin bei dir. Und alles, was ich dir dann geben möchte, ist nur einen Herzschlag entfernt." Was für eine herzzerreißende Ballade. … Geschrieben wird es allerdings von Albert Hammond, Mitte der 70er-Jahre, nachdem dieser dank "It Never Rains In Southern California" und anderer Hits bereits ein großer Star geworden war.  … Nur die Selbstzweifel nagten an Hammond:  "Ich kam nach einer neun Monate langen Tournee nach New York, ich hatte da noch was bei meiner Plattenfirma zu erledigen. Und die lud mich zu einem Konzert von Paul McCartney ein. Der war so gut! Zurück im Hotel rief ich meine Frau an und sagte: 'Ich höre auf mit der Musik! Ich werde nie so gut sein!' Mir ging's echt nicht gut und ich vermisste meine Familie so sehr. Als er den Hörer auflegte, begann er 'When I Need You' vor sich hin zu singen."

"Der genialste Komponist des Planeten":     Zum Glück hängt Hammond die Musik nicht an den Nagel, sondern nimmt stattdessen also diesen neuen Song auf. Leider kann er damit aber keinen Hit landen - im Gegensatz zu Sayer: Der ist ein Jahr später bei derselben New Yorker Plattenfirma zu Gast und hat ebenfalls Sehnsucht nach seiner Frau.  ….  Als die Plattenbosse ihm das Lied vorspielen, ist er begeistert, und als er dann noch hört, dass Hammond das Lied geschrieben hat, greift er zu. … Seit 1977 macht Leo Sayer mit diesem Lied das Kuscheln bei Kerzenschein noch romantischer. … Denn noch heute sagt Leo Sayer: "Albert ist einer der größten Melodien-Erfinder! Es ist unschlagbar inspirierend, mit einem der großen & genialsten Komponisten der Welt zusammen zu arbeiten. Und ich bin sehr stolz auf diese Zusammenarbeit."

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"Rolling Stone - Germany"     
       -   Das ultimative Ranking: Die 200 besten Songs der 80er 

Platz-

192:              Leonhard Cohen-

"Tower of Song", 
                      das Resumé seines Lebenswerkes

Leonard Cohen übernimmt die Rolle des Elder Statesman der Rockwelt. Der jüdisch-kanadische Dichter murmelte einmal über Liebe und Tod und die lebenslange Qual des Begehrens. Cohens Album I’m Your Man aus dem Jahr 1988 machte ihn berühmter denn je, nachdem er jahrelang nicht einmal seine Musik in den USA veröffentlichen konnte (selbst „Hallelujah“ wurde erst Jahre später von niemandem beachtet). „Tower of Song“ ist seine Lebensgeschichte, vor allem, wenn er raspelt: „Ich wurde so geboren/Ich hatte keine Wahl/Ich wurde mit der Gabe einer goldenen Stimme geboren.“
 

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wiki:
Leonard Cohen (born September 21, 1934, Montreal, Quebec, Canada—died November 7, 2016, Los Angeles, California, U.S.) was a Canadian singer-songwriter whose spare songs carried an existential bite and established him as one of the most distinctive voices of 1970s pop music (Leonard Cohen | Biography, Songs, & Facts | Britannica). 

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PianoHarry:
Nun gut, wer kennt ihn nicht, aber seine immer wieder auch schrill zitierten Texte verstecken oft manche Überraschung: Was soll man denn Zwielichtiges und Jugendscheues hinter "Halleluja" vermuten? Klingt es doch wie die himmlischen Heerscharen. Aber Heerscharen kann man auch woanders begegnen.  Nein, es gehört nicht in die Kirche. Falsch. Auch nicht zur Hochzeit. Eher noch zum Junggesellenabend, wo sich der Bräutigam auf dem "Upper Floor" ganz "Kinky" an einen Stuhl gefesselt wieder findet. ... etc etc ... Hört Euch den Song doch noch mal genau an. Wenn man das früher schon mal geahnt hätte, ob die Charts dann wohl der richtige Platz für ihn gewesen wären? 
Aber James Brown hat es ja auch geschafft, ganz unverhohlen und wohl eher auch nicht jugendfrei: "Sex-Bomb" und das auch noch mit den alles aufgeilenden Bläser-und Sachs-Sets. 

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